Tradutor / Translator / Traductor / Übersetzer / Traduttore / Traducteur / 翻訳者 / переводчик

segunda-feira, 24 de abril de 2017

Sombras do Terror / The Terror (1963)

O que é um pontinho de uniforme, em cima de um cavalo, à beira-mar e completamente perdido? É o jovem Jack Nicholson no início de “Sombras do Terror” (1963). Ele está prestes a viver uma experiência que vai lhe dar pesadelos para o resto da vida.

What is a little man in uniform, riding a horse by the sea, completely lost? It's young Jack Nicholson in the beginning of “The Terror” (1963). He's about to live an experience that will be the souce of nightmares for the rest of his life.
O tenente Andre Duvalier (Nicholson) se perdeu de seu regimento. Ele está vagando na praia, com sede e sem rumo, quando ele vê uma bela jovem (Sandra Knight). Ela lhe dá água fresca e então desaparece.

Lieutenant Andre Duvalier (Nicholson) has lost his regiment. He's wandering around the beach, thirsty and hopeless, when he sees a beautiful young woman (Sandra Knight). She gives him fresh water and then disappears.
Quando ele é resgatado por Gustav (Jonathan Haze), um morador local, ele comenta sobre a jovem que viu perto ao mar, mas a velha que está cuidando dele, Katrina (Dorothy Neumann), diz que não há nenhuma jovem vivendo ali perto. Entretanto, Gustav conta a Andre que a jovem realmente exista, está precisando de ajuda e pode ser encontrada no castelo do Barão Victor Von Leppe (Boris Karloff).

When he is rescued by Gustav (Jonathan Haze), a local man, he talks about the woman he has seen by the sea, and the woman who is looking after him in her house, Katrina (Dorothy Neumann), tells there is no young woman anywhere nearby. But Gustav tells Andre thay the young woman indeed exists, needs help and can be found in the castle that belongs to the Baron Victor Von Leppe (Boris Karloff).
Andre vai ao castelo e descobre que a mulher que ele pensou ter visto morreu 20 anos antes. No entanto, algo no comportamento do Barão e de seu mordomo (Dick Miller) o faz ficar no castelo e investigar melhor o assunto.

Andre goes to the castle only to find out that the woman he thought he has seen has been dead for 20 years. However, something in the behavior of the Baron and his butler (Dick Miller) make him stay in the castle and investigate the issue further.
Eu acabei de mencionar todos do elenco nos últimos três parágrafos. Sim, é um elenco formado por apenas seis pessoas. Na verdade, havia mais diretores que atores no filme: Roger Corman foi o diretor principal, e o único creditado, mas seis outros dirigiram pequenas sequências, incluindo o novato Francis Ford Coppola e o próprio Nicholson. Corman filmou tudo em apenas quatro dias, e a pós-produção durou nove meses.

I just mentioned everybody in the cast in the last three paragraphs. Yes, it's a cast made of only six people. Actually, there were more director than actors in the film: Roger Corman was the main director, and the only one credited, but six others directed little sequences of the film, including newcomer Francis Ford Coppola and Nicholson himself. Corman shot the film in only four days, and went on to post-produce it for nine months.
Jack Nicholson, então com 26 anos, havia feito televisão e participado de dois outros filmes de Corman, incluindo “A Pequena Loja de Horrores” (1961). Ele e Corman haviam acabado de filmar “O Corvo” (1963) e o sempre econômico diretor decidiu usar os mesmos dois protagonistas e o mesmo set para “Sombras do Terror”.

Jack Nicholson, then 26, had appeared on television and in two other Corman films, including “The Little Shop of Horrors” (1961). He and Corman had just finished “The Raven” (1963) and the always cheap director decided to use the same two leads and locations for “The Terror”.
A protagonista Sandra Knight era na época casada com Nicholson, e estava grávida durante as filmagens. Eles foram casados de 1962 a 1968. Sandra então mudou-se para o Havaí e se casou novamente. Embora tenha tido outros relacionamentos, Jack nunca mais se casou.

Leading lady Sandra Knight was by then married to Nicholson, and was pregnant during the shooting. They remained married from 1962 until 1968. Sandra then moved to Hawaii and remarried. Although he had other relationships, Jack never remarried.
O filme usa a música muito bem. A trilha sonora é sinistra desde o começo. A cena em que Andre está seguindo a moça só nos dá arrepios por causa da música de fundo – se fosse uma cena silenciosa, ou com uma melodia diferente, nossa reação seria muito distinta.

This film uses the music very well. The soundtrack is eerie since the beginning. The scene in which Andre is following the woman only gives us goosebumps because of the music playing – if it was a silent scene, or with a different music, the feeling would be very different.
O uso das cores também é um destaque. É “color by Pathé” e de fato nos faz lembrar um pouco de Pathécolor – ou Pathéchrome – uma técnica completamente distinta usada entre 1904 e o fim dos anos 20 em filmes mudos. Obviamente “Sombras do Terror” não foi colorido manualmente – mas tem um esquema de cores interessante e uma divisão angular marcda entre áreas de sombra e de luz.

The color is also a thing to observe. It's “color by Pathé” and it does indeed remind us a little of Pathécolor – or Pathéchrome – a completely unrelated technique used from 1904 until the late 1920s tint silent films. Or course “The Terror” was not colored manually – but it has an interesting color scheme and a very angular division between shadows and color.
Não é uma adaptação de Edgar Allan Poe como as muitas que Corman dirigiu – embora ele considerasse este filme uma “adição honorária” em seu ciclo de Poe. Não é um filme tão ruim quanto os primeiros minutos nos fazem imaginar. “Sombras do Terror” é um bom filme de horror com um imenso plot twist. Vale a pena vê-lo – e é um filme para ser visto com as luzes acesas!

It’s not an Edgar Allan Poe adaptation as many Corman directed – even though he considered it an “honorary entry” on his Poe cycle. It’s not nearly as bad a movie as it looks in its first minutes. “The Terror” is a nice horror movie with a huge plot twist. It’s worth your time – and it’s a film to be seen with the lights on!

“The Terror” is on public domain, available at YouTube and Internet Archive.


This is my contribution to the Here’s Jack blogathon, hosted by Gill at Realweegiemidget Reviews. Happy 80th birthday, Mr Nicholson!

sexta-feira, 21 de abril de 2017

Amor de Dançarina / Dancing Lady (1933)

Era uma vez Joan Crawford, ou melhor, Janie Bartow. Assim como Mia de La La Land, ela acha que dança bem e está disposta a fazer de tudo para se tornar uma estrela da Broadway. É a MGM dos anos 30, então nós podemos ter certeza de que ela alcançará o sucesso. Porém, aqui o objetivo não é o mais importante – estamos muito mais interessadas na jornada até atingi-lo.

Once upon a time, there was Joan Crawford, or better, Janie Bartow. Like Mia from La La Land, she thinks she can dance and is willing to do anything to become a star on Broadway. It’s 1930’s MGM, so we can be sure she’ll succeed. But here the finish line is not important – we’re much more interested in the journey.
Tod Newton (Franchot Tone) é um homem rico cujo conceito de diversão é bem estranho. Ele paga o ingresso de seus amigos ricos e também de um mendigo para que todos possam assistir a um strip-tease burlesco que acaba com a polícia invadindo o teatro e prendendo as dançarinas. Então Tod vai até a delegacia assistir ao julgamento improvisado. Ele se encanta com Janie (Crawford) e paga a fiança de 30 dólares, livrando-a da cadeia.

Tod Newton (Franchot Tone) is a rich man whose concept of fun is a little weird. He pays entrances to his rich friends and also to a beggar for a Burlesque striptease act that ends up with the dancers being arrested for indecency. Then Tod follows the girls to the court in order to see the brief judgment. He is then smitten by Janie (Crawford) and pays the $30 bail to free her from jail.
Janie conta a Tod que ela quer ser levada a sério como dançarina. No dia seguinte, ela vai atrás deste sonho e também do Midas do teatro musical Patch Gallagher (Clark Gable). Ela não consegue nem chegar perto dele para pedir para fazer um teste, e mais uma vez Tod a ajuda.

Janie tells Tod that she wants to be a serious dancer. The following day, she chases her dream and goes after musical theater Midas Patch Gallagher (Clark Gable). She can't even get near him to discuss an audition, and once again Tod appears to offer help.
Tod envia uma carta de recomendação ao chefe de Gallagher e Janie é chamada para um teste – mas com os Três Patetas acompanhando-a ao piano. Ela se mostra mais esperta que eles – o que não é muito difícil – e prova que sabe sapatear.

Tod sends a recommendation letter to Gallagher's boss and Janie is given an audition – but with the Three Stooges accompanying her at the piano. She outsmarts them – which is not really difficult – and proves that she can tap dance.
Ela consegue o papel, e frequentemente discute com Gallagher. Ao mesmo tempo, Tod investe no show, e continua paquerando-a. Janie se diverte com ele, mas confessa que não está interessada em casamento – ela quer focar em seu objetivo e ajudar o show a ser um sucesso.

She gets the part, and often clashes with tough Gallagher. At the same time, Tod puts money on the show, and goes on with his courting. Janie has a good time with him, but tells him she's not interesting in marriage – she wants to focus on becoming a real dancer and help the show.
Algumas sequências mais rápidas parecem tiradas de filmes mudos – por exemplo, quando Janie toma o trem para ir até o centro em busca de seu sonho, ou quando ela está seguindo Gallagher. Há também um pouco da audácia dos filmes pre-Code, com roupas transparentes, dançarinas mal cobrindo seus mamilos e um uso específico de sombras enquanto as moças trocam de roupa.

Some fast sequences look like taken from silent films – for instance, when Janie first gets the train to go downtown after her dream, and when she is following Gallagher everywhere in order to be noticed. There is a little pre-Code naughtiness, too, with transparent gowns, dancers barely hiding their nipples and a specific use of shadows when the girls change clothes.
Quando o show finalmente estreia, percebemos que é um espetáculo kitsch. Com o intuito de superar os musicais de Busby Berkeley feitos na Warner, a MGM adiciona a “Amor de Dançarina” um breve momento em que acreditamos que vai começar a mágica do caleidoscópio, mas nada isso acontece. No lugar, temos um tapete voador, Crawford e Astaire com trajes típicos da Bavária – Joan com tranças loiras e Fred com um fino bigode – e então Nelson Eddy interrompendo franceses do século XVIII e convidando-os para virem para os dias atuais – onde, vestidos com celofane, eles dançam e tudo acaba em um carrossel!

When the show finally opens, we realize that it is a kitsch extravaganza. In order to top Busby Berkeley's musicals being made then at Warner, MGM puts in “Dancing Lady” a brief moment in which we believe the kaleidoscopic magic will appear, but it doesn't. Instead, we have a flying carpet, Crawford and Astaire dressed as Bavarians – with Joan in blonde braids and Fred with a thin mustache – and then Nelson Eddy interrupting French people from the 18th century and inviting them to the modern days – where, dressed in cellophane dresses, they have a dance-off that ends in a merry-go-round!
Em sétimo nos créditos, atrás de uma atriz chamada Winnie Lightner, há alguém chamado Fred Astaire. Pior, creditados como auxiliares, temos Nelson Eddy e Sterling Holloway. Pior ainda, Eve Arden e Lynn Bari sequer são creditadas!

Seventh billed, behind someone called Winnie Lightner, there is another someone called Fred Astaire. Worse, billed as supporting players, we have Nelson Eddy and Sterling Holloway. Even worst, Eve Arden and Lynn Bari are not even credited!

“Amor de Dançarina” foi a estreia de Fred no cinema, e ele interpreta a si mesmo. Embora Joan seja convincente como dançarina, para seu parceiro Fred a dança vem naturalmente – ele é mais gracioso, leve, como se ele tivesse nascido sabendo dançar. Em seu filme seguinte, ele novamente interpretaria alguém chamado Fred – mas desta vez, ele dançou com Ginger Rogers, e o resto é história.

“Dancing Lady” was Astaire's film debut, and he goes by his real name. Although Joan is believable as a dancer, for her partner Fred it comes naturally – he's smoother, lighter, like he was born dancing. In his next movie, he would once again play a character named Fred – but this time, he was paired with Ginger Rogers, and the rest is history.
Nelson Eddy também estreou no cinema em 1933, mas “Amor de Dançarina” não foi seu primeiro filme – embora tenha sido o primeiro em que ele recebeu crédito. O diretor de “Amor de Dançarina”, Robert Z. Leonard, dirigiria quatro musicais de Eddy com Jeanette MacDonald.

Nelson Eddy also debuted on film in 1933, but “Dancing Lady” wasn’t his very first movie – it was, however, the first in which he was credited. Director Robert Z. Leonard directed “Dancing Lady”, and would go on to direct four Eddy – MacDonald musicals.
Franchot Tone interpreta o playboy rico interessado na protagonista – o mesmo tipo de papel que ele interpretaria no ano seguinte em “Boca para Beijar”, desta vez ao lado de Jean Harlow. O próprio Tone era de uma família rica e havia estudado na Cornell University – neste contexto, ele era o oposto de Joan Crawford. Joan e Franchot estavam namorando durante as filmagens de “Amor de Dançarina”, mas negavam o namoro para os jornalistas que perguntavam – afinal, o divórcio de Joan de Douglas Fairbanks Jr ainda não havia saído. Há boatos de que a rivalidade entre Bette Davis e Joan começou em 1935 foi causada por Franchot.

Franchot Tone plays the rich playboy interested in the leading lady – the same kind of role he’d play the following year in “The Girl from Missouri”, this time with Jean Harlow. Tone himself was from a wealthy family and attended Cornell University – in this sense, he was the opposite of Joan Crawford. Joan and Franchot were dating when “Dancing Lady” was being filmed, but they denied the romance to the magazine columnists who asked about it – after all, Joan’s divorce to Douglas Fairbanks Jr wasn’t yet completed. Rumor has it that Franchot was the reason behind Bette Davis’s and Joan’s feud, which started in 1935.
“Amor de Dançarina” foi um grande sucesso, mas não é nenhuma obra-prima. Nele falta a redenção e o toque sério que existem nos números finais dos musicais da Warner Brothers. É um filme de muitas estreias no elenco coadjuvante, mas ele pertence a Joan Crawford, e é seu carisma que nos faz acreditar que qualquer um pode triunfar na Broadway.

“Dancing Lady” was a huge success, but it’s far from a masterpiece. It lacks the redemption and serious touches that Warner Brothers musicals added to their finales. It’s a film of many debuts in the supporting cast, but it belongs to Joan Crawford, and her charisma that makes us believe anyone can triumph on Broadway.


This is my contribution to the Franchot Tone blogathon, hosted by Emily at Finding Franchot.

sábado, 15 de abril de 2017

Conflito de Duas Almas / Golden Boy (1939)

Nós comumente pensamos – porque, fala sério, é mais fácil pensar desta maneira – que as pessoas podem ser colocadas em categorias. Assim, achamos que atletas não gostam de arte e que aqueles que trabalham com a cabeça não gostam de cuidar da aparência. Tudo isso é bem diferente da verdade, e a convivência – não exatamente pacífica – de interesses opostos na vida de um jovem é o tema principal de “Conflito de Duas Almas”.

We usually think – because, come on, it's easier to think this way – that people can be put in little stereotypical jars. This being, we think that athletes don't like arts and the ones who use their brains are not so good at physical activities. This is actually far from the truth, and the convivence – not exactly pacific – of opposing interests in a young man's life is the main theme in “Golden  Boy”.
Joe Bonaparte (William Holden) é um grande boxeador. Ele aprendeu o esporte em academias e nas ruas, longe de seu pai, e agora é uma promessa do esporte. Por que o pai de Joe não pode saber que o filho luta boxe? Porque o velho homem quer que o filho se torne um grande violinista – e este não é um sonho impossível, porque Joe também é muito bom com o violino.

Joe Bonaparte (William Holden) is a great boxer. He learned boxing in gyms and at the street, without his father's knowledge, and now is a promise of the sport. Why can't his father know? Because the old man's hope is to see his son becoming a great violinist – and this isn't an impossible dream, because Joe is also very good with the violin.
Mas Joe terá de tomar uma decisão – ou deixar que alguém a tome por ele. O entusiasmo da família e dos amigos quando ele toca violino o fazem ter motivação para praticar mais e mais. Por outro lado, se ele for um bom boxeador e ganhar várias partidas, ele ajudará seu empresário, Tom Broody (Adolphe Menjou), a se divorciar e se casar com Lorna Moon (Barbara Stanwyck).

But Joe has to make up his mind – or let someone else do it for him. His family's and friends' enthusiasm when he plays the violin make him practice more and more. On the other hand, if he is a good boxer who wins several matches, he'll help his manager, Tom Broody (Adolphe Menjou) to settle his divorce and marry his sweetheart Lorna Moon (Barbara Stanwyck).
Como fã de cinema clássico e de William Holden, você deve saber que ele só foi escalado para ser o protagonista aqui – no primeiro filme em que ele recebeu crédito – porque Barbara Stanwyck insistiu. Holden não está mal, mas não podemos negar que uma gama maior de emoções é exigida de Stanwyck.

As a fan of classic film and William Holden, you may know that he was cast as the lead here – the first film in which he was credited - by Stanwyck's insistence. Holden is not bad, but we can't deny that a lot more acting range is demanded from Stanwyck.
Holden é convincente como violinista, mas as tomadas longas na luta final não nos deixam vê-lo muito bem, e alguém pode até pensar que era um dublê que estava no ringue. A luta não é nem de perto tão emocionante quanto a melhor luta já filmada para um longa-metragem, em “Corpo e Alma” (1947). Uma curiosidade: John Garfield, o boxeador em “Corpo e Alma”, estava entre as opções para protagonizar “Conflito de Duas Almas”.

Holden is convincing as a violinist, but the long shots in the final fight don't let us see him very well, and one may even think it was a double in the rink. The fight is nowhere nearly as exciting as the best boxing match ever shot for a film, in “Body and Soul” (1947). One curious trivia: John Garfield, the boxer in “Body and Soul”, was considered briefly for the role in “Golden Boy”.
Eu fiquei animada ao descobrir que “Conflito de Duas Almas” foi dirigido por Rouben Mamoulian, um dos mais menosprezados diretores de todos os tempos, na minha opinião. Ele esbanjou criatividade na transição da era muda para a falada, quando fez ótimos filmes com pequenas experiências sonoras, como “Aplausos” (1929), “Ruas da Cidade” (1931) e “Ama-me esta noite” (1932), e também contou a história de uma personagem feminina forte em “Rainha Cristina”(1933).

I was excited to discover that “Golden Boy” was directed by Rouben Mamoulian, one of the most underrated directors ever, in my opinion. He was his most creative in the transition from the silent era to the talkies, when he made great movies with little sound experiences, like “Applause” (1929), “City Streets” (1931) and “Love Me Tonight” (1932), and also told the story of a fierce female character in “Queen Christina” (1933).
O torpe e vil código Hays tolheu sua criatividade, e em “Conflito de Duas Almas” ele se mostra seguro em relação ao seu trabalho, mas sem toques de mágica. O que é interessante sobre Mamoulian aqui é que ele havia sido escalado para dirigir “A Mulher faz o Homem” para a Columbia, enquanto Frank Capra se encarregaria de “Conflito de Duas Almas”. Foi Capra quem pediu para trocar de projeto com Mamoulian.

The pure evil Production Code cut his creativity short, and in “Golden Boy” he is sure of his job, but not exactly magical. What is interesting about Mamoulian here is that he was supposed to direct “Mr Smith Goes to Washington” for Columbia studios, while Frank Capra was supposed to direct “Golden Boy”. Capra was the one who asked to change projects with Mamoulian.
Mamoulian is on the left, with a light suit and wearing glasses
“Conflito de Duas Almas” é um bom filme, talvez um pouco longo demais e previsível. Mas, para Holden, era apenas o começo. O melhor ainda estava por vir...

“Golden  Boy” is a nice movie, maybe a little too long and predictable. But, for Holden, it was just the beginning. The best was yet to come...


This is my contribution to the 2nd Golden Boy Blogathon, hosted by Virginie at The Wonderful World of Cinema.

domingo, 9 de abril de 2017

The (many) stuff that dreams are made of

Sam Spade toca o famoso Falcão Maltês quando ele diz a frase mais importante daquele filme de 1941 que foi o estopim do que conhecemos hoje como filme noir: “é o material de que são feitos os sonhos”. Ele havia acabado de entregar a mulher que ama para a polícia porque ela havia mandado matar o sócio dele, e o policial Tom havia lhe perguntado o que era aquela estatueta. Foi uma bela descrição, não?

Sam Spade touches the infamous Maltese Falcon when he says the most important line in that 1941 movie that kick-started what we know now as film noir: “the stuff that dreams are made of”. He had just given in the woman he loves to the police because she had his partner killed, and is answering policeman Tom, who asked what that statuette was. Great description, isn't it?
A famosa frase foi na verdade tirada de A Tempestade, de William Shakespeare. No original, ela era um pouco mais arcaica: “nós somos como os materiais de que as coisas são feitas”. A frase foi levemente modernizada para o filme, 330 anos após a peça ter sido escrita.

The famous line was actually taken from William Shakespeare’s The Tempest. In the original, it sounded a bit more archaic: “we are such stuff as dreams are made on”. The line was updated in the film 330 years after the play was written.

Uma vez que a frase é usada para descrever a estatueta, podemos dizer que ambas, frase e estátua, têm um lugar importante no imaginário cinematográfico e na cultura pop.

Since the quote is used to encapsulate the statuette, it can be said that both have an important place in the imaginary and pop culture.
A estatueta é o McGuffin do filme: se ela não existisse, não haveria filme – e muitos personagens viveriam felizes para sempre. A estatueta é uma pequena relíquia do século XVI, dada pelos Cavaleiros Templários de Malta para o Rei Carlos V da Espanha. A estatueta estsva indo em uma galé para ser entregada ao rei quando foi roubada por piratas e desapareceu durante séculos – até entrar nas vidas de Spade (Humphrey Bogart), Brigid O'Shaughnessy (Mary Astor), Joel Cairo (Petter Lorre), Kasper Gutman (Sydney Greenstreet) e de muitas outras pessoas (incluindo, claro, as nossas vidas).

The statuette is the McGuffin of the film: if it didn't exist, there would be no film – and many characters would live happily ever after. The statuette is a small relique from the 16th century, given by the Knight Templars of Malta to King Charles V of Spain. The statuette was travelling by galley to reach the king when it was stolen by pirates and it remained unseen for centuries – until it entered the lives of Spade (Humphrey Bogart), Brigid O'Shaughnessy (Mary Astor), Joel Cairo (Peter Lorre), Kasper Gutman (Sydney Greenstreet) and many others (including, of course, our lives).
O filme de 1941 foi a terceira versão cinematográfica da história – houve também versões em 1931 e 1936 – e esta é a versão definitiva. Seguindo o livro quase palavra a palavra, o filme foi um sucesso e ainda é um dos mais queridos clássicos de todos os tempos.

The 1941 film was the third telling of the story on the screen – there were also versions in 1931 and 1936 – and this is the definitive one. Following the book almost verbatim, the film was a success and remains as one of the most cherished movies of all time.
E não há melhor elogio que a paródia. “O Falcão Maltês” foi parodiado em diversas ocasiões, incluindo em episódios de desenhos animados como “Animaniacs” e “Os Mistérios de Frajola e Piu-Piu” - em um episódio chamado “O Canário Maltês!”

And there is no better compliment than parody. “The Maltese Falcon” was parodied in several occasions, including in episodes of cartoons such as “Animanics” and “The Sylvester and Tweety Mysteries” - in an episode called “The Maltese Canary”!
Com o tempo, a frase ficou mais famosa que a estatueta – e até mais que o próprio filme. Enquanto o filme era constantemente citado por nome ou em cartazes em filmes e programas de TV do passado, hoje encontramos mais referências à frase do que qualquer coisa. Ela já foi pronunciada em séries como “Castle” e “Brooklyn Nine-Nine”, e também em videogames! Em 2005, ela ficou na 14ª posição na lista de frases mais conhecidas do cinema, feita pela AFI.

With time, the quote became more famous than the statuette – and even the whole movie. While the film was constantly referred by name or with posters in other movies and TV shows of the past, nowadays we find more references to the quote than to anything else. It has already been said in the series “Castle” and “Brooklyn Nine-Nine”, and also in videogames! In 2005, it was voted the 14th best know quote in film history by AFI.

No passado recente, “o material de que são feitos os sonhos” se tornou título de uma música de Carly Simon, de uma revista em quadrinhos estranha e muitos posts e artigos, relacionados ou não com o filme de 1941.

In the recent past, “the stuff that dreams are made of” became the title of a Carly Simon song, of a weird comic book and of many blog posts, related or not to the 1941 film.
Além do mais, a frase inspirou vários fãs que criaram arte baseada nela! Não é difícil encontrar desenhos, fan art diversa e até acessórios com a frase, como este adorável broche feito pela talentosa Kate Gabrielle:

Furthermore, the quote has inspired many dedicated fans to make art based on it! It's not difficult to find drawings, diverse fan art and even wearables with the quote, like this lovely enamel pin by talented Kate Gabrielle:
Se você realmente quer descobrir qual é  “o material de que são feitos os sonhos”, há um preço a pagar: 4 milhões e 85 mil dólares! Um dos dois objetos de cena usados de verdade no filme foi vendido por esta quantia em um leilão em 2013 – e era esperado que ele fosse vendido por apenas um milhão e meio. Nada mal, considerando-se que o objeto foi responsável por machucar duas unhas dos dedos dos pés de Humphrey Bogart quando ele caiu acidentalmente.

If you really want to discover what is “the stuff that dreams are made of”, there is a price to pay: exactly 4,085,00 dollars. Yes, more than four million dollars! One of the two props actually used in the film was sold by this much in an auction in 2013 – where it was expected that the object would sell at only 1,5 million. Nothing bad, considering that this prop was responsible for injuring two of Bogart's toenails when it accidentally fell from Bogie's hands.
Pensando em tudo isso, podemos mudar a frase mais uma vez para usá-la para descrever o meio cinematográfico, aquele que conferiu imortalidade para a história de Dashiell Hammet: sem dúvida, os sonhos são o material de que é feito o cinema.

Thinking about all this, we can change the quote once more to use it to describe the cinematic medium, the one that brought immortality to Dashiell Hammet's story: without a doubt, cinema is a stuff made of dreams.


This is my contribution to the Second Annual ClassicQuotes blogathon, hosted by Emily at Flapper Dame.

terça-feira, 4 de abril de 2017

Corações Enamorados / Young at Heart (1954)

Quando eu comecei a assistir a “Corações Enamorados” (1954), eu esperava momentos agradáveis em uma comédia romântica com Doris Day e Frank Sinatra. Mas eu fui trouxa! É uma história de amor, sim, mas muito mais sombria do que eu esperava. E eu gostei de cada minuto do filme.

When I started watching “Young at Heart” (1954), I thought I was in for a treat: a romantic comedy with Doris Day and Frank Sinatra. Boy, how wrong I was! It is a love story, yes, but much darker than I expected. In the end, I was shaking. And I enjoyed every minute of it.
A música corre no sangue da família Tuttle. O pai, Gregory (Robert Keith), é, obviamente, professor de música. As três filhas tocam instrumentos, mas estão mais interessadas em outra coisa: se casar. Quando a mais velha, Fran (Dorothy Malone) anuncia seu noivado, as mais novas, Laurie (Doris Day) e Amy (Elisabeth Fraser), ficam com medo de se tornarem solteironas como a tia Jessie (Ethel Barrymore), que também vive com eles.

Everybody loves music in the Tuttle family. The father, Gregory (Robert Keith), is, obviously, a music teacher. The three daughters all play instruments, but they’re more interested in one thing: getting married. When the oldest, Fran (Dorothy Malone) tells the family she is engaged, the two younger girls, Laurie (Doris Day) and Amy (Elisabeth Fraser), fear becoming spinters like aunt Jessie (Ethel Barrymore), who also lives in the house.
Um dia, um belo estranho chega à cidade. Ele não é Frank Sinatra, e nem é desconhecido. Ele é Alex Burke (Gig Young), um músico cujo pai era um grande amigo de Gregory Tuttle. Ele veio estudar no conservatório de Gregory e fica hospedado na casa dos Tuttle. Ele se apaixona por Laurie à primeira vista. Entretanto, todas as três irmãs Tuttle se apaixonam por ele.

One day, a tall dark stranger arrives in town. He is not Frank Sinatra, and he’s not such a stranger either. He is Alex Burke (Gig Young), a musician whose father was best friends with Gregory Tuttle. He came to study at Gregory’s conservatory and to live in the Tuttle’s house. He is instantly smitten with Laurie. However, all three Tuttle sisters fall for him.
Laurie e Alex parecem feitos um para o outro. Então chega outro homem: Barney Sloan (Frank Sinatra) chega para ajudar Alex com arranjos para pian0. Barney é um músico tão talentoso quanto Alex – talvez até mais – mas é muito amargo. Ele está sempre reclamando, nunca sorri e culpa tudo e todos por seus fracassos.

Laurie and Alex seem perfect for each other. Then another guy arrives: Barney Sloan (Frank Sinatra) comes in to help Alex with some piano arrangements. Barney is as talented a musician as Alex – maybe even more – but he is too bitter. He’s always complaining, never smiles, blames everybody and everything for his lack of success.
Laurie fica interessada neste homem cínico e se apaixona. Isto prova que o “amor à primeira vista” é um mito e que na verdade a “animosidade no primeiro encontro” é o verdadeiro indicativo de amor (alerta de sarcasmo!). E quando você pensa que tudo vai muito bem, vem a tragédia.

Laurie gets interested in such a cynical character and falls in love. This proves that “love at first sight” is a myth and actually “animosity at first encounter” is the real indicative of love (sarcasm alert!). And when you think everything is wonderful, tragedy strucks.
“Corações Enamorados” foi o primeiro filme produzido pela Arwin Productions, companhia de Doris Day e de seu marido Martin Melcher. Sinatra não gostava nada de Melcher, e insistiu para que ele ficasse longe do set. Frank tentou alertar Doris para o comportamento do marido, mas não funcionou: 14 anos depois, quando Doris e Martin se separaram, ela descobriu que ele a havia deixado sem dinheiro algum.

“Young at Heart” was the first film produced by Arwin Productions, a company owned by Doris Day and her then husband Martin Melcher. Sinatra disliked Melcher immensely, and demanded him to not be allowed on set. Frank tried to prevent Doris of her husband’s behavior, but it didn’t work: 14 years later, when Doris and Martin divorced, she found out he had left her penniless.
Doris Day & Martin Melcher
E este não foi o único problema que Sinatra causou no set. Ele exigiu que o final fosse modificado – porque “Corações Enamorados” é um remake de “Quatro Filhas”, que foi o primeiro filme de John Garfield. Ele também brigou com o diretor de fotografia, Charles Lang, e exigiu que Ted D. McCord substituísse Lang. Estes episódios mostram que Frank podia ser tão amargo quanto seu personagem, mas outra situação no set mostra seu lado doce: ele organizou uma festa de aniversário surpresa para Ethel Barrymore, então com a saúde frágil, e ela adorou a gentileza.

And this wasn’t the only trouble Sinatra caused on set. He demanded the ending to be changed – because “Young at Heart” is a remake of “Four Daughters” (1938), which was John Garfield’s screen debut. He also argued with the first director of photography, Charles Lang, and demanded Ted D. McCord to replace Lang. These episodes show that Frank could be as bitter as his character, but another on-set situation shows his sweet side: he threw a surprise birthday party for co-star Ethel Barrymore, who was then in frail health, but who loved the gesture.  
Sinatra e Day cantaram juntos no rádio em várias ocasiões nos anos 40 e são suas músicas, cantadas solo ou em dueto, o destaque de “Corações Enamorados”. No filme, eles não têm muita química – o que eles demonstram é mais muita compaixão. Ethel Barrymore é ótima no começo, mas quase desaparece com o andamento do filme. Gig Young é como um Ralph Bellamy para Doris Day – o que significa que em amis de um filme ele quase se casa com ela, mas acaba perdendo-a.

Sinatra and Day sung together in radio in various occasions of the 1940s and their songs, sung in a duet or not, are the highlight of “Young at Heart”. In the movie, they don’t have a great chemistry – it’s rather a lot of compassion what they have. Ethel Barrymore is delightful in the beginning, and nearly vanishes as the film progresses. Gig Young is a Ralph Bellamy type to Doris Day – which means that more than once he almost marries her character, but ends up losing her.
Não é mais um musical escapista. Em sua fórmula e andamento, é muito similar a “Música e Lágrimas”, feito no mesmo ano. Sinceramente, eu gostei de “Corações Enamorados” e não sei como me sentir em relação ao outro fim que fora antes considerado. Fico feliz que o filme tenha acabado com um clima positivo – o que é muito mais apropriado para sua época e suas estrelas.

It’s not another feel-good musical. In pace, it’s very similar to “The Glenn Miller Story”, released the same year. Sincerely, I liked “Young at Heart”, and I’m not sure about the other end that was first planned. I’m happy it at least ended in a positive note – much more suitable for its time and its stars.


This is my contribution to the Doris Day blogathon, hosted by sweet Michaela at Love Letters to Old Hollywood. Here’s our love letter to Dodo!
Related Posts Plugin for WordPress, Blogger...