Springtime Silent Movie Challenge – girls run the silent film world

Eu amo desafios – especialmente quando eles envolvem filmes. Por isso, quando a Fritzi do site Movies, Silently propôs um desafio de primavera para nós, amantes do cinema, eu tive de aceitar. O desafio consiste em ver dez filmes bem antigos. Mas estes não são filmes antigos como “O Cantor de Jazz” (1927) ou “Hollywood Revue” (1929). Nós tínhamos de ver 10 filmes feitos antes de 1914.

I love challenges - especially when they involve movies. So, when Fritzi from the site Movies, Silently proposed a springtime challenge for us, movie lovers, I had to join. The challenge consists in watching ten early movies. But those aren’t early movies like “The Jazz Singer” (1927) or “The Hollywood Revue” (1929). We had to watch 10 films from 1914 or before.

Isso é difícil? Nem um pouco. Por isso eu resolve deixar as coisas mais interessantes criando minha própria regra: no espírito do meu site colaborativo e feminista, Cine Suffragette, eu veria dez filmes estrelados por mulheres ou, de preferência, com mulheres atrás das câmeras – como produtoras, roteiristas ou diretoras. E, bem, ainda ficou fácil! Vamos ver o que eu consegui...

Is it difficult? Not at all. So I decided to spice things up and created my own rule: in the spirit of my collaborative feminist site Cine Suffragette, I’d watch ten films starring women or, preferably, with women behind the cameras - as producers, writers or directors. And, well, it was still easy! Let’s see what I came up with..

Cinco filmes feitos em 1905 ou antes:

Five Movies made in 1905 or before:

Carmencita (Estrelando Carmencita, 1894): Eu posso ter trapaceado com este, mas aqui está uma curiosidade interessante: a dançarina espanhola Carmencita foi provavelmente a primeira mulher a ser filmada nos Estados Unidos. O diretor William K.L. Dickson fazia experimentos com câmeras desde a série Monkeyshine, em 1890, e demorou quatro anos para finalmente filmar uma mulher. Esta exibição de dança de apenas um minuto foi a primeira e única experiência de Carmencita no cinema, enquanto Dickson fundou em 1895 o estúdio que depois viria a ser conhecido como Biograph.

Carmencita (Starring Carmencita, 1894): I may be cheating on this one, but here it is some interesting trivia: Spanish dancer Carmencita is probably the very first woman to appear in a motion picture in the US. Director William K.L. Dickson was making experiments with cameras since his Monkeyshine series in 1890, and it took him four years to finally film a woman. This one minute long dancing exhibition was the first and only experience Carmencita had with films, while Dickson founded in 1895 the studio later known as Biograph.

Cendrillon (Estrelando Jeanna D’Alcy, 1899): Georges Méliès leva o conto de fadas da Cinderela para as telas pela primeira vez em 1899. Como a fada madrinha, temos a esposa de Méliès, Jeanne D’Alcy. Assim como tudo o mais que o pioneiro do cinema fez, sua Cinderela é divertida e cheia de truques – sempre que um desejo é concedido à nossa heroína, um pouquinho de mágica acontece nas telas. Há também o uso de transições interessantes em várias ocasiões. Não há maneira melhor de passar cinco minutos ociosos do que com Méliès.

Cendrillon (Starring Jeanne D’Alcy, 1899): Georges Méliès brings the Cinderella fairy tale for the first time to the screen in 1899. As the fairy godmother, we have Méliès’s wife, Jeanne D’Alcy. As everything the pioneer did, his Cinderella is amusing and full of clever tricks whenever a wish was granted for our heroine. There is also the interesting use of “dissolve” transition in several occasions. There is no better way to spend five lazy minutes than with Méliès.

Pierrette’s Escapade (Dirigido por Alice Guy, 1900): A Pierrette conversa com o Pierrot através de gestos muito teatrais e enérgicos. E então, quando ele não está olhando, ela dá uma ‘escapadinha’ com a Arlequina, dançando com ela e beijando-a – sim, é um pequeno romance LGBT de 118 anos atrás. A dança é uma das melhores coisas aqui – a outra é que este é um filme colorido! O filme foi pintado à mão e, mesmo que a versão em domínio público esteja em condições não tão boas, ainda é possível aproveitar o filme, que nos mostra como as cineastas estavam sempre procurando trazer realismo e novidades para o público.

Pierrette’s Escapades (Directed by Alice Guy, 1900): The Pierrette talks to the Pierrot putting a lot of energy in her very theatrical gestures. And then, when he is not looking, she makes an escapade with the Harlequin, dancing and kissing her - yeah, it’s a petit 118 year-old LGBT romance. The dance is one of the best things here - the other being the color! The film was hand-tinted and, even if the public domain print is not in the best conditions, it is still enjoyable and shows us how filmmakers were always looking for realism and novelties for the audience.

A Parteira da Classe Média (Dirigido por Alice Guy, 1902): Os nostálgicos tinham razão: a vida era bem melhor no começo do século. Por exemplo, um casal que decidia ter um filho – depois de o homem insistir muito – poderia simplesmente... comprar um bebê de uma parteira! Sem dor, sem bagunça, sem sangue. Obviamente, isso era uma fábula, e Alice Guy já a havia filmado em 1896, também para o estúdio Gaumont, em “A Fada do Repolho”: era a velha superstição de que meninas nasciam de rosas, e meninos, de repolhos. O casal quer um menino – eu até acho que consegui ler os lábios da moça dizendo “garçon” – mas não ficam contentes com as opções mostradas pela parteira. Então, a parteira leva os dois até uma plantação de repolhos e começa a tirar BEBÊS DE VERDADE dos repolhos.

Midwife to the Upper Classes (Directed by Alice Guy, 1902): Nostalgic people were right: life was much better in the beginning of the century. For instance, a couple that decided to have a baby – after the man insists on the issue – could just... buy one with a midwife! No pain, no mess, no blood. Of course, this was a fable, and Alice Guy had already filmed it in 1896, also for the Gaumont studio, in “The Cabbage Fairy”: the old wives' tale that baby girls came from roses, and baby boys, from cabbages. The couple wants a boy – I even think I can read the woman's lips saying “garçon” - but is not happy with the “ready-made” options. So the midwife just shows them a cabbage field and starts taking REAL BABIES from the cabbage.

The Spring Fairy (1902): Este pequeno filme tem duas personagens femininas, mas infelizmente os nomes das atrizes que as interpretam são desconhecidos. O filme conta a história de um casal solitário que dá comida e abrigo a uma velha senhora durante um dia de inverno. A velha senhora revela, na verdade, ser uma fada, e concede um desejo ao casal, porque eles foram bondosos com ela. O casal quer um bebê, e a fada transforma um pouco da neve em flores e das flores o casal tira duas meninas – parece que a nossa fada aprendeu algumas coisas com Alice Guy! E deixe-me dizer que tanto o vestido da fada quanto as flores de primavera são pintadas de amarelo, enquanto o resto da cena continua em preto e branco – um truque de cor bolado pelo incrível Segundo de Chomón.

The Spring Fairy (1902): This little film has two female characters, but unfortunately the names of the actresses portraying them are unknown. The film depicts the story of a lonely couple that gives food and shelter to an old woman during a cold winter day. The older woman reveals to be, actually, a fairy, and concedes the couple a wish, because they were nice to her. The couple wants a baby, so she transforms some of the snow into flowers and from the flowers the couple collects two baby girls – it looks like our fairy learned a few things with Alice Guy! And let me say that both the fairy’s dress and the spring flowers are painted in yellow, while the rest of the scene remains in black and white - a color trick applied by the great Segundo de Chomón.

Cinco filmes feitos entre 1906 e 1914:

Five Movies made between 1906 and 1914:

Canned Harmony (Dirigido por Alice Guy-Blaché, 1912): Que diferença dez anos fazem! Alice se casou com Herbert Blaché em 1907 e foi para os EUA. Em 1912, ela já assinava como Alice Guy-Blaché e tinha seu próprio estúdio, Solax, onde ela fez “Canned Harmony” e muitos, muitos outros filmes. Aqui, um professor de música só aceita que um músico virtuoso se case com sua filha, Evelyn (Blanche Cornwall). O namorado de Evelyn, Billy (Billy Quirk), sofre muito com esta exigência, até que seu colega de quarto o aconselha a usar um fonógrafo e um disco de um violinista para impressionar o futuro sogro. Sim, esta é uma comédia muda que depende do som para ser engraçada – e funciona! É interessante notar como, neste filme em particular, os intertítulos são usados para explicar a ação antes de ela acontecer. E há também um uso notável da tela dividida.

Canned Harmony (Directed by Alice Guy-Blaché, 1912): What a difference 10 years make! Alice married Herbert Blaché in 1907, and then went to the US. By 1912, she signed as Alice Guy-Blaché and had her own studio, Solax, where she made “Canned Harmony” and many, many more films. In this, a music professor will only accept a virtuoso musician to marry his daughter, Evelyn (Blanche Cornwall). Evelyn's beau, Billy (Billy Quirk), will suffer a lot with this exigency, until his roommate tells him to use a phonograph and a record of a violin virtuoso to impress his future father-in-law. Yes, this is a silent comedy that relies on sound to be funny – and it works! It's interesting that, in this particular film, the intertitles are used to explain the action before it happens. And there is also a notable use of split screen.

His Mother (Escrito e estrelado por Gene Gauntier, 1912): Dois turistas americanos estão na Irlanda quando ouvem uma melodia maravilhosa. O senhor Foster, um banqueiro, e sua filha (Gene Gauntier) descobrem que a música vem de uma casa pobre, onde o jovem Terence (J.J. Clark) toca seu violino. O senhor Foster dá seu cartão a ele, para quando Terence for à Nova York. Alguns meses depois, a mãe de Terence (Anna Clark – não sei se ela era de fato parente de J.J., mas me parece que não) dá a ele todas as suas econômicas para comprar uma passagem para Nova York. Terence faz isso e obtém sucesso, mas com o êxito profissional e a felicidade ele se esquece de mandar notícias para a mãe. Então a velha senhora decide ir atrás dele. E um filme simples, emocionante e com cenários ricamente decorados.

His Mother (Written and starred by Gene Gauntier, 1912): Two American tourists are in Ireland when they hear an incredible music. Mr Foster, a banker, and his daughter (Gene Gauntier) find out that the music comes from a poor house, where Terence (J.J. Clark) plays his violin. Mr Foster gives the man his card, for when the man goes to New York. A few months later, the Terence’s mother (Anna Clark – I don’t know if she was really related to J.J., but I believe she wasn’t) gives him all her savings to buy a passage to New York. Terence does it and succeeds, but with success and happiness he stops writing to his mom. So the old woman decides to go after him. Simple, moving, and with great set decoration.

Suspense (Dirigido e estrelado por Lois Weber, 1913): Você quer ser maravilhado, surpreendido e assustado por um filme feito há 105 anos? Veja “Suspense”. Nele, uma dona de casa (interpretada pela própria diretora Lois Weber) é deixada sozinha em casa. Ela mora em uma área quase desértica, e um andarilho (Sam Kaufman) decide invadir sua casa. Ela telefona para o marido (Valentine Paul), e ele começa uma corrida frenética para chegar em casa antes que algo trágico aconteça. Devemos prestar atenção aos truques de câmera de Lois – como a tomada pelo buraco da fechadura – e àquele que é provavelmente o primeiro uso de tela dividida no cinema. E eu estou vendo Lon Chaney sendo atropelado por um carro? À primeira vista eu achei que sim, mas agora não tenho certeza...

Suspense (Directed and starred by Lois Weber, 1913): Do you want to be amazed, surprised and scared by a film that is 105 years old? Just watch “Suspense”. In it, a housewife (played by director Lois Weber herself) is left home alone. She lives in a near-desert area, and a tramp (Sam Kaufman) decides to invade her house. She phones her husband (Valentine Paul), and he starts a frantic race to arrive home before something tragic happens. We must pay attention to Lois’s camera tricks – like the door lock shot – and what is probably the first use of split screen on film. And is that Lon Chaney being hit by a car? At first I thought so, but now I’m not so certain…

Daisy Doodad’s Dial (Produzido, escrito e estrelado por Florence Turner, 1914): Florence Turner – anteriormente conhecida como “a Vitagraph Girl” – interpreta Daisy Doodad, que lê em um jornal o anúncio de um concurso de caretas. Infelizmente, ela não pode ir ao grande evento, por causa de uma dor de dente, e seu marido (talvez Tom Powers ou Lawrence Trimble, não há consenso) entra no concurso e ganha o primeiro prêmio. Mas outra competição de caretas acontece pouco tempo depois e, a caminho do evento, Daisy decide praticar suas caretas e acaba criando problemas com a polícia. O filme é muito divertido – ou talvez meu humor seja muito vintage – e há um bom uso de efeitos especiais perto do final.

Daisy Doodad's Dial (Produced, written and starred by Florence Turner, 1914): Florence Turner – formerly known as “The Vitagraph Girl” - plays Daisy Doodad, who reads in the newspaper about a face making contest that is about to happen. Unfortunately, she can't attend the great event, because of a toothache, and her husband (maybe Tom Powers or Lawrence Trimble, there is no consensus) goes instead and wins first prize. But another face making competition takes place a little time later, and, while en route to it, Daisy decides to practice her faces and ends up creating trouble with the police. The film is very funny – or maybe my humor is very vintage – and there is a good use of special effects near the end.

Caught in a Cabaret (Dirigido, escrito e estrelado por Mabel Normand, 1914): Neste curta-metragem, Chaplin trabalha como garçom em um bar da periferia. Em sua folga, ele ajuda uma mulher rica (Mabel) que está sendo assediada por um homem. Chaplin se apresenta a ela como Primeiro-Ministro, e é convidado para uma festa na casa de Mabel, o que deixa o pretendente ela (Harry McCoy) furioso. E, obviamente, Chaplin não para de trabalhar no bar enquanto mantém a farsa, o que leva Harry a bolar um plano para desmascará-lo.

Caught in a Cabaret (Directed, written and starred by Mabel Normand, 1914): In this, Chaplin works as a waiter in a bar at the slums. In his free hour, he helps a rich woman (Mabel) who is being harassed by a man. Chaplin then presents himself as a Prime Minister and is invited to a party at Mabel’s house, what makes her beau (Harry McCoy) furious. And, of course, Chaplin doesn’t really stop working at the bar during his farce, and this gives Harry an idea of what to do to expose Chaplin.

O que eu aprendi com o desafio

Mesmo que eu tenha visto apenas uma porcentagem ínfima dos filmes disponíveis deste primeiríssimo período do cinema – não nos esqueçamos de que muitos destes filmes com mais de 100 anos foram perdidos, e na minha seleção, por causa de questões de tempo, eu não incluí longas-metragens – eu consegui aprender algumas coisas.

O cinema está sempre evoluindo, portanto a história do cinema é a história desta evolução. Os primeiros filmes tinham apenas uma cena, então eles evoluíram para múltiplas cenas, múltiplos cenários e múltiplas histórias em um mesmo filme. Transições e técnicas de edição foram criadas. Houve experimentação com edição, cores, tela dividida, ângulos de câmera e muito mais. O cinema evoluiu muito de 1894 até 1914.

Muitas mulheres estavam envolvidas no ‘fazer cinematográfico’ neste período, e muitas mais na “era de ouro do cinema mudo” – um conceito que eu mesma criei. Quando o cinema era visto como moda passageira, uma curiosidade sem futuro, as mulheres podiam ir para trás das câmeras, escrever, editar, experimentar e ter suas próprias produtoras. Quando as pessoas começaram a ver que o cinema era lucrativo, os homens tomaram conta de tudo. Nós temos, agora, menos mulheres atrás das câmeras do que tínhamos 100 anos atrás. É hora de nos inspirarmos por Alice Guy, Gene Gauntier, Mabel Normand e muitas outras e recobrar nosso lugar como cineastas.

Lois Weber

What I have learned with the challenge

Even though I have barely scratched the surface of the earliest cinema available - let’s not forget that many of these 100+ year-old movies are lost, and in my selection, because of time constraints, I didn’t include feature films - I was able to learn a few things.

Film is always evolving; therefore film history is the history of this evolution. The first movies had only one scene, and then they evolved to multiple scenes, multiple sets, and multiple storylines. Transitions and editions were created. There was experimentation with edition, color, split screen, camera angles and so on. Cinema evolved a lot from 1894 to 1914.

Many women were involved in the making of movies in this first period, and even more in the “golden age of silent cinema” - a concept created by me. When film was viewed as a fad, a curiosity with no future, women could handle cameras, write, edit, experiment and have their own production companies. When people started seeing that cinema was profitable, men took charge of everything. We are, now, with fewer women behind the cameras than there was 100 years ago. It’s time to be inspired by Alice Guy, Gene Gauntier, Mabel Normand and many more and recover our place as filmmakers.

Thanks again to Fritzi at Movies, Silently for creating this amazing challenge.

Risos, culpa e tabu: personagens travestidos no cinema / Laughter, guilt and taboo: A brief history of dressing in drag in the movies

Ah, cinema! Uma fonte histórica maravilhosa, um espelho poderoso de como a sociedade pensava e se comportava décadas atrás. Claro, nenhum pensamento é unânime, mas o cinema é um bom termômetro dos preconceitos e das ideias de uma era.

Oh, cinema! A wonderful historical source, a powerful mirror of society’s thoughts and actions from decades ago. Obviously, no way of thinking has ever been unanimous, but cinema is a good thermometer to measure the prejudices and the beliefs of an era.

Por isso falar de personagens travestidos, cross-dressers, não importa o termo, nos leva por uma viagem que começa em 1906. Não é um artigo sobre como transgêneros são retratados no cinema, pois ainda há tabu no mundo cinematográfico e só há poucos anos foi lançada uma luz sobre transgêneros e sua luta. Lembrando, claro, que nem todo cross-dresser é transgênero.

So, talking about dressing in drag or cross-dressing in movies takes us to a long trip that starts in 1906. This is not, however, an article about how transgender people are portrayed in movies, because this is still a taboo in the film world (and the real world as a whole) and only a few years ago it was given a little space to talk about transgenders and their fight. And let's not forget that not all cross-dressers are trasgender people.

O cross-dressing no cinema é dez anos mais novo que o próprio cinema. O primeiro filme que lida com o tema, “Os resultados do feminismo” (Les résultats du féminisme, 1906) não troca as roupas de homens e mulheres, apenas os chapéus... e as ações. Agora, as mulheres frequentam bares, brigam por causa dos homens e inclusive os assediam. Os homens cuidam da casa, costuram, passeiam com as crianças e são oprimidos. Parece ser uma propaganda anti-feminista, até que vemos o nome da diretora do curta de sete minutos: Alice Guy-Blaché, uma pioneira no cinema. Alice faz, aqui, uma grande zoeira com gêneros, estereótipos e o medo do feminismo.

Cross-dressing in film is tem years younger than film itself. The first film dealing about this thematic, “The Consequences of Feminism” (Les resultants du feminism, 1906) does not interchange clothes between men and women, only hats… and actions. Now, women go to bars, fight over men and even harass them. Men take care of the house and the children, sew and are oppressed. It looks like anti-feminist propaganda until we see who directed this seven-minute short film: Alice Guy-Blaché, a pioneer woman director. Here, Alice mocks with gender stereotypes and the fear of feminism. 

Vestir-se como homem, sendo mulher, em geral é libertador para a personagem. Foi assim que a rainha Christina de Greta Garbo pôde, finalmente, se sentir livre. Foi assim que a Sylvia Scarlett de Kate Hepburn pôde se juntar ao esquema desonesto de seu pai, e conhecer Cary Grant. Foi assim que Yentl pôde estudar no filme de 1983. E não devemos nos esquecer de que Barbra Streisand foi protagonista E diretora de Yentl!

Dressing as a man, being a woman, generally allows the character to have freedom. It was by cross-dressing that Greta Garbo’s Queen Christina could finally feel free. It was by cross-dressing that Kate Hepburn’s Sylvia Scarlett could join her father’s dishonest heist and meet Cary Grant. It was by cross-dressing that Yentl could study in the 1983 film. And we can’t forget that Barbra Streisand directed AND starred in Yentl! 

Queen Christina (1933)

Sylvia Scarlett (1935)

Yentl (1983)

Vestir-se como mulher, sendo homem, é problema na certa. O exemplo máximo disso é o enredo de “Quanto Mais Quente Melhor” (1959), que foi inclusive eleita a melhor comédia de todos os tempos.

Dressing as a woman, being a man, is the source of trouble. The greatest example of it is the plot of “Some Like It Hot” (1959), that was even considered the best comedy film ever made.

O cross-dressing foi empregado muitas vezes como um elemento cômico pontual, passageiro, uma gag que dura apenas alguns segundos. Em geral, um personagem do sexo masculino precisa se vestir de mulher para escapar de algum problema. Em alguns casos, outro personagem desavisado acaba se apaixonando pelo nosso herói travestido. Essa gag foi usada, com êxito, no cinema mudo, falado, e também em animações.

Cross-dressing was used several times as a comic tool, a gag that lasts only a few seconds. In general, a male character must dress as a woman to escape trouble. In some cases, a silly male character even falls in love with our transvestite hero. This gag has been used, successfully, in silents, talkies and also animated pictures.  

Buster Keaton, His Wedding Night (1917)

Laurel and Hardy, Twice Two (1932)

Cary Grant, I Was a Male War Biride (1949)

Fora das telas, as atrizes que optavam por looks mais masculinos nem sempre eram bem vistas, mas lançavam moda, como foi o caso de Katharine Hepburn e Marlene Dietrich, que adotaram calças compridas como parte do look nos anos 1930. A diretora Dorothy Arzner também usava apenas calças durante o trabalho. Uma mulher vestida com trajes masculinos era, naquela época, chocante. Marlene Dietrich em “Marrocos” (1930) que o diga!

Outside the screen, actresses who adopted more masculine styles were not always respected, but they ended up as fashion icons, like Katharine Hepburn and Marlene Dietrich, who favored pants in the 1930s. Director Dorothy Arzner was another woman who also wore only pants while working in Hollywood. A woman dressed with male clothes was shocking at that time. Marlene Dietrich in “Morocco” (1930) knows what I’m talking about.

Vestir-se como o gênero oposto foi, na maioria das vezes, motivo de risadas. Quando o cross-dressing era usado no drama, era para provar que algum personagem era desequilibrado... e assassino. Isso aconteceu muitas vezes (SPOILERS):

To dress as the opposite gender was, in most times, a reason to laugh. When cross-dressing was used in drama films, it was a way of proving that a character was… an insane murder. This happened a lot of times (SPOILERS):

Psycho (1960)

The Devil Doll (1936)

Dressed to Kill (1980)

E é aí que entra “o pior diretor” de todos os tempos, Ed Wood, para falar do tema com seriedade e um orçamento mínimo. Ed costumava se vestir de mulher, e tratou deste delicado tema em “Glen ou Glenda” (1953). Quem diria que, à sua maneira tosca, Ed Wood abriria caminho para o papel que rendeu uma indicação ao Oscar a Eddie Redmayne?

And then we have “the worst director ever”, Ed Wood, to make a film about the theme with a serious tone and a tiny budget. Ed used to dress as a woman, and dealt with this delicate theme in “Glen or Glenda” (1953). Who would have said that, in his own odd way, Ed Wood would be responsible for paving the path for the role that gave Eddie Redmayne an Oscar nod?

Glen or Glenda (1953)

Ainda há muito a ser mostrado sobre cross-dressing pelo cinema. Evoluímos, a passos lentos, é verdade, e da piada fácil vestir-se como o gênero oposto passou a ser retratado com mais seriedade e, o mais importante, mais humanidade.

There is still a lot to be shown about cross-dressing by the movies. We evolved, slowly, it’s true. To dress in drag started as an easy gag, but it is now, luckily, treated in a more human light.

This is my contribution to the Characters in Costume Blogfest, hosted by Christina and Andrea at Christina Wehner and Into the Writer Lea.

12 curtas-metragens mudos para alegrar seu dia

12 silent shorts to brighten your day

Você acordou atrasado para o trabalho? Tirou uma nota ruim naquela prova da faculdade? Seu cachorro comeu um pé do seu chinelo favorito? Você acabou de comprar um sorvete e o derrubou inteiro no chão? Em suma, você teve um dia ruim? Não se preocupe, porque eu tenho o remédio: você estará alegre novamente em menos de 30 minutos com estas pequenas e infalíveis comédias feitas há mais de 90 anos.

Did you wake up and discovered you were late for work? Did you get a bad grade at a college test? Did your dog eat your favorite slipper? Did you drop the ice cream you had just bought? Did you have a bad day? Don't worry, because I have the solution: you'll be happy again in less than 30 minutes with these short and infalible comedies made more than 90 years ago.

Os primeiros filmes da história do cinema (e, via de regra, os primeiros filmes das carreiras de grandes diretores) são curtas-metragens. Se as primeiríssimas projeções, ainda do século XIX, tinham apenas alguns segundos, nas primeiras décadas do século XX elas ficaram cada vez mais longas, elaboradas e divertidas. Comédias mudas de curta-metragem são doses de humor na medida certa para qualquer espectador.

The first films in move history (and, more often than not, the first film in the director's careers) are short films. If the very first exhibitions, still in the 19th century, lasted only a few seconds, in the first decades of the 20th century they became longer, more ellaborated and funnier. Short silent comedies are dosis of doozy perfect for any audience.

Aperte o play, você não vai se arrepender!

Press play and you won't regret it!

The Drunken Mattress (1906): Começamos com um filme dirigido por uma mulher, a pioneira Alice Guy-Blaché. Um homem bêbado (já aviso que mais filmes da lista incluem bêbados) entra em um colchão que está sendo fabricado. Depois de costurado, o colchão apresenta um comportamento estranho (eu não acredito que eu escrevi isto).

The Drunken Mattress (1906): we start with a film direct by a woman, the pioneer Alice Guy-Blaché. A drunken man (I'll already tell you that more films in this list involve drunken men) enters a mattress about to be sewn. After being sewn, the mattress has a weird behavior (I can't believe I wrote that).

The ? Motorist (1906): Ele não arranca muitas risadas, mas impressiona pelos efeitos especiais. Se Méliès havia ido à Lua em 1902, quatro anos depois W.R. Booth leva seus personagens não apenas para a Lua (que, novamente, tem um rosto animado), mas também pelos anéis de Saturno! Se piscar você perde um detalhe delicioso desta comédia primitiva.

The ? Motorist (1906): it may not be so funny, but it is a film with impressive special effects. If Méliès had traveled to the moon in 1902, four years later W.R. Booth takes his characters not only to the moon (who has an animated face once again), but also to the Saturn's rings! If you blink I'll miss a delightful detail in this early comedy.

Max takes tonics (1911): O ator francês Max Linder foi o primeiro grande astro internacional da comédia cinematográfica. A persona criada por ele é um homem muito elegante e louco por mulheres, que tem problemas por seus excessos. Em seu melhor filme, Max precisa tomar vinho como remédio, mas exagera na dose e acaba bêbado – e confuso.

Max takes tonics (1911): French actor Max Linder was the first big international comedy film star. His persona was of a very fancy man, a womanizer always in trouble for his excesses. In his best film, Max has to take wine as a medicine, but he exaggerates and ends up drunk – and confused.

An Interrupted Elopement (1912): Mabel Normand quer se casar com seu namorado, mas o pai dela não quer ver a filha casada com um “chorão”. Os amigos do pobre moço apaixonado sugerem que o casal fuja e oficialize a união com um padre. Mas o pai da moça vai atrás deles.

An Interrupted Elopement (1912): Mabel Normand wants to marry her boyfriend, but her father doesn't want to see his daughter married to a “cry-baby”. His friends suggest an elopement, but Mabel's father goes after the couple.

Pool Sharks (1915): O tema principal de muitas comédias (e outras obras de arte em geral) é o amor. E, em seu primeiro filme, W.C. Fields disputa o amor de uma mulher através de um jogo de sinuca. Apesar de ter um final abrupto, as sequências da sinuca fazem o filme valer a pena – mesmo que você não goste de jogar sinuca.

Pool Sharks (1915): The main theme of many comedies (and other art works in general) is love. And, in his film debut, W.C. Fields fights for the love of a woman through a pool game. Even though the film has an abrupt ending, the pool sequences make it worth watching – even if you don't enjoy playing pool.

One AM (1916): Esqueça o personagem vagabundo. Aqui Charles Chaplin chega tarde (e bêbado) à sua luxuosa casa. Poucos cenários, muitos obstáculos e apenas Chaplin em cena: os ingredientes para o melhor curta-metragem do ator (na minha humilde opinião).

One AM (1916): Forget the Tramp character. Here Charles Chaplin arrives late (and drunk) to his mansion. Few sets, a lot of obstacles and only Chaplin on the screen: the ingredients for the best short film in his career (in my humble opinion).

Coney Island (1917): Este é um filme de Fatty Arbuckle, mas sabe o que realmente importa? É que aqui Buster Keaton, o homem da cara de pedra, não apenas ri, mas gargalha... duas vezes!

Coney Island (1917): This is a Fatty Arbuckle vehicle, but do you know what really matters? It's that in this film Buster Keaton, the great stone face, not only smiles, but laughs... twice!

Ask Father (1919): Harold Lloyd quer apenas perguntar ao pai da mulher que ama se ela pode se casar com ele. Mas o homem é muito ocupado e trabalha em um escritório difícil de se infiltrar, cheio de funcionários e até armadilhas. E prova que Harold gostava de escalar prédios bem antes de “O Homem-Mosca”.

Ask Father (1919): Harold Lloyd only wants to ask for his girlfriend's hand for her father. But the old man is very busy and works in an office hard to get in, full of employees and traps. This film proves that Harold enjoyed climbing buildings way before “Safety Last!”.

The Electric House (1922): Esta lista poderia conter apenas filmes do genial Buster Keaton, mas preferi escolher apenas uma pequena e deliciosa comédia. O que acontece aqui é que Keaton, recém-formado, é contratado para projetar uma casa extremamente moderna. O problema é que ele não é engenheiro, houve uma confusão em uma troca de diplomas, mas ele aceita o desafio assim mesmo.

The Electric House (1922): this list could only have films from genius Buster Keaton, but I decided to choose only one little and delightful comedy. What happens here is that Keaton, recently graduated from college, is hired to build a very modern house. The trouble is that he is not an engineer, there was a mistake involving his diploma, but he decides to get the job.

Felix in Hollywood (1923): Este filme é o máximo. O gato Félix (ele mesmo que você está pensando) vai a Hollywood com seu dono, um aspirante a ator, e lá conhece as versões animadas de Charles Chaplin, Ben Turpin, Gloria Swanson, Douglas Fairbanks e William S. Hart.

Felix in Hollywood (1923): This film is wonderful. Felix the cat (yes, THAT Felix the cat) goes to Hollywood with his owner, an aspiring actor, and there he meets animated versions of Charles Chaplin, Ben Turpin, Gloria Swanson, Douglas Fairbanks and William S. Hart.

It’s a Gift (1923): Conheci este curta divertido através de um trabalho detetivesco que me foi dado pelo leitor Martin Carone dos Santos. Ele queria saber qual comediante do cinema mudo era chamado de “cara linda” no Brasil. Depois de uma pequena descrição de um filme com ele, descobri a identidade do “cara linda”: é Snub Pollard, que aqui interpreta o excêntrico cientista que inventa um carro movido a ímã.

It's a Gift (1923): I got to know this fun short through an investigative work that a reader gave me. He wanted to know which silent comedian was nicknamed “pretty face” in Brazil. After a small description of a film starring him, I discovered the true identity of “pretty face”: he is Snub Pollard, who plays in this film the ecentric scientist who invents a car powered by a magnet.

Leave 'Em Laughing (1928): um humor simples, que agrada a todas as pessoas, de todas as idades. Com Leo McCarey como assistente de direção, o curta-metragem apresenta Stan Laurel com dor de dente (esta é a origem da bela foto que enfeitava o apartamento de Joey e Chandler em FRIENDS) e os efeitos que o gás hilariante do dentista causam na dupla de amigos. Mas fica a dúvida: por que Laurel e Hardy dormem na mesma cama?

Leave 'Em Laughing (1928): a simple humor that pleases people of any age, from any place. With Leo McCarey as assistant director, the short film has Stan Laurel with a toothache (this is the origin of the big photo hanging in Joey and Chandler's apartment in FRIENDS) and the effects that the laughing gas used by the dentist cause in the duo. But there is still a doubt: why do Laurel and Hardy sleep in the same bed?

This is my contribution to Shorts! A Tiny Blogathon, hosted by blogathon Jedi Fritzi at Moveis, Silently.