No Calor da Noite (1967) / In the Heat of the Night (1967)

 

O que seria do cinema sem as duplas dissonantes? Pessoas que são como yin e yang, mas estão juntas por alguma razão, em uma missão ou para resolver um problema. Pessoas que são unidas pelo destino, pela providência ou qualquer outra crença. A primeira dupla dissonante que me vem à mente são o Gordo e o Magro – Laurel & Hardy – mas assim como eles há dúzias de duplas juntas para resolverem algumas belas bagunças. Isso acontece num dos mais icônicos filmes da década de 1960, “No Calor da Noite”.

 

What would be of cinema if there weren’t mismatched duos? People who are like yin and yang, but are together for some reason, on a mission or solving a problem. People who are reunited by fate, providence or whatever else you believe in. The first mismatched duo that comes to my mind are Stan Laurel and Oliver Hardy, but like them there are dozens of duos together to solve a nice mess. This happens in one of the most iconic films of the 1960s, “In the Heat of the Night”.

Virgil Tibbs (Sidney Poitier) chega de trem uma noite em Sparta, Mississippi. Ele mal havia descido do trem quando é conduzido à delegacia de polícia local como suspeito de assassinato. Mas é claro, pensa o policial Sam Wood (Warren Oates), pois trata-se de um homem negro estranho com dinheiro demais na carteira. Tibbs, ele próprio um policial na Pensilvânia, estava apenas esperando o próximo trem para Memphis, para ir visitar a mãe.

 

Virgil Tibbs (Sidney Poitier) arrives by train one night in Sparta, Mississippi. He barely got down the train when he’s taken to the local police station as suspect for a homicide. Of course, thinks police officer Sam Wood (Warren Oates), because he’s a foreign black man with too much money on his wallet. Mr Tibbs, himself a police officer in Pennsylvania, was just waiting for the next train to Memphis, to visit his mother.

Acontece que Virgil Tibbs é um perito em homicídios, como seu chefe conta aos policiais que o prenderam. De repente, Tibbs, de suspeito torna-se investigador do assassinato do Sr Colbert, um homem rico. Ele trabalhará ao lado do chefe de polícia Bill Gillespie (Rod Steiger), que é o yin do yang representado por Tibbs.

 

Virgil Tibbs happens to be an expert in homicides, as his boss tells the police officers who arrested him. Suddenly, Tibbs goes from suspect to investigator in the murder of Mr Colbert, a rich man from the town. He’ll work alongside chief of police Bill Gillespie (Rod Steiger), the yin to Tibbs’s yang.   

Na manhã seguinte, Bill e seus homens encontram a carteira do Sr Colbert com um homem, Harvey (Scott Wilson), que tentava escapar para o Arkansas. O suspeito é detido e o caso considerado solucionado por Bill. Mas não está certo, insiste Tibbs, pois Harvey é canhoto e o Sr Colbert foi morto por uma pessoa destra. Vendo Tibbs em ação, a Senhora Colbert (Lee Grant) insiste que ele continue na investigação. Bill não quer trabalhar com Tibbs, mas este é um “mal” necessário.

 

The following morning, Bill and his men recover Mr Colbert’s wallet with a man, Harvey (Scott Wilson), who intended to escape to Arkansas. The suspect is arrested and the case is considered solved by Bill. But it isn’t, Tibbs insists, as Harvey is left-handed and Mr Colbert was killed by a right-handed person. Seeing Tibbs in action, Mrs Colbert (Lee Grant) insists that he keeps investigating the case. Bill doesn’t want Tibbs working with him, but the needs Tibbs nevertheless.

Harvey é mais hostil com Tibbs do que com Bill. Quando os dois ficam presos na mesma cela – porque Tibbs estava “escondendo evidências” – Harvey pergunta a ele “o que você está fazendo nestas roupas de homem branco?”. É claro que ninguém seria super simpático estando preso acusado de um crime, mas é em momentos como este que as pessoas mostram como são de verdade – e quais os seus preconceitos.

 

Harvey is more hostile towards Tibbs than Bill. When the two men share a cell – because Tibbs was “hiding evidence” – Harvey asks him “what are you doing wearing white men’s clothes?”. Of course nobody would be fully sympathetic while in a cell accused of a crime, but it’s in moments like those that the people show their true colors – and prejudices.

O próprio crime pode ter a ver com racismo. O Sr Colbert foi para Sparta para construir uma fábrica, onde ele empregaria mil pessoas, metade delas negras. Por enquanto, as únicas pessoas negras na cidade são o mecânico e sua família e os trabalhadores que colhem algodão na propriedade do Sr Endicott – ao passar por eles, Bill até mesmo provoca Virgil dizendo “nada disso foi feito para você, né?”.

 

The crime itself may be linked to racism. Mr Colbert went to Sparta to build a factory, where he would hire a thousand men, half of them black. For now, the only other black people in town are the mechanic and his family and those picking cotton at Mr Endicott’s property – passing them, Bill even teases Virgil by saying “nothing of this is for you, uh?”.

Apesar de sua resistência contra Tibbs, Bill acaba o salvando quando um grupo de jovens delinquentes, dirigindo um carro com a bandeira confederada na placa, começa a atacar Tibbs num barracão aparentemente abandonado. Tibbs sofre preconceito em muitos outros momentos, como quando o atendente do restaurante se recusa a servi-lo, mas estas coisas são consideradas “normais” por Bill e os demais.

 

Despite his resistance against Tibbs, Bill ends up saving him when a group of young troublemakers, driving a car with the Confederate flag in the plaque, starts attacking Tibbs in a seemingly abandoned hangar. Tibbs suffers prejudice in many more moments, like when the restaurant clerk refuses to serve him, but these things are deemed “normal” by Bill and the others.

A música é do incomparável Quincy Jones, com a canção de abertura cantada por outra lenda, Ray Charles – esta canção alcançou o TOP 40 da Billboard quando o filme foi lançado. AS letras das canções são de Alan e Marilyn Bergman, que se casaram em 1958 e ficaram juntos por 64 anos. “No Calor da Noite” foi o pontapé inicial para o sucesso do casal no mundo do cinema, e eles mais tarde ganhariam três Oscars.

 

The music is by the incomparable Quincy Jones, with the title song sung by another music legend, Ray Charles – this song made it to Billboard’s TOP 40 when the movie was released. The lyricists are Alan and Marilyn Bergman, a couple who married in 1958 and were together for 64 years. “In the Heat of the Night” was the couple’s breakthrough in the movie industry and they would go on to win three Oscars.

O editor do filme é Hal Ashby, também assistente do produtor, e que iria se tornar um diretor de sucesso. Ashby ganhou o Oscar de Melhor Edição por “No Calor da Noite”, sendo este o acontecimento que coroou sua parceria com o diretor Norman Jewison, que convenceu Ashby a se aventurar também na direção. Um dos filmes de maior sucesso de Ashby na direção foi “Amargo Regresso” (1978).

 

The editor of the film is Hal Ashby, also assistant to the producer, who would go on to become a successful director. Ashby won the Best Editing Oscar for “In the Heat of the Night”, being this the crowning achievement of his partnership with director Norman Jewison, who convinced Ashby to try directing as well. One of Ashby’s greatest hits as director was “Coming Home” (1978).

A escolha do elenco foi feita por Lynn Stallmaster. De acordo com o IMDb, George C. Scott era a primeira escolha para interpretar Bill Gillespie, mas estava gravando outro filme. A Robert Mitchum foi oferecido o papel, mas ele o recusou. Rod Steiger, escalado em seu lugar, ganhou o Oscar de Melhor Ator naquele ano. Por outro lado, a Wikipedia, citando o AFI – Instituto de Cinema Americano – diz que Poitier e Steiger foram as primeiras escolhas para os papéis e, sendo velhos amigos, queriam muito trabalhar juntos.

 

The casting was done by Lynn Stallmaster. According to IMDb, George C. Scott was the first choice to play Bill Gillespie, but was working in another movie at the same time. Robert Mitchum was offered the role, but refused it. Rod Steiger, cast instead, went on to win the Best Actor Oscar that year. On the other hand, Wikipedia, quoting the American Film Institute, says that Poitier and Steiger were the first choices for the roles, and, as old friends, were looking forward to working together.

Eu ouvi numa aula recentemente que os filmes de Sidney Poitier trazem uma “narrativa de assimilação”, o que quer dizer que seus personagens são construídos de tal maneira, com tantas qualidades e nenhum defeito, que as pessoas brancas não têm outra opção a não ser aceitar aquele homem negro perfeito entre elas. Isso acontece novamente em “No Calor da Noite” e inclusive foi apontado por catedráticos que Tibbs é uma figura messiânica trazendo uma comunidade inteira de volta à vida.

 

I heard in a class recently that Sidney Poitier’s movies bring an “assimilation narrative”, that is to say that they paint his characters with so many qualities and no bad characteristic that white people have no other option than to accept that perfect black man among them. This happens again in “In the Heat of the Night” and it has even been pointed out by scholars that Tibbs is a messianic figure bringing a whole community back to life.

“No Calor da Noite” ganhou cinco Oscars e está presente em diversas listas da AFI de melhores filmes e personagens – Tibbs é o número 19 na lista da AFI de 50 heróis mais inspiradores do cinema. O filme é famoso por uma fala dita de maneira raivosa mas demonstrando muita personalidade: “They call me MISTER Tibbs!” Mas, como o Oscar provou, este é um filme tanto sobre Bill Gillespie quanto sobre Virgil Tibbs, pois eles formaram uma verdadeira dupla dinâmica.

 

“In the Heat of the Night” won five Oscars and is cited in several AFI lists of best movies and best characters – Tibbs is the number 19 in the AFI list of 50 most inspiring screen heroes. The film is famous for the line with an angry delivery and a lot of personality: “They call me MISTER Tibbs!”. But, as the Oscar proved, this is as much a film about Bill Gillespie as it is about Virgil Tibbs, because they were truly a powerful duo.

 

This is my contribution to The Mismatched Couples blogathon, hosted by Gill and Barry from Realweegiemidget Reviews and Cinemathic Catharsis.

Série Retrô: A Família Addams

 

Retro Series: The Addams Family

 

Você já deve ter ouvido falar do bloco de programação Nick at Nite, do canal de TV Nickelodeon, que exibia coisas retrô. O bloco foi criado nos EUA em 1985, mas chegou aqui ao Brasil somente em 2006 – exatamente quando eu era uma jovenzinha em busca de algo mais antigo para assistir. Eu passei todas as minhas férias assistindo ao Nick at Nite, onde eu conheci alguns dos meus programas de televisão favoritos, como “Mork & Mindy”. Eu também gostava das outras séries, entre elas aquela de que falaremos hoje: a série clássica da “Família Addams”, dos anos 60.

 

You might have heard about the programming block Nick at Nite, at the TV channel Nickelodeon, that exhibited retro attractions. The block was created in the US in 1985, but arrived here in Brazil only in 2006 – exactly when I was a wee teenager looking for older content to watch. I spent my whole vacation watching Nick at Nite, where I got to know some of my favorite TV shows, like “Mork & Mindy”. I also enjoyed the other shows, among them the one we’re talking about today: the classic series “The Addams Family”, from the 1960s.

Esta família de arrepiar foi criada pelo cartunista Charles Addams, mas nas tirinhas eles não tinham nomes. Os personagens foram batizados por Addams em 1964, quando uma série de TV sobre eles estreou. A série duraria apenas dois anos, com 64 episódios no total, mas a influência dos Addams no mundo do entretenimento estava apenas começando.

 

This spooky family was created by cartoonist Charles Addams, but in the cartoons they didn’t have names. The characters were named by Addams in 1964, when a TV show about them premiered. The show would run for only two years, having 64 episodes total, but their influence in the entertainment world was just starting.

O patriarca é Gomez Addams (interpretado por John Astin), um milionário excêntrico cuja aparência e maneirismos foram baseados em Groucho Marx. A matriarca é a sensual Mortícia (Carolyn Jones), que enlouquece o marido com seu charme e beleza. Eles têm dois filhos: Feioso (Ken Weatherwax) e Wandinha (Lisa Loring) e dividem a casa com, entre outros, Tio Chico (Jackie Coogan – sim, o menininho do filme de Chaplin “O Garoto”). Completando o rol de moradores da casa temos Mãozinha, uma mão sem corpo que ajuda a todos, e Tropeço (Ted Cassidy), o mordomo que viveu um sucesso musical assim como Wandinha viveria anos mais tarde – mas já chegamos lá.

 

The patriarch is Gomez Addams (played by John Astin), an eccentric millionaire whose appearance and manners were based on Groucho Marx. The matriarch is the sexy Morticia (Carolyn Jones), who makes her husband crazy with her good looks and charm. They have two children: Pugsley (Ken Weatherwax) and Wednesday (Lisa Loring) and share the house, among others, with Uncle Fester (Jackie Coogan – yes, the little boy from Chaplin’s “The Kid”). Completing the household are Thing, a helpful disembodied hand, and Lurch (Ted Cassidy), the butler who even had a musical hit just like Wednesday would have years later – but we’ll get there.

A família Addams se tornou tamanha sensação com o passar dos anos que, além da série dos anos 60, foi assunto de mais filmes, desenhos animados, espetáculos da Broadway e vídeo-games. A atração mais recente à família da Família Addams foi a série da Netflix “Wandinha”. Nela, a filha adolescente dos Addams (interpretada por Jenna Ortega) frequenta uma escola especial para encantados e poderosos. Lá, ela faz amigos e inimigos, e se torna sensação com sua dança no baile da escola.

 

The Addams Family became such a sensation over the years that, besides the 1960s series, it was the subject for more movies, animated shows, Broadway shows and video games. The most recent addition to The Addams Family family was the Netflix show “Wednesday”. In it, the teenage daughter of the Addams (played by Jenna Ortega) attends a special school for the enchanted and powerful. There, she makes friends and enemies, and becomes a sensation with her dance at the local ball.

Ao me preparar para assistir a “Wandinha”, eu revisitei alguns episódios desta série que me divertiu tanto na adolescência. Um episódio em consonância com a série de 2022 da Netflix é o piloto, “The Addams Femily Goes to School”. Nele, um oficial da educação força Wandinha e Feioso a frequentar uma escola pela primeira vez na vida, com consequências hilárias. 

 

In preparation to watch “Wednesday”, I revisited some episodes of this series that entertained me so much when I was a teenager. An episode in consonance with the 2022 Netflix series is the pilot, “The Addams Family Goes to School”. In it, a school office forces Wednesday and Pugsley to attend school for the first time in their lives, with hilarious consequences.

O episódio apresenta para nós todas as estranhezas familiares ao fazer com que os personagens percorram a casa em companhia do Sr Hilliard (Allyn Joslyn). Gomez apoia o ensino domiciliar – como ele diz para Hilliard “por que ter filhos só para nos livrarmos deles?” – e quem dá as lições é a Vovó (interpretada por Blossom Rock). Quando as crianças finalmente começam a frequentar a escola, Wandinha volta para casa chateada porque, num conto de fadas, o dragão é morto!

 

The episode introduces all the familiar oddities to us by having the characters show around the house to the officer Mr Hilliard (Allyn Joslyn). Gomez is a supporter of homeschooling – as he says to Hilliard, “why to have children just to get rid of them?” – and the one in charge of the lessons is Grandmama (played by Blossom Rock). When the kids finally start attending school, Wednesday comes back home upset because, in the fairy tale, the dragon gets killed!

Este episódio foi dirigido por Arthur Hiller. Ele tem 76 créditos como diretor no IMDb, sendo o mais importante o bem-sucedido “Love Story” (1970). Ele começou sua carreira na televisão em 1954, mas só dirigiu este episódio para “A Família Addams”.

 

This episode was directed by Arthur Hiller. He gets 76 directing credits on IMDb, being the most important the sensation “Love Story” (1970). He started his career on television in 1954, but for “The Addams Family” this was the only episode he directed.

Eu sempre gostei de todos os personagens de A Família Addams, mas tinha uma pequena preferência por Wandinha, por ser uma garota como eu, uma pequena estranha. Fico feliz que Wandinha seja o foco do segundo filme de animação dos Addams, que estreou em 2021. Também gostei muito da série da Netflix. Eu estava esperando ver mais da personagem neste episódio da série dos anos 60, mas eu entendo que ele sirva mais como uma apresentação da família do que qualquer outra coisa.

 

I’ve always liked all the characters from the Addams Family, but had a small preference for Wednesday, being a girl myself and thinking I was odd growing up. I’m glad Wednesday was the focus of the second animated “The Addams Family” movie, released in 2021. The Netflix series also pleased me a lot. I was expecting to see m0re of her in this episode of the 1960s series, but I know it was more of an introduction to the family than anything else.

Ao colocar o público no lugar do Sr Hilliard, o primeiro episódio da série nos oferece um vislumbre de todas as excentricidades que nos fariam amar os Addams nos anos vindouros, um amor que ainda hoje prevalece.

 

By putting the audience in the place of Mr Hilliard, the first episode of the series offers us a glimpse of all the eccentricities that would make we love the Addams in the years to come, a love that hasn’t diminished today.

 

This is my contribution to the 10^th Annual Favourite TV Show Episode blogathon, hosted by Terence at A Shroud of Thoughts.

Sessue Hayakawa: o primeiro sex symbol do cinema

 Sessue Hayakawa: cinema’s first sex symbol

Antes de Rodolfo Valentino conquistar às telas, houve outro exótico sex symbol e superastro: Sessue Hayakawa. Você não pensaria que ele foi tão popular na década de 1910 ao ver seu trabalho posterior, dos anos 1950. Meu primeiro contato com ele foi esse: como personagem coadjuvante em “Casa de Bambu” (1954), no qual ele não causou uma boa impressão, e em “A Ponte do Rio Kwai” (1957), no qual ele causou uma boa impressão - ele foi até mesmo indicado a um Oscar! Mas tudo mudou quando eu participei da Giornate del Cinema Muto.

Before Rudolph Valentino graced the screen, there was another exotic sex symbol and superstar: Sessue Hayakawa. You wouldn’t have thought he was such a big deal in the 1910s by watching his later work from the 1950s. My first contact with him was this: as a supporting player in “House of Bamboo” (1955), in which he failed to make a big impression, and in “The Bridge Over the River Kwai” (1957), for which he did make a big impression - he was even nominated for an Oscar! But things changed when I took part at the Pordenone Silent Film Festival.

Era 2020 e estávamos todos presos em casa. A Giornate del Cinema Muto teve de se adaptar ao “novo normal” e ofereceu uma versão online do festival. Um dos filmes exibidos foi “Where Lights Are Low” (1921), estrelando Hayakawa. Sim, tinha yellowface e este detalhe foi terrível, mas a performance de Hayakawa era cheia de camadas e nos fazia torcer por ele. Eu sabia que tinha de ver mais filmes com ele, e a oportunidade finalmente chegou. Eu encontrei sete filmes estrelados por ele no YouTube e no Internet Archive, feitos entre 1914 e 1919, seu período de maior popularidade. Apenas um destes era um curta-metragem, embora os longas-metragens não sejam muito longos, com cerca de 50 minutos cada. Acompanhe-me enquanto eu aprendo mais sobre o primeiro sex symbol do cinema.

It was 2020 and we all were stuck in our houses. The Pordenone Silent Film Festival had to adapt to the “new normal” and offered an online version of the usual festival. One of the movies shown was “Where Lights Are Low”(1921), starring Hayakawa. Yes, it had yellowface and that detail was awful, but Hayakawa’s performance was subdued and made us root for him. I knew I had to watch more of him, and the opportunity finally arrived. I found seven movies starring him on YouTube and Internet Archive, made between 1914 and 1919, his most popular period. Only one of them is a short film, although the features are not very long, lasting about 50 minutes each. Accompany me as I get to know more about cinema’s first sex symbol.

Hayakawa nasceu em 1886 no Japão, e escolheu o nome artístico Sessue, que significa “continente nevado”. Ao fazer uma turnê nos Estados Unidos com uma companhia de teatro em 1913, ele foi descoberto por Thomas Ince, que lhe ofereceu a chance de trabalhar no cinema. De seu primeiro ano como astro de cinema temos “The Last of The Line” (1914), às vezes também chamado de “Pride of Race”. Nele, o ator interpreta Tiah, o filho de um chefe indígena! Seu pai, o Chefe Lontra Cinzenta, o havia mandado para absorver todo o conhecimento do homem branco, mas Tiah, em vez disso, se torna um bêbado. Ele até mesmo se une a um grupo de renegados para roubar a diligência de pagamentos, mas o Chefe Lontra Cinzenta tentará mudar a narrativa sobre as intenções do filho. É um curta-metragem agridoce, que mostra mais das habilidades de atuação de Joe Goodboy como o Chefe Lontra Cinzenta, e também um filme que inspirou Martin Scorsese enquanto ele fazia “Assassinos da Lua das Flores” (2023).

Hayakawa was born in 1886 in Japan, and chose the stage name Sessue, that means “snowy continent”. While touring the United States with a theater company in 1913, he was spotted by Thomas Ince and offered the chance to work in movies. From his first year as a movie performer comes “The Last of the Line” (1914), sometimes also called “Pride of Race”. In it, he plays Tiah, the son of an Indian chief! His father, Chief Gray Otter, had sent him to absorb all of the white man’s knowledge, but Tiah becomes a drunkard instead. He even sides with a group of renegades to rob the paymaster’s stagecoach, but Chief Gray Otter will try to change the narrative about his son’s intentions. It’s a bittersweet short film, one that showcases more of Joe Goodboy’s acting skills as Chief Gray Otter than Hayakawa, and also a film that inspired Martin Scorsese during the making of “Killers of the Flower Moon” (2023).

Um dos filmes que cimentou a popularidade de Hayakawa logo de cara foi “A Cólera dos Deuses”, também de 1914. O filme pode ser encontrado com outro título, mais raro: “A Destruição de Sakura-Jima” e conta a história de amor entre Toya San (Tsuru Aoki, a futura esposa de Hayakawa na vida real), que dizem ser amaldiçoada, e Tom Wilson (Frank Borzage, futuro diretor de cinema), um marinheiro que foi deixado na praia após seu barco afundar durante um tufão. Hayakawa, que não tinha ainda trinta anos de idade, interpreta o pai idoso de Toya. Quando Toya e Tom se casam, um vulcão entra em erupção. Há uma subtrama sobre como Buda é um Deus mau porque amaldiçoa pessoas, e o Deus cristão é um Deus bom porque é só amor. É curioso como o público não deveria ter ficado bravo com um casal interracial como Toya e Tom, mas sim torcido por eles.

One of the films that cemented Hayakawa’s popularity right away was “The Wrath of the Gods”, also from 1914. The film can be found under another title, although rarer: “The Destruction of Sakura-Jima” and it tells the love story between Toya San (Tsuru Aoki, Hayakawa’s future real-life wife), who is said to be cursed, and Tom Wilson (Frank Borzage, future film director), a sailor who was left ashore when his ship sank during a typhoon. Hayakawa, not even thirty yet, plays Toya’s elderly father. When Toya and Tom get married, a volcano erupts. There is a subplot about how Buddha is a bad god because he curses people, and the Christian good is a good god because he’s all love. It’s curious how audiences are not supposed to be angry about a mixed-raced couple like Toya and Tom, but to root for them.

Em 1915, Hayakawa já era uma estrela, mas se tornaria uma sensação quando fez “Enganar e Perdoar / The Cheat”, de Cecil B. DeMille. Assim como “O Sheik” (1921) de Valentino, este filme explora um “romance” interracial. Hayakawa é Haka Arakau, um rei do marfim birmanês aproveitando a vida nos EUA, onde ele se torna amigo da socialite Edith Hardy (Fannie Ward). Edith perde todo o dinheiro - dez mil dólares! - arrecadados por suas amigas para a Cruz Vermelha e Haka a ajuda, mas ela tem que pagar um preço pelo empréstimo: transformar-se em sua escrava sexual. Nada acontece de fato entre os dois, mas a cena dele a dominando e a marcando fez muitas mulheres suspirarem. “Enganar e Perdoar” foi claramente concebido como um veículo para Fannie Ward, cujo nome vez acima do título, mas foi Sessue que mexeu com as cabeças.

In 1915, Hayakawa was already a star, but he would become a real sensation when he appeared in Cecil B. DeMille’s “The Cheat”. Much like Valentino’s “The Sheik” (1921), this movie exploits an interracial “romance”. Hayakawa is Haka Arakau, a Burmese ivory king living the good life in the US, where he befriends social butterfly Edith Hardy (Fannie Ward). Edith loses all the money - ten thousand dollars! - raised by her friends to the Red Cross and Haka comes to her rescue, but she has a price to pay for the loan: to become his sex slave. Nothing really happens between the two, but the scene of him dominating and marking her made many women swoon. “The Cheat” was clearly conceived as a vehicle for Fannie Ward, whose name comes above the title, but it was Sessue who turned many heads.

Outro filme que Hayakawa fez para DeMille foi “The Secret Game”, de 1917 - sim, feito durante a Primeira Guerra Mundial. Nele, o ator interpreta Nara-Nara, um agente do serviço secreto japonês e um “sincero amigo da América”. Ele tem de tomar posse de alguns planos sobre navios, mantendo-os longe dos espiões alemães Dr Smith (Charles Ogle) e Kitty Little (Florence Vidor). O problema é que Nara-Nara se apaixona por Kitty, numa história complexa que fornece para Hayakawa material para uma performance sólida.

Another movie Hayakawa made for DeMille was “The Secret Game”, from 1917 - yes, made during First World War. In it, the actor plays Nara-Nara, an agent from the Japanese Secret Service and a “sincere friend to America”. He has to secure some plans about ships, keeping them far from the German spies Dr Smith (Charles Ogle) and Kitty Little (Florence Vidor). The problem is that Nara-Nara falls in love with Kitty, in a complex story that gives Hayakawa material for a solid performance.

Em 1918 Hayakawa fundou sua própria produtora, Haworth Pictures, sob a qual ele começou a receber o pagamento de dois milhões de dólares por ano, além de se tornar produtor de seus próprios filmes. Em “His Birthright” (1918), Hayakawa é Yukio, um homem japonês cujo pai é americano. Para vingar a morte da mãe, Yukio vai para os EUA e se involve numa trama de espionagem após ser hipnotizado pela bela espiã Edna Kingston (Marin Sais). O clímax conta com uma emocionante cena de briga!

In 1918 Hayakawa formed his own production company, Haworth Pictures, under which he started receiving the payment of two million dollars per year, besides becoming the producer of his own films. In “His Birthright” (1918), Hayakawa is Yukio, a Japanese man whose father was an American. To avenge his mother’s death, Yukio goes to the US and gets involved in an espionage plot after being hypnotized by the beautiful spy Edna Kingston (Marin Sais). The climax is an exciting fight scene!

Para a Haworth Pictures Hayakawa fez em 1919 “The Tong Man”. Ambientado em Chinatown, este filme tem Hayakawa como Luk Chen, um poderoso traficante de ópio que está apaixonado por Sen Chee (Helen Jerome Eddy) e recebe a missão de matar um comerciante. Este filme de ação tem como destaque uma perseguição pelos telhados, mas infelizmente este detalhe é ofuscado por algumas cartelas de texto racistas.

For Haworth Pictures Hayakawa made in 1919 “The Tong Man”. Set in Chinatown, this movie has Hayakawa as Luk Chen, a powerful opium smuggler who is in love with Sen Chee (Helen Jerome Eddy) and receives the mission to kill a store owner. This action-packed featurette has as its highlight a rooftop persecution, but unfortunately these are overshadowed by some racist title cards.

Ainda para Haworth Pictures, “The Dragon Painter” (1919) foi baseado num romance de mesmo nome. Hayakawa interpreta Tatsu, um pintor quase selvagem que acredita que sua noiva foi transformada em um dragão mil anos atrás. Ele pinta para buscá-la. Um dia, seu amigo Uchida (Toyo Fujita) leva Tatsu até o grande pintor Kano Indiara (Edward Peil Jr), que está à procura de um sucessor. Tatsu se apaixona pela filha do pintor, Ume-Ko (Tsuru Aoki) e aceita se tornar aprendiz do pintor. O problema é que, depois de se casar, Tatsu parece perder sua inspiração para pintar. Este foi meu filme favorito dentre os que assisti.

Also for Haworth Pictures, “The Dragon Painter” (1919) was based on a novel of the same name. Hayakawa plays Tatsu, a near-savage painter who believes his fiancée has been transformed into a dragon one thousand years before. He paints as a way of searching her. One day, his friend Uchida (Toyo Fujita) takes Tatsu to see the great painter Kano Indara (Edward Peil Sr), who is looking for a successor. Tatsu falls in love with the painter’s daughter Ume-Ko (Tsuru Aoki) and accepts to become the painter’s apprentice. The problem is that, after getting married, Tatsu seems to loose his inspiration to paint. This was my favorite among the films I watched.

O último filme de Hayakawa que vi para minha investigação foi “The Man Beneath”, de 1919, com um John Gilbert muito jovem - aqui creditado como “Jack” Gilbert. Nele, Hayakawa interpreta Ashuter, um cientista da Índia que sofre preconceito ao se apaixonar por uma mulher branca, Kate Erskine (Helen Jerome Eddy). A irmã de Kate está noiva do personagem de John Gilbert, James. Ashuter ajuda James a fingir sua própria morte para escapar de uma chantagem. Eu encontrei uma cópia linda deste filme no canal do YouTube do Eye Filmmuseum da Holanda. Infelizmente, as cartelas de textos estavam em holandês, o que dificultou a compreensão da trama.

The final Hayakawa movie I watched during my investigation was “The Man Beneath”, from 1919, with a very young John Gilbert - here credited “Jack” Gilbert. In it, Hayakawa plays Ashuter, a scientist from India who faces prejudice when in love with a white woman, Kate Erskine (Helen Jerome Eddy). Kate’s sister is engaged to John Gilbert’s character, James. Ashuter helps James fake his own death to escape blackmail. I found a pristine copy of this film on the YouTube channel of the Eye Filmmuseum from the Netherlands. Unfortunately, it had Dutch title cards, which made it difficult to follow the plot.

Eu parei minha investigação em 1919, o ano em que D.W. Griffith fez “Lírio Partido”, um sucesso de bilheteria com Richard Barthelmess fazendo yellowface. O sentimento anti-japonês também crescia - e atingiria seu ápice com a Segunda Guerra Mundial- por isso Hays decidiu se dedicar aos palcos, fazendo diversas peças no Japão e na Europa. Depois de ajudar a Resistência Francesa durante a guerra, época em que vivia na França. Hayakawa voltou para Hollywood. Como o Código Hays proibia romances interraciais nas telas, ele podia interpretar somente vilões ou coadjuvantes. Em 1967, Hayakawa aposentou-se da atuação e se tornou um mestre do Zen Budismo, falecendo seis anos mais tarde. Sobre receber papéis estereotipados na era muda e querer mudar isso, ele certa feita declarou:

I stopped my investigation in 1919, the year in which D.W. Griffith made “Broken Blossoms”, a box-office smash with Richard Barthelmess in yellowface. The anti-Japanese sentiment was also growing - it would reach its climax with World War II - so Hayakawa decided to go to the stage, appearing in several plays in the following years in Japan and Europe. After helping the Resistance during the Second World War, when he was living in France, Hayakawa returned to Hollywood. As the Hays Code prohibited mixed-race romances on screen, he could play only villains and supporting characters. In 1967, Hayakawa retired from acting and became a Zen Buddhist master, dying six years later. About his typecasting in the silent era and the urge to change that, he once declared:

“Tais papéis não são verdadeiros com nossa natureza japonesa… Eles são falsos e dão às pessoas uma ideia equivocada sobre nós. Eu desejo fazer uma caracterização que nos revelará como nós realmente somos”.

"Such roles are not true to our Japanese nature... They are false and give people a wrong idea of us. I wish to make a characterization which shall reveal us as we really are."

 

This is my contribution to the Third Marathon Stars blogathon, hosted by Virginie, Crystal and Samantha at The Wonderful World of Cinema, In the Good Old Days of Classic Hollywood and Musings of a Classic Film Addict.

Announcing the Fourth Luso World Cinema blogathon

 

It’s just the most wonderful time of the year again! No, not Christmas - although I love Christmas - it’s time to announce this year’s Luso World Cinema blogathon! The event enters its fourth year with the usual and dedicated hostesses, Letícia (or Le - that’s me) from Crítica Retrô and Beth from Spellbound with Beth Ann.  

Just like last year, we scheduled the blogathon around May 5^th, that is World Portuguese Language Day, a date established by UNESCO to celebrate the first meeting of the Ministers of Culture of the Community of Portuguese Language Countries that happened on May 5^th, 2005.

Aniki Bóbó (1942)

Now, let’s talk more about the blogathon rules: 

The Luso World Cinema Blogathon once again accepts posts about films made in Lusophone countries, that is, countries that speak Portuguese – see the list below –, and film stars with Luso heritage, that means, film stars of Portuguese descent. This list includes natives like Carmen Miranda, Rodrigo Santoro, Sônia Braga, Raul Roulien, Maria de Medeiros and also Keanu Reeves, Mary Astor, Louise Fazenda, Tom Hanks, Joe DeRita, James Franco, Daniel Brühl, Auli'i Cravalho (the voice of Disney's Moana!), Nestor Paiva, Amy Poehler,  Dorothy DeBorba and many more you can find listed HERE. You can write an overview of those people's lives or careers or focus on a specific film or TV show they made. We also accept the quite rare portraits of Portuguese, Brazilian or other Luso people in film, like in 1937’s “Captain Courageous”, in which Spencer Tracy plays a Portuguese sailor, for instance.

Here are a few lists of movies from Lusophone countries:

List of films from Portugal: https://en.wikipedia.org/wiki/Category:Portuguese_films

List of films from Brazil: https://en.wikipedia.org/wiki/Category:Brazilian_films

List of films from Cape Verde: https://en.wikipedia.org/wiki/Category:Cape_Verdean_films

List of films from Mozambique: https://en.wikipedia.org/wiki/Category:Mozambican_films

List of films from Angola: https://en.wikipedia.org/wiki/Category:Angolan_films

List of films from Guinea-Bissau:  https://en.wikipedia.org/wiki/Category:Bissau-Guinean_films

List of films from São Tomé and Príncipe: https://en.wikipedia.org/wiki/Cinema_of_S%C3%A3o_Tom%C3%A9_and_Pr%C3%ADncipe

List of films from Equatorial Guinea: https://en.wikipedia.org/wiki/Category:Equatoguinean_films

List of films from East Timor: https://en.wikipedia.org/wiki/Category:East_Timorese_films

 

The list of contributions so far:

Spellbound with Beth Ann: interview with filmmaker Alyssa Botelho

Crítica Retrô: A Canção de Lisboa / Song of Lisbon (1933)

Musings of a Classic Film Addict: Carmen Miranda’s recipe for feijoada

Realweegiemidget Reviews: That Thing You Do (1996)

Taking Up Room: The Disaster Artist (2017) 

Silver Screenings: Copacabana (1947)

The Wonderful World of Cinema: Lisbon (1956)

Moon in Gemini: Xica da Silva (1997 telenovela)

Whimsically Classic: favorite Mary Astor performances

Classic Film and TV Corner: Went the Day Well? (1942)

In the Good Old Days of Classic Hollywood: The Great Lie (1941)

Louise Brooks Society blog: Louise Brooks & Her Films as Seen in the Portuguese-American Press, Louise Brooks & Her Films as Seen in the Brazilian Magazines & Newspapers, Louise Brooks and Brazil – when Pandora’s Box was featured in a 1930 Chaplin Club newsletter

 

We have banners for you to spread the news about the blogathon:

Keanu Reeves

Central do Brasil / Central Station (1998)

São Paulo S.A. (1967)

Kuxa Kanema: the Birth of Cinema (2002)

A Canção de Lisboa / Song of Lisbon (1933)

The Blue Eyes of Yonta (1992)

Sambizanga (1972)

Captain Courageous (1937)

Joe DeRita