O Diabo Riu por Último / Beat the Devil (1953)

Alguns encontros são obra do destino. Foi obra do destino o primeiro encontro de Humphrey Bogart e John Huston. E é com um encontro que é uma verdadeira obra do destino que o último filme que eles fizeram juntos, “O Diabo Riu por Último”, começa.

Some meetings are totally fortuitous. It was a fortuitous happening when Humphrey Bogart met John Huston. And it is with a fortuitous happening that their last film together, “Beat the Devil”, begins.

Billy Dannreuther (Humphrey Bogart) está em uma cidade exótica da Itália com sua esposa Maria (Gina Lollobrigida) esperando que seu barco esteja pronto para zarpar. Outro casal que está esperando para embarcar no navio são Harry Chelm (Edward Underdown) e Gwendolen (Jennifer Jones, com o cabelo pintado de loiro). O navio vai para a África, onde Harry deve comprar terras para explorar – ele diz que pretende plantar café, mas suas intenções são outras.

Billy Dannreuther (Bogart) is in an exotic town in Italy with his wife, Maria (Gina Lollobrigida) waiting for their ship to be ready to sail. Another couple waiting to board on the ship is Harry Chelm (Edward Underdown) and Gwendolen (Jennifer Jones, with her hair dyed blonde). The ship goes to Africa, where Harry will buy a piece of land to explore – he says he’ll plant coffee, but his intentions are different.

Billy tem alguns velhos conhecidos, Peterson (Robert Morley), O’Hara (Peter Lorre), Major Ross (Ivor Barnard) e Ravello (Marco Tulli), também zanzando pelo local e ouvindo cuidadosamente o que Gwen disse. O problema é que ela é uma mentirosa compulsiva e é muito difícil dizer quando ela está falando a verdade e quando está inventando. Para complicar mais a situação, enquanto o navio está sendo preparado Billy e Gwen se envolvem, e o mesmo acontece com Maria e Harry.

Billy had some old acquaintances, Peterson (Robert Morley), O’Hara (Peter Lorre), Major Ross (Ivor Barnard) and Ravello (Marco Tulli) also wandering around and listening carefully to what Gwen says. The problem is that Gwen is a compulsive liar, and we often can’t say if she’s telling the truth or making it up. To make things worse, while the ship is being prepared, Billy gets involved with Gwen, and Maria with Harry.

Há alguns momentos divertidos no filme, como quando o carro em que Billy e Peterson estão para e eles precisam empurrá-lo para que ele volte a funcionar. Nós também temos uma ótima galeria de personagens, incluindo o quarteto do mal e o irônico responsável pelo navio, interpretado por Mario Perrone, que estava trabalhando como pianista em um restaurante de Roma antes de ser escalados para “O Diabo Riu por Último”.

There are some very funny moments in the film, like when the car in which Billy and Peterson travel stops and they have to push it to make it work again. We also have a very good gallery of characters, including the evil quartet and the ironic ship purser, played by Mario Perrone, who was working a restaurant pianist in Rome before appearing in “Beat the Devil”.

A voz de Bogart é inconfundível, certo? Errado! Em alguns momentos, pode parecer que estamos ouvindo a voz de Bogie, mas não é ele: é um novato vindo da Inglaterra que podia imitar diversas vozes. O nome do novato era Peter Sellers. Ele foi contratado para fazer a dublagem quando Bogart se envolveu em um acidente de carro e perdeu alguns dentes da frente, e ficou impossibilitado de falar com clareza.

Bogart’s voice is unmistakable, right? Wrong! In some moments, it may seem like we are hearing Bogie, but that’s not him: it’s a newcomer from England who could imitate several voices. The newcomer’s name was Peter Sellers. He was hired to do the voiceover when Bogart got involved in a car crash and lost some front teeth, becoming unable to speak clearly.

O que John Huston tentou fazer com este filme? Além de ser o diretor, ele era um dos roteiristas – o outro era Truman Capote. Capote e Huston escreviam o roteiro conforme o filmavam, o que significava que ninguém sabia o fim ou mesmo o tom geral do filme.

What did John Huston try to do with this movie? Besides being the director, he was one of the screenwriters – the other being Truman Capote. Capote and Huston wrote the script as they shot, meaning that nobody knew the ending or even the general tone of the film.

Na primeira vez em que Bogart e Huston trabalharam juntos, eles fizeram a obra-prima “O Falcão Maltês” (1941). Na última vez em que eles trabalharam juntos, eles só queriam se divertir. E eles realmente fizeram isso com “O Diabo Riu por Último”: em um ambiente sempre alegre, elenco e equipe jogavam cartas, comiam e bebiam e relaxavam em um belo cenário. Huston ficou tão bêbado e relaxado que foi fazer uma caminhada noturna e caiu de um penhasco, porém não se machucou.

The first time Bogart and Huston worked together, they made the masterpiece “The Maltese Falcon” (1941). The last time they worked together, they just wanted to have fun. And they really did it with “Beat the Devil”: in an always happy environment, the cast and crew played cards, enjoyed food and drinks and relaxed in a beautiful scenario. Huston got so drunk and relaxed that he went for a night walk and fell off a cliff, but remained unharmed.

Alguns dizem que Huston queria fazer uma sátira – mas uma sátira do que, exatamente? Filem noir? Filmes de aventura? Qual a razão de adicionar à história um revolucionário árabe apaixonado por Rita Hayworth? Roger Ebert escreveu que “O diabo Riu por Último” foi o primeiro filme “camp” já feito – sendo seu tom “camp” proposital.

Some say Huston wanted to make a satire – but a satire of what, exactly? Film noir? Adventure films? What is the point of adding to the story an Arab revolutionary leader in love with Rita Hayworth? Roger Ebert wrote that “Beat the Devil” was the first camp film ever made – with its “campiness” being on purpose.

Bogart não ficou muito feliz com o resultado, afinal, foi sua produtora Santana que financiou o filme. Mas ele estava, no final das contas, entre amigos. “O Diabo Riu por Último” não é uma comédia de gargalhar, mas tem momentos divertidos, não é noir, mas tem mistério. É um filme que pertence a um gênero único e exclusivo, e é mais um produto da mente de Capote que dos talentos de Huston e Bogart.

Bogart was not very happy with the result, after all, it was his production company Santana that put money to make the movie. But he was, after all, among friends. “Beat the Devil” is not a laugh-out-loud comedy, but has its funny moments, it’s not noir but it has mysteries. It’s a film that belongs in its own genre, and is more a work of Capote’s mind than of Huston’s and Bogart’s talents.

“Beat the Devil” (1953) is on public domain. It can be watched on YouTube and The Internet Archive.

This is my contribution to the Humphrey Bogart blogathon, hosted at Musings of a Classic Film Addict and Sleepwalking in Hollywood.

O Pirata / The Pirate (1948)

Quando você tem dois artistas cujas obras incluem “O Mágico de Oz” (1939) e “Cantando na Chuva” (1952), é fácil esquecer os outros filmes deles. “O Pirata” em geral passa despercebido quando discutimos as filmografias de Judy Garland e Gene Kelly, mas não deveria: é um musical delicioso, bem feito e apaixonante. E um que merece o selo de “cult”.

When you have two performers whose careers included “The Wizard of Oz” (1939) and “Singin’ in the Rain” (1952), it’s easy to overlook their other films. Often, “The Pirate” is overlooked in the context of both Judy Garland’s and Gene Kelly’s filmographies, but it shouldn’t be: it’s a delightful, well-done, passionate musical. And one that also should receive a ‘cult’ label.

Manuela (Judy Garland) é uma sonhadora. Ela sonha com romance, quer sair da vila onde mora e viver grandes aventuras com seu grande amor. Ele é uma órfã, e a tia que a criou, Inez (Gladys Cooper) arrumou-lhe um casamento com o novo prefeito da vila, Don Pedro Vargas (Walter Slezak). Manuela não está nem um pouco animada. Mas ela quer viver uma última aventura antes de se casar, e por isso viaja para Porto Sebastian para conhecer o mar do Caribe e buscar seu vestido de noiva.  

Manuela (Judy Garland) is a dreamer. She dreams about romance, and wants to leave the village she lives in and live big adventures with the love of her life. She is an orphan, and the aunt who raised her, Inez (Gladys Cooper), has arranged a marriage with the village’s new mayor, Don Pedro Vargas (Walter Slezak). Manuela couldn’t be less thrilled. But she wants to go on a last adventure before getting married, and travels to Port Sebastian to see the Caribbean Sea and get her wedding gown.

Em Porto Sebastian ela conhece Serafin, um mulherengo ator de Madrid. Ele dá em cima de todas as “ninas”, mas parece que com Manuela foi amor à primeira vista – e não correspondido. Por isso ele se anima quando a vê na plateia de seu show, e a hipnotiza como parte de um truque. Ela confessa que não ama o noivo, e estaria mais feliz vivendo aventuras com Macoco, o famoso pirata negro.

In Port Sebastian she meets Serafin, actor and womanizer from Madrid. He hits on every single ‘ninã’, but it looks like that with Manuela it was love at first sight – but unrequited. That’s why he gets excited when he sees her in the audience at his show, and hypnotizes her as part of a trick. She confesses she isn’t in love with her fiancée, and would be better living adventures with Macoco, the famed black pirate.

Agora Serafin sabe one Manuela vive, e vai atrás dela – em trajes de pirata, ainda por cima. Ele faz isso porque ele cantou enquanto estava hipnotizada, e a performance dela foi sensacional. Agora, ele quer levá-la em uma vida de aventuras como artista itinerante.

Now Serafin knows where Manuela lives, and goes after her – in pirate’s clothes, no less. He does this not only because he is in love, but also because she sang while hypnotized, and her performance was wonderful. Now, he wants to take her on a life of adventures as a travelling performer.

“O Pirata” foi o segundo de três filmes que Judy e Gene fizeram juntos. O primeiro foi “Idílio em Dó-Ré-Mi” (1942), um musical emocionante que também foi a estreia de Gene no cinema. Nesta segunda parceria, eles mostram ótima química e grande timing cômico. Na parceria final, “Casa, Comida e Carinho” (1950), vemos Judy acima do peso e lidando com seus demônios, mas sendo ajudada pelo sempre generoso Gene. Eles também deveriam ter contracenado em “Desfile de Páscoa” (1948), mas Gene machucou o tornozelo pouco antes de começarem as gravações e foi substituído por Fred Astaire.

“The Pirate” is the second of three films Judy and Gene made together. The first one was “For Me and my Gal” (1942), a heartbreaking musical which was also Gene’s film debut. In this second pairing, they show how good their chemistry and comedic timing are. In the final collaboration, “Summer Stock” (1950), we see Judy overweight and battling her demons, but being helped by an always generous Gene. They were also set to star together in “Easter Parade” (1948), but Gene injured his ankle before filming began and was replaced by Fred Astaire.

Gene Kelly nunca foi tão atlético – nem suas coxas foram tão sexy. Ele está em sua melhor forma escalando prédios no primeiro número musical, e combina os passos perfeitamente com os intrépidos Nicholas Brothers mais tarde no filme. Os irmãos foram contratados por insistência de Judy e Gene, mas a participação deles no filme – e o fato de que eles dançaram ao lado de um homem branco – tornou-os párias na comunidade musical. O número deles foi cortado do filme em diversos estados segregacionistas e os irmãos foram viver e se apresentar na Europa.

Gene Kelly never looked so athletic – nor his thighs so sexy. He is at his best climbing buildings in his first musical number, and matches his steps perfectly with the ones of the Nicholas Brothers later in the film. The brothers were hired by Judy and Gene’s insistence, but their participation in the film – and the fact that they danced with a white man – kind of ostracized them in the musical community. Their number was cut in several segregation states and the brothers went to live and perform in Europe.

A paleta de cores parece uma mistura de “Agora Seremos Felizes” (1944), também dirigida por Vincente Minnelli, e “O Cisne Negro” (1942). É lindo, como a maioria dos filmes de Minnelli. Eu apenas gostaria que houvessem MAIS números musicais – no meio do filme, ou quando Judy e Gene estão na casa do prefeito.

The color palette looks like a mix of “Meet Me in St. Louis” (1944), also directed by Vincente Minnelli, and “The Black Swan” (1942). It is beautiful, as most of Minnelli’s films are. I just wish that there were MORE musical numbers – in the middle of the film, or when Judy and Gene are at the mayor’s house.

É de se espantar que a presença luminosa de Judy não transpareça em nada os problemas que ela enfrentava longe das telas. Mesmo assim, o filme foi um fracasso de bilheteria, e o único filme de Judy na MGM a dar prejuízo. Mas, como aconteceu com tantos fracassos, o filme foi redescoberto e passou a ser cultuado – gerando a estranha ideia do casal fictício “Jugenea”. Eu nunca fui tão longe quanto estes dedicados fãs, mas digo que “O Pirata” está entre os melhores musicais do século XX.

It’s impressive that Judy’s luminous presence in this movie doesn’t mirror at all the problems she was facing off-screen. Nevertheless, this film was a box-office flop, and the only Judy picture at MGM to lose money. But, as happened to so many flops, it was rediscovered and a cult following appeared – generating the odd “Jugenea” fictional couple idea. I never got so far as these dedicated fans, but I say that “The Pirate” is among the best musicals of the 20^th century.

This is my contribution to the Vincente Minnelli blogathon, hosted by Michaela at Love Letters to Old Hollywood.

O quinto irmão Marx: Margaret Dumont

The fifth Marx brother: Margaret Dumont

Equilíbrio.

Balance.

Equilíbrio é o que todos nós devemos tentar alcançar na vida, e também na arte. A vida – e a arte – sem equilíbrio é apenas exagero, e isso nunca é bom. Quem vive uma vida sem equilíbrio é, mais cedo ou mais tarde, punido pela justiça ou pelo karma. Arte sem equilíbrio não é boa de se ver,  é rejeitada pelo público, é em geral classificada como “de mau gosto”.

Balance is what we all should seek in life, and also in art. Life – and art – without balance is just exaggeration, and it's never good. Who lives live without balance is, sooner or later, punished by justice or karma. Art without balance is not nice to look at, is rejected by the public, is often labeled as “of bad taste”.

Se não há um personagem mais “normal” para criar equilíbrio em uma dupla, trio ou grupo maluco, a comédia pode perder a graça. Hardy, o Gordo, era mais esperto e mais realista que Laurel, o magro. Precisávamos de Dean Martin para neutralizar as loucuras do atrapalhado Jerry Lewis. E sempre havia alguém mais normal junto com os Três Patetas. Tudo para criar equilíbrio. Porque o público precisa se identificar com alguém no filme, e quanto mais normal, melhor.

If there is not a more “normal” character to create balance in a crazy duo, trio or group, the comedy may fall flat. Hardy was smarter, and more down-to-earth than Laurel. We needed straight man Dean Martin to go with the shenanigans of goofy Jerry Lewis. And there was always someone more normal along the Three Stooges. All to create balance. Because the public needs an identification with someone onscreen, the more normal, the better.

E que tal ser o único normal no meio de quatro malucos? Esta era a difícil tarefa de Margaret Dumont nos sete filmes que ela fez comos irmãos Marx. Porque ela não era apenas uma ilha de razão em um mar de loucura, como era Zeppo, ela era também o motivo de muitas, muitas piadas.

And what about being the only one normal in the middle of four weirdos? This was Margaret Dumont's hard task in the seven movies she did with the Marx Brothers. Because she wasn't just an island of reason in a sea of wackiness, like Zeppo was, she was also the target of many, many jokes.

O nome Daisy Juliette Baker pode não ser familiar, mas foi assim que Margaret foi batizada ao nascer, em 1882. Ele era uma soprano, e se apresentou pela primeira vez no vaudeville pouco antes de completar 20 anos. Sua beleza quando jovem era impressionante, e ela era em geral escalada para papéis de “soubrette”: moças jovens que gostavam de flertar em óperas e shows cômicos.

The name Daisy Juliette Baker may not ring a bell, but it was with this name that Margaret was christened when she was born, in 1882. She was a trained soprano, and first entered vaudeville when she was about to turn 20. Her beauty as a young woman was mesmerizing, and she was often cast in “soubrette” roles: the ones of young flirtatious girls in comic operas and shows.

Sua primeira investida como atriz durou até 1910, quando ela se casou com o rico John Moller Jr. Durante a epidemia de gripe espanhola de 1918, seu marido morreu e a viúva de 38 anos voltou aos palcos.

Her first entertainment phase lasted until 1910, when she married heir John Moller Jr. During the 1918 influenza pandemic, her husband died and the 36-year-old widow came back to the stages.

Foi nos palcos que ele encontrou pela primeira vez os quatro irmãos Marx. Em 1925, ela foi escolhida para a peça “The Cocoanuts”. Em 1928, ela foi novamente escalada para contracenar com os irmãos em “Animals Crackers”. Quando os irmãos receberam uma oferta da Paramount para transportar seus shows para o cinema – que agora era falado – Margaret os seguiu. Até então, ela havia feito apenas papéis como extra em dois filmes mudos.

It was on the stage that she first met the four Marx brothers. In 1925 she was cast in their play The Cocoanuts. In 1928, she was again cast along them in Animal Crackers. When the brothers received an offer from Paramount to transport their plays to the – now talking – movies, Margaret followed them. Until then she had only appeared as an uncredited extra in two silent films.

Hoje, muitas das piadas dos irmãos seriam consideradas grosseiras ou politicamente incorretas. Margaret estreou no cinema com os Marx quando tinha 47 anos, ou seja, não era uma jovenzinha, e sabemos como o trabalho de atriz pode ser duro para mulheres mais velhas. Frequentemente ela era insultada, chamada – indiretamente – de feia, gorda ou velha por Groucho Marx, que era apenas oito anos mais novo que ela. Pode ser dito que estes insultos faziam parte da graça de Groucho, ou que não tinha importância porque Margaret não entendia as piadas (o que não é verdade, pois ela era uma atriz experiente e inteligente).

Today, many of the brothers' antics would be considered unpolite or politically incorrect. Margaret entered the movies business with the brothers when she was 47, so she was no youngster, and we know how hard work is for older actresses. Too often she was insulted, called – indirectly – ugly or fat or ancient by a Groucho Marx who was only eight years her junior. It can be said the insults are part of Groucho's fun, or that Margaret didn’t understand the jokes (which is not true, since she was an experienced and intelligent performer herself).

É interessante notar quão forte era a relação de Margaret e Groucho. Ela o chamava carinhosamente de “Julie” na vida real – o nome de batismo de Groucho é Julius – e Groucho disse que muitas vezes o público pensava que ele e Margaret eram de fato casados. Quando ele recebeu um Oscar Honorário em 1974, Margaret foi uma das poucas pessoas a quem ele agradeceu – os irmãos Gummo e Zeppo, que ainda estavam vivos, ficaram fora do discurso de agradecimento. E a última aparição de Margaret na TV aconteceu ao lado de Groucho no programa “The Hollywood Palace”, oito dias antes de ela morrer.

It's interesting to notice how strong Margaret's relationship with Groucho was. She fondly called him “Julie” in real life – Groucho’s real name is Julius – and Groucho said that the public often thought he and Margaret were, indeed, a couple off-screen. When he received an Honorary Oscar in 1974, Margaret was one of the few people he thanked – brothers Gummo and Zeppo, who were still alive, were left out of the acceptance speech. And Margaret's last appearance on camera happened alongside Groucho in the TV show The Hollywood Palace, eight days before her death.

This is my contribution to the 5^th Annual What a Character Blogathon, hosted by mighty trio Aurora, Kellee and Paula at Citizen Screen, Outspoken & Freckled and Paula’s Cinema Club.

Lon Chaney vai ao circo / Lon Chaney goes to the circus: tragedy follows

Ah, o circo! O picadeiro maravilhoso, o mágico que tira o coelho da cartola, o palhaço sempre tão feliz! O cheiro da pipoca ou do cachorro-quente embala a ideia de que tudo pode acontecer ali. Todos adoram o mundo mágico do circo. Mas, se Lon Chaney fizer parte do espetáculo, tome cuidado: algo trágico está próximo.

Oh, the circus! The wonderful show, the magician taking off a rabbit from his hat, the clown who is always so happy! The smell of popcorn or hot-dog and the sensation that everything can happen there. Everybody loves the wonderful world of the circus. But, if Lon Chaney is part of the show, beware: something tragic will happen.

Quando Chaney trabalha no circo, a história em geral envolve amor não-correspondido, segredos do passado, obsessão e morte. Alguns dos melhores filmes de Chaney se passam no circo, entre eles a obra-prima do ator e do diretor Tod Browning: “O Montro do Circo”, de 1927.

When Chaney works at the circus, the story in general involves unrequited love, secrets from the past, obsession and death. Some of Chaney's best films have the circus as background, among them the masterpiece he and director Tod Browning made together: “The Unknown”, from 1927.

Muitas vezes os palhaços são representados como pessoas que têm como profissão fazer os outros sorrirem, mas que são muito infelizes ou que sofreram algum grande trauma. Isso acontece em “Lágrimas de Palhaço” (1924), e ninguém pode imaginar o passado de glórias e a grande humilhação que levaram o triste Paul Beaumont (Chaney) a se tornar um palhaço de circo. E o filme ainda envolve um triângulo amoroso (que evolui para um quadrilátero amoroso) com Chaney, Norma Shearer e John Gilbert.

In many occasions clowns are portrayed as the ones who make other people laugh all the time, but are, in real life, very sad people, who suffered a deep trauma. This happens in “He who gets slapped” (1924), and no one can imagine the glories of the past and the huge trauma that made Paul Beaumont (Chaney) run away with the circus. The film also involves a love triangle (that evolves into a love quadrilateral) with Chaney, Norma Shearer and John Gilbert.

Quando o circo chega à cidade em “Ridi, Pagliacci!” (1928), a vida para e nada é mais importante que o espetáculo. O tal circo pode ser apenas uma dupla de palhaços, mas a alegria é garantida com Flik e Flok, ou melhor, Tito (Lon Chaney) e Simon (Sam Spiegel). Tudo muda quando Tito encontra uma garotinha abandonada à beira do rio e decide adotá-la. Chamada de Simonetta, ela cresce no meio circense e Tito finalmente percebe que a ama – e não como um pai adotivo.

When the circus arrives in town in “Laugh, Clown, Laugh” (1928), life stops and nothing is more important than the show. The said circus is only made of two clowns, but alughs are guaranteed with Flik and Flok, or better, Tito (Lon Chaney) and Simon (Sam Spiegel). Everything changes when Tito finds a little girl abaonded near a river and decides to adopt her. Called Simonetta, she grows up among the circus people and Tito finally realizes that he loves her – and not like a foster father.

Em “O Monstro do Circo”, Chaney é o atirador de facas Alonzo, que se apaixona pela filha do dono do circo, Nanon (Joan Crawford). O detalhe que torna o truque interessante é que Alonzo não tem braços, de modo que ele atira as facas com os pés, e na verdade ele está apenas no circo para fugir da polícia. Nanon, por ser muito bonita, tem de lidar com cantadas indesejadas e tem pavor de que homens a abracem... o que é uma grande vantagem para Alonzo.

In “The Unkonwn”, Chaney is the knife-thrower Alonzo, who falls in love with the circus owner's daughter, Nanon (Joan Crawford). The detail that makes the trick interesting is that Alonzo has no arms, só he has to throw the knives with his feet, and he actually joined the circus to escape the police. Because Nanon is very pretty, she has to deal with men approaching her without invitation and she has developed a fear of being hugged – which is a great advantage for Alonzo.

Ao contrário de muitos pioneiros do cinema, Lon Chaney não começou a carreira no circo. Por ser filho de pais surdos, ele era muito bom com mímica, e começou a trabalhar diretamente no vaudeville em 1902. Em pouco tempo ele conheceu sua esposa, Cleva, também artista de vaudeville. Chaney fez seu primeiro filme em 1913, mas alcançou o estrelato apenas em 1919, com o filme “The Miracle Man”, que hoje está perdido.

Unlike many other film pioneers, Lon Chaney didn't have a circus background. Being a CODA (child of deaf adults), he was very good with pantomime, and started directly in vaudeville in 1902. It wasn't long until he met his wife, Cleva, also a vaudevillian. Chaney started making movies in 1913, but achieved stardom in 1919, with the now lost film “The Miracle Man”.

O circo é um lugar de mágica, sorrisos, gargalhadas, mas também de emoções e mesmo algumas lágrimas. Os três filmes de crico de Lon Chaney, aqui citados, merecem ser vistos, sendo “O Monstro do Circo” o mais surpreendente de todos. Eu não posso elogiar Chaney o suficiente. Ele foi, de fato, o Homem de Mil Faces, e 500 toneladas de talento.

The circus is a place of magic, smiles, laugh but also of thrills and even a few tears. Lon Chaney's three circus films, covered here, are all worth-watching, being “The Unknown” the most surprising of them all. I can't praise Lon Chaney enough. He was, indeed, the Man of a Thousand Faces, and 500 tons of talent.

This is my contribution to the At The Circus Blogathon – The Grand Finale, hosted by Summer at Serendipitous Anachronisms and me right here.

#AtTheCircus Blogathon – The Grand Finale

The circus is back in town, for three more days only! Yes, because our honorable guests in the #AtTheCircus blogathon asked, we decided - democratically! – that the Grand finale of the blogathon will happen from December 12^th to 14^th !

We, Le from Critica Retro and Summer from Serendipitous Anachronisms, enjoyed immensely hosting this event, and had a lot of fun. We learned a lot and have now a lot of movie recommendations to check out!

If I worked in a circus, I'd like to train the seals

The new attractions:

Lon Chaney goes to the Circus, at Critica Retro

Carnival of Souls (1962), at Moon in Gemini

Freaks (1932), at Cinema Parrot Disco

A Bug's Life (1999), at Champagne for Lunch

The Dark Tower (1943), at Speakeasy

Stephen King's It (1990), at The Movie Rat

Houdini (1953), at Phyllis Loves Classic Movies

In a pre-Code fashion, we believe that a good cast is always worth repeating, so the full list of entries can be found above:

Susan Lenox (Her Fall and Rise) (1931), at Old Hollywood Films

Circus Clowns (1922), at Movies, Silently

Sunny (1930), at A Person in the Dark 

Cique du Soleil: Worlds Away  (2012), at Thoughts All Sorts

Killer Klowns from Outer Space (1988), at The Midnite Drive-In

Ring of Fear (1954), at Crimson Kimono

The Big Circus (1959), at Laura's Miscellaneous Musings

Lili (1953), at Christina Wehner

Billy Rose's Jumbo (1962), at Love Letters to Old Hollywood

At the Circus (1939), at Movie Movie Blog Blog

Wings of Desire (1987), at Moody Moppet

Something Wicked This Way Comes (1983), at A Shroud of Thoughts

Charlie Chaplin and the Flea Circus, at Big V Riot Squad

Roustabout (1964), at Wide Screen World

Shadows and Fog (1991), at Movie Rob

Charlie Chan at the Circus (1936), at Caftan Woman

Bronco Billy (1980), at Movie Rob

The Walk (2015), at Real Weegie Midget

La Strada (1954), at Cinematic Scribblings

Trapeze (1956), at The Wonderful World of Cinema

Nightmare Alley (1947), at Cinema Cities

The Greatest Show on Earth (1952), at Silver Scenes

Big Top Bunny (1951), at Once Upon a Screen

Five Men in the Circus (1935), at Recap Retro

Annie Get Your Gun (1951), at Serendipitous Anachronisms

El Circo (1943), at Critica Retro

Quando John Ford conheceu John Wayne / When Ford Met Wayne

Todo mundo tem de começar de algum lugar. No cinema, o começo em geral envolve papéis como extra, sem crédito, até que, um dia, você tem seu primeiro grande sucesso. Para os atroes, o grande sucesso geralmente vem mais tarde que para as atrizes. Se você gosta de filmes clássicos, deve saber que o primeiro grande sucesso de John Wayne veio em 1939 com “No Tempo das Diligências”, uma produção que deu novos rumos às carreiras tanto do ator John Wayne quanto do diretor John Ford. Mas talvez você não saiba que Wayne e Ford já se conheciam antes de 1939 – e já haviam trabalhado juntos.

Everybody has to start somewhere. In the movie business, the start is often through uncredited roles as extras until, someday, you’re given your big break. For males, the big break often comes later than for females. If you like classic movies, you must know that John Wayne’s big break came in 1939 with the film “Stagecoach”, a production that gave a new path to the careers of both actor John Wayne and director John Ford. But maybe you don’t know that Wayne and Ford were no strangers before 1939.

John Wayne apareceu em 178 filmes e séries de TV em 50 anos de carreira. Mais da metade destes filmes foram feitos entre 1926 e 1939, quando Wayne era figurante ou parte de um grupo de faroestes B chamado ‘Os Três Mosqueteiros’ (lembre-se de que quem também fazia parte deste grupo era um homem chamado Lullaby Joslin, e ele tinha um boneco de ventríloquo bem esquisito).

John Wayne made 178 movies and TV shows in a career that lasted 50 years. More than half of them were made between 1926 and 1939, as an extra or part of a B-western group called The Three Mesquiteers (remember that another member of this group was a guy named Lullaby Joslin who had a creepy-looking puppet).

John Wayne ou, como ele era chamado na época, Duke Morrison, chegou em Hollywoodland em 1925, com 18 anos. Ele fez muitas coisas: trabalhou com objetos de cena, cuidou de animais de Hollywood, foi ajudante de eletricista e até atuou de vez em quando. Ou melhor: de vez em quando ele até teve a chance de ficar EM FRENTE às câmeras!

John Wayne, or, as he was called back then, Duke Morrison, arrived in Hollywoodland in 1925, aged 18. He did a lot of things: worked with props, handled animals, helped electricians and even acted every now and then. Or better: he sometimes was given the chance to stand IN FRONT of the camera!

John Ford era diretor desde 1917. Com o sucesso de“O Cavalo de Ferro” (1924), ele passou a fazer mais e mais longa-metragens para os estúdios Fox em Glendale, Califórnia. Seu primeiro encontro com John Wayne nunca foi descrito em detalhes, e eles provavelmente cruzaram os caminhos um do outro sem saber que aquele era um momento histórico – e, nem tão prontamente, o começo de uma bela amizade.

John Ford had been directing movies since 1917. After the success of “The Iron Horse” (1924), he had worked steadily in feature films for Fox studios in Glendale, California. His first meeting with John Wayne was never recorded, and they probably crossed each other’s paths without knowing that was a historical moment – and, not quite quickly, the beginning of a beautiful friendship.

O comediante Lloyd ‘Ham’ Hamilton apresentou o jovem Wayne a Ford. A primeira vez em que Wayne trabalhou com Ford foi em 1926. Ele foi um figurante no filme “A Folha do Trevo”, estrelado por Janet Gaynor. Eles também filmaram “Minha Mãe”, que só estreou dois anos depois. John Wayne pode ser identificado no primeiro filme:

The comedian Lloyd ‘Ham’ Hamilton introduced young Wayne to Ford. The first time Wayne worked with Ford was in 1926. He was an extra in the movie “The Shamrock Handicap”, starring Janet Gaynor. They also shot “Mother Machree”, only released two years later, in 1928. John Wayne can be identified only in the earlier (click to enlarge):

John Ford usou John Wayne novamente como figurante não-creditado em 1928, no filme “Quatro Filhos” – no qual não podemos identificá-lo claramente – e em “Justiça do Amor” – no qual ele aparece duas vezes: primeiro vendado em uma cena fantástica de flashback e depois como um espectador que quebra uma cerca em uma corrida de cavalos.

John Ford used John Wayne again as an unbilled extra in 1928, in the movies “Four Sons” – in which we can’t clearly identify him – and “Hagman’s House” – in which he appears twice: once blindfolded in a very well-done flashback and again as a horserace spectator who breaks a fence.

E então John Ford começou a fazer filmes falados. John Wayne estava logo ali fazendo figuração no primeiro filme falado de Ford, “A Guarda Negra” (1929), estrelado por Victor McLaglen e Myrna Loy. Em seu filme seguinte com Ford, John Wayne teve até nome e algumas falas, mas permaneceu não-creditado: ele foi o marujo Bill no filme “Em Continência” (1929).

And then John Ford started making talkies. John Wayne was right there, in the background, in Ford’s first talkie, “The Black Watch” (1929), starring Victor McLaglen and Myrna Loy, and with Randolph Scott also as an extra. In his next film with Ford, Wayne even got a name and a few lines, but remained uncredited: he was midshipman Bill in “Salute” (1929).

"Salute" (1929)

Em 1930 outros dois filmes da dupla estrearam: “Homens sem Mulheres”, no qual Wayne tem algumas falas, e “Galanteador Audaz”. E então eles seguiram caminhos diferentes, porque Duke Morrison conseguiu um papel importante em “A Grande Jornada” e mudou seu nome para John Wayne a pedido dos produtores. Em 1939, John Ford procurou por John Wayne e lhe ofereceu o papel do ladrão Ringo em “No Tempo das Diligências”. O resto é história.

In 1930 two other films of the duo followed: “Men Without Women”, in which Wayne has a few lines, and “Born Reckless”. And then they parted for nine years, because Duke Morrison got an important role in “The Big Trail” and changed his name to John Wayne, at the producers’ request. In 1939, John Ford looked for John Wayne again, and offered him the role of the thief Ringo in “Stagecoach”. The rest is history.

Some stills and information were found at The John Wayne Database.

This is my contribution to the John Wayne Blogathon, hosted by Quiggy and Hamlette at The Midnite Drive-In and Hamlette’s Soliloquy.