} Crítica Retrô

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Sunday, November 14, 2021

Monty Python em Busca do Cálice Sagrado (1975) / Monty Python and the Holy Grail (1975)

Dizem que a jornada deve ser sempre melhor que o destino em si. Isso é uma verdade que serve para alguns filmes - aqueles com MacGuffins. Um MacGuffin é algo essencial para a trama de um filme, mas que não tem nenhum outro propósito. Alguns ótimos filmes usam MacGuffins - incluindo o celebrado “Cidadão Kane” (1941) e muitas das produções de Hitchcock. Mas um MacGuffin também pode ser encontrado em comédias, e um excelente exemplo é “Monty Python em Busca do Cálice Sagrado”, de 1975.

It is said that the journey should always be better than the destination itself. This is true in life, and also in some films - those with MacGuffins. A MacGuffin is something essential to drive the plot of a movie, but with no other purpose. Some great movies use MacGuffins - including the celebrated “Citizen Kane” (1941) and many of Hitchcock’s productions. But a MacGuffin can be found in comedies, too, and a great example is “Monty Python and the Holy Grail”, from 1975.

Depois de créditos amalucados e bem-humorados, o filme começa em 932 d.C. Um homem vem trotando e se apresenta como Arthur de Camelot. Ele está procurando pelos mais corajosos cavaleiros para se juntarem à sua Távola Redonda. Estes corajosos homens recebem de Deus a missão de encontrar o Santo Graal - mas o tal cálice sagrado importa menos do que os diversos esquetes medievais pelo caminho.

After some groovy, humorous credits, the film begins in 932 a.D. A man comes trotting and introduces himself as Arthur from Camelot. He is searching for the bravest knights of the land to join his Round Table. These brave men are then given by God the mission to find the Holy Grail - but the Holy Grail matters less than the many medieval sketches along the way.

A grande diferença neste filme é que os cavaleiros se separam, criando pequenas histórias dentro do filme: do encontro de Sir Robin e seus menestréis com uma criatura de três cabeças até o encontro de Arthur com os perigosos Cavaleiros que Dizem Ni, não faltarão risadas nesta missão.

The big difference in this film is that the knights go separate ways, creating small tales inside the movie: from Sir Robin’s encounter with a three-headed riddler accompanied by his minstrels until Arthur meeting the dangerous Knights who Say Ni, there will be lots of laugh in this quest.

Há ótimas e divertidas animações de desenhos medievais conectando as histórias. Terry Gilliam era responsável pelas animações no programa de TV “Monty Python’s Flying Circus”. Gilliam, o único estadunidense no grupo do Monty Python, começou sua carreira como animador e cartunista de tirinhas, e depois mudou-se para a Inglaterra e começou a trabalhar como animador para a série de TV “Do Not Adjust Your Set”, precursora do Monty Python’s Flying Circus. Gilliam co-dirigiu “Monty Python em Busca do Cálice Sagrado” com Terry Jones, sendo responsável pelo estilo do filme.

There are amazing and funny medieval-style animations connecting the tales. Terry Gilliam had been responsible for the animations in the TV show “Monty Python’s Flying Circus”. Gilliam, the only American in the Monty Python group, started his career as an animator and strip cartoonist, then moved to England and started working as an animator for the TV series “Do Not Adjust Your Set”, a precursor to the Monty Python’s Flying Circus. Gilliam co-directed “Monty Python and the Holy Grail” with Terry Jones, being the one responsible for the overall look of the film.

Os membros do grupo Monty Python interpretam vários personagens no filme. Michael Palin interpretou 12 personagens, Eric Idle interpretou sete, John Cleese interpretou seis, Terry Gilliam também interpretou seis, Terry Jones interpretou cinco e Graham Chapman, quatro. Eles trabalharam muito, mas não se divertiram: John Cleese mais tarde admitiu que filmar “Monty Python em Busca do Cálice Sagrado” foi a pior experiência de sua carreira. A maior parte do filme foi rodada na Escócia, com tempo frio e chuvoso.

The members of the Monty Python group play several characters in the film. Michael Palin played 12 characters, Eric Idle played seven, John Cleese played six, Terry Gilliam played six as well, Terry Jones played five and Graham Chapman played four. They had a lot of work, but were not having fun: John Cleese later admitted that “Monty Python and the Holy Grail” was the most miserable shooting experience of his career. Most of the film was shot on location in Scotland, in the cold and rainy weather.

Terry Gilliam considera que o mais próximo do Monty Python que existe nos EUA é Mel Brooks. Assistindo a “Monty Python em Busca do Cálice Sagrado”, lembrei-me do filme de Brooks “A História do Mundo - Parte 1”, feito seis anos após o filme do Monty Python. E Mel também teve muito trabalho com seu filme: ele interpretou cinco papéis e acumulou as funções de diretor, produtor, roteirista, compositor e liricista!

Terry Gilliam thinks that the closest to Monty Python that exists in the US is Mel Brooks. While watching “Monty Python and the Holy Grail”, I couldn’t help but think about Brooks’ “History of the World - Part 1”, made six years after the Monty Python film. And Mel also had a lot of work to do in his film: he played five parts and was the director, producer, writer, composer and songwriter!

Como dito anteriormente, as coisas que acontecem na busca pelo cálice sagrado importam mais que o próprio objeto. De acordo com o IMDb, o filme tem 527 piadas, ou uma piada a cada dez segundos e meio - a graça importava mais que a aventura. Também de acordo com o site, parece que Arthur e seus cavaleiros estão andando em círculos. Não importa se eles encontram o cálice: o que importa é o quanto nos divertimos enquanto o procurávamos.

As said before, the things that happen during the quest for the Holy Grail are more important than the object itself. According to IMDb, this film has 527 jokes, or a joke every ten and a half seconds - the fun mattered more than the adventure. Also according to the site, it looks like Arthur and his knights are wandering in circles during their quest. It doesn’t matter if they get the Grail: what matters is the fun we had while searching for it.

This is my contribution to The Distraction Blogathon, hosted by Rebecca at Taking Up Room.

Sunday, October 31, 2021

O Homem que Vendeu a Alma (1941) / All That Money Can Buy (1941) (aka The Devil and Daniel Webster)

 

Bernard Herrmann é considerado um dos melhores compositores da história do cinema. Tendo trabalhado como compositor em 90 filmes – alguns deles feitos após sua morte usando sua música – é surpreendente que ele tenha sido indicado ao Oscar apenas cinco vezes – nenhuma delas por trabalhos nos filmes de seus colaborador constante, Alfred Hitchcock – e tenha ganhado apenas uma estatueta, em seu primeiro ano em Hollywood. O filme que deu a Herrmann seu único Oscar é “O Homem que Vendeu a Alma”.

Bernard Herrmann is considered one of the best composers in film history. Having worked as a composer in 90 titles – some of them movies made after his death that use his music – it’s a surprise to learn that Herrmann was nominated for the Oscar only five times – none of them for movies by his constant collaborator, Alfred Hitchcock – and won only once, in his very first year in Hollywood. The movie that gave Herrmann his sole Oscar is “All That Money Can Buy”, sometimes seen under the title “The Devil and Daniel Webster”.

É uma história que aconteceu há muito tempo, mas que poderia acontecer em qualquer momento, em qualquer lugar, com qualquer um – até mesmo com você, querido espectador. O fazendeiro Jabez Stone (James Craig) vem sofrendo com uma maré de azar. Ele está se sentindo tão mal que diz em voz alta que estaria disposto a fazer um pacto com o diabo em troca de melhorias. O diabo o escuta, aparece sob a forma de Mr Scratch (Walter Huston) e Jabez vende sua alma em troca de sete anos de prosperidade. Instantaneamente, Jabez enriquece e começa a comprar roupas e chapéus para sua esposa Mary (Anne Shirley) e sua mãe (Jane Darwell). E não demora muito para que ele deixe de frequentar a igreja para jogar cartas com os novos amigos.

It’s a story that happened a long time ago, but one that could happen anytime, anywhere, to anybody – even to you, dear viewer. Farmer Jabez Stone (James Craig) has been having a lot of bad luck lately. He’s feeling so unlucky and miserable that he says out loud that he’d be willing to make a pact with the devil to see things improving. The devil hears, appears in the form of Mr Scratch (Walter Huston) and Jabez sells his soul in exchange of seven years of good luck. Instantly, Jabez becomes rich and starts buying dresses and hats for his wife Mary (Anne Shirley) and his mother (Jane Darwell). And it doesn’t take long until he starts not going to church and instead playing cards with his new friends.

Mas quem diabos é Daniel Webster? Daniel Webster (Edward Arnold) é um político de Massachusetts que leva jeito com as palavras. Um dia, logo depois de Jabez fazer o pacto com o diabo, Daniel Webster visita a cidade vizinha à fazenda dele e se torna amigo de Jabez. Mary troca cartas com Daniel Webster e até mesmo dá ao seu filho o nome de Daniel. Mary então chama Daniel Webster para ajudar quando Jabez se torna arrogante e muito ambicioso, e Daniel Webster terá de usar suas palavras contra o diabo.

But who the hell is Daniel Webster? Daniel Webster (Edward Arnold) is a politician from Massachusetts who has a talent for words. One day, right after Jabez makes the pact with the devil, Daniel Webster visits the town near his farm and befriends him. Mary corresponds with Daniel Webster frquently, and even names her son Daniel after the politician. Mary then calls Daniel Webster to interfere when Jabez becomes arrogant and overly ambitious, and Daniel Webster will have to use his words against the devil.

Uma das muitas tentações que Jabez terá de enfrentar tem um belo rosto: é Belle (Simone Simon), sua nova empregada. O papel mais lembrado de Simone é como a protagonista de “Sangue de Pantera” (1942), um filme para o qual Bernard Herrmann fez arranjos para uma música, sem receber crédito. Simone Simon foi escalada para “Sangue de Pantera” depois que o produtor Val Lewton viu sua performance como a tentadora diabólica em “O Homem que Vendeu a Alma”.

One of the many temptations that Jabez will have to face has the prettiest face: Belle (Simone Simon), his new maid. Simon’s best remembered role is as the lead of “Cat People” (1942), a film in which Bernard Herrmann worked as an arranger for one song, for which he didn’t receive credit. Simone Simon was cast in “Cat People” after producer Val Lewton saw her turn as the devil’s temptress in “The Devil and Daniel Webster”.

A trilha sonora é excelente. Em determinado momento, há melodias idílicas que fazem a vida no campo soar como um paraíso, e no minuto seguinte há notas macabras. Há também momentos tensos e fantásticos marcados pela música, e há também algumas canções folclóricas. Tudo isso levou à vitória histórica de Herrmann na categoria Melhor Trilha Sonora Original, uma vitória mais que merecida. O que pode ter ajudado é que Herrmann já estava familiarizado com a história, pois compôs a trilha sonora para a adaptação de “O Homem que Vendeu a Alma” para o rádio em 1938.

The soundtrack is amazing. At one point, there are idyllic melodies that make life in the country sound like a paradise, and in the next minute there is a macabre tune. There are also tense moments and fantastic moments marked by music, and there are some folk tunes as well. All this led to Herrmann’s historical win in the Original Music Score category, a win that was very much deserved. What might have helped was that Herrmann was no strange to the story, as he had composed the soundtrack for the radio adaptation of “The Devil and Daniel Webster” in 1938.

Assim como o primeiro filme de Herrmann – “Cidadão Kane” – “O Homem que Vendeu a Alma” foi feito pelos estúdios RKO. Foi o primeiro filme que o diretor William Dieterle fez servindo também como produtor, e era a adaptação de um conto publicado em 1936 e adaptado para os palcos em 1939. Dieterle fez muitas experiências com o filme – um filme que herdou parte da quipe que trabalhou em “Cidadão Kane” – e a produção ficou acima do orçamento, o que se mostrou um problema.

Like Herrmann’s first film – “Citizen Kane” – “The Devil and Daniel Webster” was made by RKO studios. It was the first movie director William Dieterle made also as a producer, and it was the adaptation of a short story published in 1936 and then adapted to the stage in 1939. Dieterle experimented a lot with this film – a film that inherited part of the crew that worked in “Citizen Kane” – and the production ran over budget, which became a problem.

O Homem que Vendeu a Alma” é um filme de fantasia, mas tem alguns efeitos de iluminação interessantes – muitos deles parecem não ter sido feitos de propósito – que evocam o noir. Outro filme de fantasia com iluminação noir – e também com música composta por Bernard Herrmann! - é “O Fantasma Apaixonado” (1947).

The Devil and Daniel Webster” is a fantasy movie, but it has some interesting lighting effects – many of them seem made not on purpose – that evoke a noir feeling. Another fantasy movie with noir lighting – and also with music composed by Bernard Herrmann! - is “The Ghost and Mrs Muir” (1947).

O Homem que Vendeu a Alma” não é o primeiro filme a contar a história de alguém que vendeu sua alma ao diabo. Talvez a versão mais famosa de tal história seja Fausto, filmado em 1926 na Alemanha por F.W. Murnau. Numa curiosa coincidência, William Dieterle teve um papel de destaque neste filme como Valentin, que é morto por Fausto. “O Homem que Vendeu a Alma” também não foi o último filme a ter um julgamento com criaturas do outro mundo para decidir o destino de um homem: uma trama semelhante pode ser encontrada no magnífico filme britânico “Neste Mundo e no Outro” (1946).

The Devil and Daniel Webster” is not the first movie to tell the story of someone who sold his soul to the devil. Perhaps the most famous version of such a story is Faust, filmed in 1926 in Germany by F.W. Murnau. In a curious coincidence, William Dieterle had a major role in this film as Valentin, who is killed by Faust. “The Devil and Daniel Webster” is also not the last movie to have a hearing with otherwordly creatures to decide a man’s fate: a similar plot is found in the superb British film “A Matter of Life and Death” (1946).

Você deve estar se perguntando, e aqui está a resposta: sim, existiu um político chamado Daniel Webster em Massachusetts. Ele foi um dos mais famosos advogados do século XIX e foi candidato na eleição presidencial de 1836, que ele perdeu – mas provavelmente não porque não aceitou fazer um pacto com o diabo.

You might be wondering, so here is the answer: yes, there was a real politician called Daniel Webster from Massachusetts. He was one of the most famous lawyers of the 19th century and was a candidate in the 1836 presidential election, which he lost – but probably not because he refused to make a deal with the devil.

O Homem que Vendeu a Alma” foi um sucesso de crítica mas um fracasso de bilheteria. É mais que uma curiosidade, mais que o filme que deu a Bernard Herrmann o único Oscar de uma carreira brilhante. Quase tão bom quanto “Neste Mundo e no Outro”, este filme adapta a lenda de Fausto ao folclore norte-americano e acrescenta à história mágica e, por mais estranho que pareça, patriotismo. É realmente um filme único.

The Devil and Daniel Webster” was a critical success but a box-office failure. It’s more than a curiosity as it gave Bernard Herrmann the sole Oscar in an outstanding career. Almost as good as “A Matter of Life and Death”, this film adapts the Faust legend to American folklore and infuses the story with magic and, as oddly as it may sound, patriotism. It’s truly an unique gem.

This is my contribution to the Bernard Herrmann blogathon, hosted by The Classic Movie Muse.

Monday, October 18, 2021

Sete Anos de Azar (1921) / Seven Years Bad Luck (1921)

 

Você é supersticioso? Devo confessar que sou um pouquinho supersticiosa - não gosto muito do número sete, por exemplo. Pessoas muito supersticiosas são uma inspiração para o cinema desde a era muda: o IMDb lista mais de mil filmes com a palavra-chave “superstição”. Alguns destes filmes são comédias sobre o quão absurdo é ser supersticioso, que é o caso de “Sete Anos de Azar”, de Max Linder.

Are you superstitious? I must confess that I’m a bit superstitious - I don’t really like the number seven, for instance. Very superstitious people have been a big inspiration for films since the silent era: IMDb lists over one thousand movies with the keyword “superstition”. Some of these films are comedies about the absurdity of being too superstitious, which is the case of Max Linder’s “Seven Years Bad Luck”.

Praticamente todo mundo conhece a superstição que diz respeito a quebrar um espelho e ter sete anos de azar. No filme, Max (Max Linder) é um homem que está prestes a se casar. Sua criada e mordomo quebram seu espelho e o substituem, mas Max quebra o espelho e fica apreensivo com o mau presságio.

Practically everybody knows the superstition about breaking a mirror and this bringing you seven years bad luck. In the movie, Max (Max Linder) is a man about to be married. His maid and butler break his mirror and replace it, but Max breaks it again and gets nervous because of the bad omen.

De início, a superstição mostra-se verdadeira, pois Max briga com sua noiva Betty (Alta Allen) e vai para o campo, criando uma oportunidade para que seu melhor amigo (F.B. Crayne) roube sua garota. Max é roubado antes de pegar um trem, e isso leva a várias estripulias numa estação de trem, no zoológico e na cadeia - e há até uma sequência de sonho!

Initially the superstition proves to be true, as Max has a fight with his fiancée Betty (Alta Allen) and goes to the countryside, creating an opportunity for his best friend (F.B. Crayne) to steal his fiancée. Max is robbed before he gets in the train, and this leads to various shenanigans in a train station, a zoo and a jail - and there is even a dream sequence!

Design de cartelas de títulos era uma arte, e isto pode ser visto em “Sete Anos de Azar”: sempre que um personagem fala ao telefone, a cartela de texto tem as palavras emolduradas por linhas telefônicas. É algo simples mas muito eficiente que adiciona charme ao filme.

Title card design was an art, and this can be seen in “Seven Years Bad Luck”: whenever a character was talking on the phone, the title card has the words framed by drawings of phone lines. It’s something simple yet very effective that adds charm to the movie.

No comecinho do filme há a famosa cena cômica do espelho, mais tarde feita pelos irmãos Marx e também por Lucille Ball. A origem da cena dos espelhos é a peça “My Friend from India”, de 1894. Max Linder tentou filmar esta cena já em 1911, mas a dupla alemã dos irmãos Schwartz ameaçou processá-lo por copiar o show deles. Eles de fato processaram Max quando “Sete Anos de Azar” estreou, mas o caso nunca foi julgado.

In the very beginning of the movie there is the famous mirror comedy routine, done later by the Marx brothers and also by Lucille Ball. The origin of the mirror routine is the play “My Friend from India”, first staged in 1894. Max Linder tried to add this routine to a film as early as 1911, but the German duo Schwartz Brothers threatened to sue him for copying their act. They did sue Max when “Seven Years Bad Luck” was released, but the case never made it to the court.

Max Linder pode ser considerado o primeiro astro internacional do cinema. Ele fez seu primeiro filme em 1905 e em 1912 era o atos mais bem pago do mundo, conhecido por todo o globo graças ao seu personagem Max, um homem elegante. Havia um star system rudimentar construído ao redor de Max já em 1909. Desde 1908 ele também dirigia e escrevia alguns de seus filmes. Linder teve duas fases da carreira nos EUA: da primeira vez ele fez três curtas-metragens para a Essanay entre 1916 e 1917, e nesta segunda vez ele fez três longas-metragens que foram mal recebidos na época, mas que hoje são considerados clássicos da comédia.

Max Linder can be considered the first international movie star. He made his first movie in 1905 and in 1912 was the highest paid actor in the world, recognized all over the globe thanks to his character Max, a dapper man. There was a rudimentary star system built around him as early as 1909. Since 1908 he also directed and wrote some of his movies. Linder had two phases of filmmaking in the US: the first time he did three shorts for Essanay between 1916 and 1917, and in this second time he made three features that were poorly received at the time, but are now considered comedy classics.

Outra comédia muda sobre superstição é “O Supersticioso” (1919), estrelando Douglas Fairbanks como Daniel Boone Brown, um homem muito supersticioso que se torna vítima de um psiquiatra do mal. Este filme é famoso por outra cena curiosa: a do quarto que gira, que seria repetida por Fred Astaire em 1951.

Another silent comedy about superstition is “When the Clouds Roll By” (1919), starring Douglas Fairbanks as Daniel Boone Brown, a very superstitious man who becomes the victim of an evil psychiatrist. This film is famous for another visual routine: the one of a revolving bedroom, that would be done again by Fred Astaire in 1951.

Como dito anteriormente, “Sete Anos de Azar” teve um mau desempenho nas bilheterias mas foi elogiado pelos críticos na época da estreia. Com apenas 62 minutos, tem muitos momentos cômicos, dignos de gargalhada. É também uma introdução perfeita ao gênio Max Linder, que merece mais reconhecimento - afinal, o primeiro astro internacional do cinema não pode simplesmente desaparecer. Seria muito azar se Max fosse esquecido.

As stated, “Seven Years Bad Luck” did poorly at the box-office but was praised by critics when it was released. At only 62 minutes, it packs plenty of comic, laugh-out-loud moments. It’s also a perfect introduction to the genius of Max Linder, who deserves to be more recognized - after all, the first international movie star can’t simply disappear. It’d be the worst luck if Max was forgotten.

This is my contribution to the Laughter is the Best Medicine blogathon, hosted by the Classic Movie Blog Association.

Wednesday, October 13, 2021

40ª Giornate del Cinema Muto - 40th Pordenone Silent Film Festival

 
A melhor semana do ano, na minha humilde opinião, acabou de acabar. Esta semana diz respeito ao Festival de Cinema Mudo de Pordenone, um evento que sempre agrada aos amantes de cinema mudo como esta que vos escreve. Depois de uma edição completamente online em 2020, o festival voltou a ter exibições presenciais de filmes no norte da Itália, mas manteve uma versão online para nós, pobres almas que não pudemos comparecer – eu fui mentora do Collegium este ano porque fui membro do Collegium ano passado, mas não pude ir ao evento presencial porque não tomei as duas doses da vacina. Aqui estão minhas impressões sobre a programação online.

The best week of the year, in my humble opinion, is over. This week comprises the Pordenone Silent Film Festival, an event that never fails to appeal to silent film lovers like this girl writing here. Following an all-online edition in 2020, the festival went back to in-person screenings in the Italian north but kept an online version for us poor souls who couldn’t attend the event – I was a Collegium mentor this year because I was part of the Collegium last year, but couldn’t attend the in-person event as I’m not fully vaccinated. So here you have my impressions of the online progamme.

No ano passado encontrei um tema comum a todos os filmes: contraste. Em contraste, neste ano não encontrei um tema comum, mas dois dos filmes se aproximam na maneira como lidaram com – ou melhor, zombaram da – moralidade. Tanto em “Phil-for-Short” (1919) quanto no filme alemão “Moral” (1928) há defensores da moral querendo censurar os protagonistas: no primeiro filme, o guardião de Damophilia (Evelyn Greeley) quer que ela pare de se vestir como um menino, enquanto no segundo filme a artista Ninon D’Hauteville é vítima de um grupo de censores. Ambos os filmes foram muito bons, e tornados ainda melhores pelo acompanhamento musical.

Last year I found a common theme to all screenings: contrast. In contrast, this year I couldn’t find a common theme to all movies, but a couple of them were similar in the way they talked about – or rather mocked – morality. In both “Phil-for-Short” (1919) and in the German film “Moral” (1928) there are morality defenders wanting to censor the leads: in the earlier movie, Damophilia’s (Evelyn Greeley) guardian wants her to stop dressing as a boy, while in the later movie the artist Ninon D’Hauteville is the victim of a group of censors. Both film were very good, enhanced by great musical accompaniments.

"Phil-for-Short" (1919)

"Moral" (1928)

O filme de abertura da versão online do festival foi “The Joker” (1928), uma produção pan-europeia filmada em diversos países, inclusive na França durante o Carnaval de Nice. Trata-se de uma história de chantagem e enganação. O filme de encerramento foi “Maciste no Inferno” (1926) – certa feita mencionado por Federico Fellini como sendo o filme que o fez querer ser cineasta – uma história colossal sobre amor e poder estrelando Bartolomeo Pagano. “Maciste no Inferno” foi particularmente importante porque sua restauração foi possível com o uso de material oriundo da nossa Cinemateca Brasileira, atualmente fechada e ameaçada.

The opening film of the online version of the festival was “The Joker” (1928), a pan-European production shot in several countries, including in France during the Carnaval in Nice. It’s a story about blackmail and deception. The closing movie was “Maciste in Hell” (1926) – once mentioned by Federico Fellini as the film that made him want to become a filmmaker – a colossal tale of love and power starring Bartolomeo Pagano. “Maciste in Hell” was particularly important because its restoration was made possible with material from our Brazilian Cinematheque, that is currently closed and threatened.

"The Joker" (1928)

"Maciste in Hell" (1926)

Nesta Giornate assisti ao meu primeiro filme mudo australiano: “The Man from Kangaroo” (1920). É um faroeste decente estrelado por Snowy Baker – uma mistura de Tom Mix, Douglas Fairbanks e Johnny Weissmuller. Também assisti ao meu primeiro filme mudo sul-coreano, que não era mudo: “A Public Prosecutor and a Teacher” foi feito em 1948, logo após o final da Segunda Guerra Mundial e da ocupação japonesa, quando o país sofreu uma escassez de recursos para fazer filmes sonoros. Este bom melodrama tinha um Beyoncé byeonsa, ou seja, um narrador que interpretava a ação e a maior parte dos diálogos.

In this Giornate I watched my first Australian silent film: “The Man from Kangaroo” (1920). It’s a decent western starring Snowy Baker – a mix of Tom Mix, Douglas Fairbanks and Johnny Weissmuller. I also watched my first South Korean silent film, which wasn’t silent at all: “A Public Prosecutor and a Teacher” was made in 1948, right after World War II and the Japanese occupation had ended and the country suffered from a shortage of material to make sound films. This nice melodrama had a Beyoncé byeonsa, that is, a narrator that acted out the action and most of the dialog.

"The Man from Kangaroo" (1920)

"A Public Prosecutor and a Teacher" (1948)

Meu filme favorito da Giornate online foi mais uma vez o filme da terça à noite: “Fool’s Paradise” (1921), de Cecil B. DeMille, é tudo que um fã de cinema mudo pode querer. Ele tem literalmente de tudo no enredo: um veterano da Primeira Guerra Mundial ferido, uma cidade na fronteira cheia de poços de petróleo e homens mal-encarados, um cigarro explosivo, um cego, sotaques franceses, amor verdadeiro, um incêndio, uma viagem ao Sião e um sacrifício a crocodilos num templo. Poll Patchouli, interpretada pela grande Dorothy Dalton, rapidamente se tornou uma das minhas personagens mais queridas do cinema mudo.

My favorite film from the online Giornate was once again shown in a Tuesday night: Cecil B. DeMille’s “Fool’s Paradise” (1921) is everything a silent movie fan could ask for. It has literally everything in its plot: a wounded WWI veteran, a small town in the border full of oil wells and greasers, an exploding cigar, a blind man, French accents, true love, a fire, a trip to Siam and a sacrifice to crocodiles in a temple. Poll Patchouli, played by the great Dorothy Dalton, quickly became one of the silent movie characters dearest to my heart.


Esta edição também exibiu curtas-metragens. No segundo dia, cinco deles foram exibidos, quatro italianos e um francês. Eles incluíam um vislumbre dos estúdios Ambrosio em 1913, um alerta sobre ópio, uma animação stop-motion muito criativa e uma criança que vê os sentimentos da mãe em bolhas de sabão. Mais três curtas-metragens foram exibidos no último dia, todos dos estúdios Vitagraph no Brooklyn mas com temas japoneses – e um deles provavelmente tem Florence Turner fazendo yellowface. Nestes curtas da Vitagraph, a presença de uma atriz mirim chamou a minha atenção: a de Adele De Garde. No curta italiano “Le Bolle di Sapone”, a atriz mirim Maria Bay também teve uma boa performance.

This edition also showed short movies. On the second day five of them were shown, four from Italia and one from France. These included a sneak peek at Ambrosio studios in 1913, a cautionary tale about opium, a very creative stop-motion animation and a kid envisioning his mother’s feelings in soap bubbles. Three more shorts were shown in the last day, all from Vitagraph studios in Brooklyn but all with Japanese themes – and one of them that probably has Florence Turner in yellowface. In these Vitagraph shorts, the presence of a child star called my attention: Adele De Garde. In the Italian short “Air Bubbles”, child actress Maria Bay also had a fine performance.

"Ito, the Beggar Boy" (1910)

"Le Bolle di Sapone" (1911)

Nós, que estávamos em casa, tivemos um bom vislumbre de toda a programação do festival presencial. Muitas mulheres ganharam destaque, em frente às câmeras – como Ellen Richter de “Moral” e as “Nasty Women” de tantas comédias – e por trás das câmeras – como as mulheres roteiristas. “An Old Fashioned Boy”, de 1920, estava entre os filmes exibidos na programação dedicada às mulheres roteiristas. É um filme muito divertido que inclusive zombou da necessidade de se fazer quarentena, o que é muito curioso quando levamos em consideração nossos tempos pandêmicos.

We, the people at home, could get a nice glimpse of all the programmes that the in-person festival had. Many women were highlighted, in front of the camera – like Ellen Richter from “Moral” and the “Nasty Women” of so many comedies – and behind the camera – like the female screenwriters. “An Old Fashioned Boy”, from 1920, was among the films in the female screenwriters programme and it was a very funny movie that even mocked the need to quarantine, which is quite curious considering our pandemic times.


Eu gostei demais da Giornate deste ano, mas senti muita falta das nossas sessões do Collegium no Zoom, que foram tão especiais e enriquecedoras ano passado. A cada ano aprendemos algumas coisas na Giornate e uma das coisas que aprendi este ano é que o ato de ir ao cinema, para ser totalmente apreciado, deve ser um evento social.

I enjoyed this year’s Giornate immensely, but I really missed our Collegium Zoom sessions that were so special and enriching last year. Every year we learn some things from the Giornate, and one of the things I learned this year is that cinemagoing, to be fully enjoyed, must be a social event.

Para informações mais detalhadas sobre os filmes da 40ª Giornate del Cinema Muto, leia os posts da minha amiga Danielle.

Tuesday, September 28, 2021

Almas à Venda (1923) / Souls for Sale (1923)

Você é real ou… uma miragem?” 

Nenhum dos dois. Sou um ator de cinema.”

 

Are you real or… a mirage?”

Neither. I’m a movie actor.”

 

Meu tipo favorito de filme são filmes sobre filmes. Meu filme favorito de todos os tempos é “Nasce uma Estrela” (1937), e um dos meus filmes mudos favoritos é “Fazendo Fita” (1928). Antes de ambos terem sido feitos, já havia outros filmes sobre filmes, entre eles “Almas à Venda”, um filme que prova que Hollywood sempre foi ciente de si e do que representa.

My favorite kind of movies are movies about movies. My all-time favorite film is “A Star is Born” (1937), and one of my favorite silent movies is “Show People” (1928). Before these were made, there were already other movies about movies, among them “Souls for Sale”, a film that proves that Hollywood was always self-conscious.

Uma mulher chamada Remember (Eleanor Boardman) foge de seu novo marido, que simplesmente a deixa com medo. Ela anda sem rumo até desmaiar numa locação de filmagem onde, depois de recuperada, ela se torna figurante. Isso é bem irônico porque o pai dela, um pastor, adora pregar sobre como Hollywood é uma terra de pecados e pecadores.

A woman named Remember (Eleanor Boardman) runs away from her new husband, who simply terrifies her. She wanders until she collapses near a movie location, where, when recovered, she becomes a movie extra. This is quite ironic because Remember’s father, a preacher, loves to preach about how Hollywood is a land for sin and sinners.

Depois desta primeira experiência no cinema, Remember, agora chamada de Mem, vai para Hollywood e trabalha novamente como figurante para alguns diretores famosos como Charles Chaplin e Fred Niblo. Para se tornar estrela de cinema, ela ouviu dizer que precisará vencer sua alma - que na verdade é a única coisa que ela tem para vender. Mas, atenção: ela não pode vender sua alma para o diretor de elenco, o diretor ou o produtor - é o público que compra as almas que os artistas põem à venda!

After this first movie experience, Remember, now called Mem, goes to Hollywood and works again as an extra for some famous directors such as Charles Chaplin and Fred Niblo. To become a star there, she heard she must sell her soul - which is actually the only thing she has to sell. But, attention: she can’t sell her soul to the casting director, the director or the producer - it’s the public who buys the souls the artists are selling!

Depois de trabalhar mais, Mem consegue sua grande chance ao substituir a estrela Robina Teele (Mae Busch) num grande filme sobre o circo. Enquanto isso, seus pais descobrem o que ela anda fazendo em Hollywood e nós descobrimos que o marido dela, Owen Scudder (Lew Cody), é um vigarista que se casa com as mulheres para depois matá-las e ficar com o dinheiro delas. Ele vê Mem num filme e decide ir atrás dela, enquanto os pais dela fazem o mesmo. Tudo isso e um triângulo amoroso entre Mem, o ator Tom Holby (Frank Mayo) e o diretor Frank Claymore (Richard Dix) nos levam a um clímax sensacional.

After more work, Mem gets her big break by replacing the star Robina Teele (Mae Busch) in a prestige picture about the circus. Meanwhile, her parents learn what she’s been doing in Hollywood and we learn that her husband, Owen Scudder (Lew Cody), is a crook who marries women just to kill them and keep their money. He sees Mem in a movie and decides to go after her, while her parents do the same. All this and a love triangle between Mem, the actor Tom Holby (Frank Mayo) and the director Frank Claymore (Richard Dix) lead us to a thrilling climax.

Desde o começo, na era dos nickelodeons, os filmes eram criticados por causa de sua moral corrupta e sua má influência. Projetos de censura foram criados já no começo da era muda do cinema - um filme que zomba da censura é o divertido “Prunning the Movies”, de 1915 - e grupos clamavam por “entretenimento puro”. Além disso, “Almas à Venda” mostra que atores e diretores tinham consciência de que escândalos poderiam prejudicar suas carreiras, como diz Frank Claymore:

Since the beginning, starting in the nickelodeon era, movies were target of criticism because of their corrupted morals and their bad influence. Projects of censorship were created right in the beginning of the silent era - one movie that mocks censorship is the very funny “Prunning the Movies”, from 1915 - and groups pushed for “pure entertainment”. Besides that, “Souls for Sale” shows that actors and directors were well aware of the scandals that might hurt their careers, as Frank Claymore says:

Eu disse que os filmes eram cientes de si desde o começo. O já mencionado “Prunning the Movies” foi feito ainda em Nova York, antes de a maioria da indústria do cinema se mudar para Hollywood. Em “Almas à Venda”, um momento de autorreferência que é um bocado amargo acontece quando Tom Holby recebe uma carta de uma fã que está apaixonada por ele e ele simplesmente diz a um assistente para mandar uma resposta e uma foto autografada para ela. Para a fã, seria um sonho receber uma resposta, mas não terá sido o próprio ator que autografou a foto. É, realmente, um mundo de ilusões.

I’ve said that movies were self-conscious since the beginning. The aforementioned “Pruning the Movies” was made still in New York, before the bulk of the movie industry relocated to Hollywood. In “Souls for Sale”, a moment of self-consciousness that is also a bitter look at the Hollywood truth happens when Tom Holby receives a letter from a fan who is in love with him and he simply asks an assistant to send her an answer and an autographed photo. For the fan, it’d be a dream to receive those, but the movie star himself didn’t sign the photo. It is, indeed, a world of illusion.

Eleanor Boardman tem em “Almas à Venda” seu primeiro papel principal, e ela não precisou vender a alma para isso: ela simplesmente ganhou um concurso da Goldwyn Pictures, o “Novos Rostos de 1921”. Ela fez sua estreia em 1922 e “Almas à Venda” foi apenas seu quarto filme. Em 1926 ela se casou com o diretor King Vidor, com quem ela ficaria até 1931. Eleanor aposentou-se das telas em 1935, após fazer 32 filmes.

Eleanor Boardman has in “Souls for Sale” her first leading role, and she didn’t need to sell her soul for that: she simply won a contest Goldwyn Pictures held, the “New Faces of 1921”. She made her debut in 1922 and “Souls for Sale” was only her fourth picture. In 1926 she married director King Vidor, with whom she would remain until 1931. Eleanor retired from the screen in 1935, after appearing in 32 movies.

Este filme tem várias características interessantes. Primeiro, foi escrito e dirigido pela mesma pessoa, o novelista Rupert Hughes, tio de Howard Hughes. O filme tem como designer de cenários Cedric Gibbons, famoso diretor de arte que começou no cinema em 1913 e estava, em “Almas à Venda”, no comecinho de sua carreira na Goldwyn Pictures, uma carreira que continuaria no ano seguinte quando uma fusão fez da Goldwyn parte da MGM. Gibbons trabalharia em mais de mil filmes, recebendo 39 indicações ao Oscar e ganhando 11 estatuetas.

This film has many interesting characteristics. First, it was written and directed by the same person, author Rupert Hughes, who was Howard Hughes’s uncle. It has as its set designer Cedric Gibbons, famous artistic director who started in films in 1913 and was, in “Souls for Sale”, in the very beginning of his career at Goldwyn Pictures, a career that would continue the following year when a merge made Goldwyn part of MGM. Gibbons would go on to work in over a thousand movies, receiving 39 Oscar nominations and winning 11 awards.

Rupert Hughes

Por muitas décadas, “Almas à Venda” foi considerado um filme perdido, até que cópias incompletas surgiram e uma restauração foi feita em 2006. Eu imagino que ainda haja algo perdido, ou a história secundária de Leva Lemaire (Barbara La Marr), uma atriz que perdeu seu amado em um terrível acidente no set, e Komical Kale (Snitz Edwards), um comediante apaixonado por ela e não correspondido, recebe pouca atenção de propósito, o que seria uma pena.

Souls for Sale” was thought to be lost for many decades, until incomplete copies surfaced and a restoration was made in 2006. I imagine there is still some footage missing, or the secondary story of Leva Lemaire (Barbara La Marr), an actress who lost the man she loved in a terrible on-set accident, and Komical Kale (Snitz Edwards), the comedian who is hopelessly in love with her, receives too little screen time on purpose, which would be a shame.

Almas à Venda” é um dos melhores filmes sobre filmes já feitos. Tem emoções, participações especiais, críticas e verdades amargas. Mais do que isso: a trajetória do filme, de perdido a encontrado e restaurado, nos mostra a importância da preservação do cinema e de nunca perder as esperanças de que filmes perdidos reaparecerão em algum lugar.

Souls for Sale” is one of the best movies about movies ever made. It has thrills, cameos, criticism and bitter truths. More than that: the trajectory of the film, from lost to found and restored, shows us the importance of film preservation and of never losing hope that lost films will reappear somewhere.

This is my contribution to the Silent Movie Day blogathon, hosted by Lea and Crystal at Silent-ology and In the Good Old Days of Classic Hollywood.

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