Natal em Julho (1940) / Christmas in July (1940)

 

Sempre me interessei pelo conceito de Natal em julho, desde a primeira vez que ouvi essa expressão em inglês. Faria sentido para nós no Brasil celebrarmos o Papai Noel numa época de frio. Mas o Natal é mais que isso. O Natal é, para nosso mundo capitalista, sobre presentes. Não há decorações de Natal nem celebrações religiosas no filme intitulado “Natal em Julho”, mas há muitos presentes. E tem mais: a grande felicidade que sentimos durante as festividades.

I’ve always been interested in the concept of Christmas in July, ever since I’ve heard the expression. It would make sense for us in Brazil to celebrate Santa Claus when it’s cold outside. But Christmas is more than that. Christmas is, for our capitalist world, all about gifts. There aren’t Christmas decorations or religious celebrations in the little movie titled “Christmas in July”, but there are gifts galore. And there is, of course, the amazing joy we all feel during the holidays.

O jovem casal Jim (Dick Powell) e Betty (Ellen Drew) estão no telhado de seu prédio fazendo planos para o futuro e esperando o resultado de um concurso de rádio do qual Jim participou. Não foi só ele: mais de duas milhões de cartas com ideias para um novo slogan para uma empresa de café foram enviadas para a rádio e precisam anunciar o feliz vencedor que ganhará 25 mil dólares! Mas o júri não chega a um veredicto. 

The young couple Jim (Dick Powell) and Betty (Ellen Drew) are on a rooftop making plans for their future and waiting for  the result of a radio contest Jim took part in. Not only him: over two million responses for a new slogan for a coffee company were sent to the radio and they need to announce the happy winner who will win 25,000 dollars! But the jury can’t reach a verdict.

Jim e Betty trabalham juntos no escritório de uma companhia de café. É um ambiente de trabalho visto antes em “A Turba” (1928) e depois em “Se meu Apartamento Falasse” (1960), com todas as mesas enfileiradas. Sabendo que o casal está esperando o resultado, três colegas de trabalho falsificam um telegrama dizendo que Jim ganhou o concurso. E aí as coisas saem do controle.

Jim and Betty work together in an office of a coffee firm. It’s a working environment seen before in “The Crowd” (1928) and later in “The Apartment” (1960), with all the desks one after another. Knowing that the couple is waiting for the result, three co-workers forge a telegram saying that Jim won the contest. Then things spiral out of control.

Logo Jim está na sala do chefe, sugerindo novos slogans e estratégias de marketing. Ele compra coisas para Betty, para a mãe, para os amigos e vizinhos. Ele enche três táxis com pequenos presentes. É realmente Natal em julho.

Soon Jim is at his boss’ room, suggesting new slogans and marketing strategies. He buys things for Betty, for his mother, for their friends and neighbors. He fills three taxis with small gifts. It’s really Christmas in July.

É curioso ver estações de rádio com plateia e orquestra, mas era assim mesmo no passado, antes do advento da televisão, quando famílias e colegas de trabalho se juntando ao redor do aparelho para ouvir os programas. Fiquei surpresa ao descobrir, na minha aula de mídia na pós-graduação, que muitas, muitas pessoas ainda ouvem o rádio com regularidade. 

It’s curious to see radio studios with an audience and orchestra, but they were really this way in the past, before the advent of television, when families and co-workers reunited around a radio to listen to the shows. I was surprised to learn in my post-graduation media class that many, many people still listen to the radio often, but they do! 

O primeiro prêmio de 25 mil dólares é equivalente a 550 mil hoje. Curiosidade: conversões como esta são mais difíceis de fazer no Brasil porque tivemos muitas mudanças de moeda no último século. Outra dificuldade no Brasil: traduzir os trocadilhos que Jim faz para seus slogans!

The first prize of 25,000 dollars is equivalent to 550,000 nowadays. Curious fact: conversions like this are trickier to do here in Brazil because we had many changes of coins in the past century. Another difficulty in Brazil: to translate the puns Jim keeps working on for his slogans!

Dick Powell teve algumas fases bem distintas em sua carreira. Ele começou como cantor e foi rapidamente contratado pela Warner Bros para trabalhar em musicais, resultando em sucesso instantâneo. Entretanto, após “Até a Vista, Querida” (1944), ele se reinventou interpretando detetives durões. Na década de 1950 trabalhou como diretor de sete filmes. Na vida privada, foi casado com Joan Blondell, com quem fez 12 filmes, e com June Allyson.

Dick Powell had some very distinct phases in his career. He started as a crooner and was quickly signed by Warner Bros to work in musicals, resulting in immediate success. However, after “Murder, my Sweet” (1944), he reinvented himself playing tough private eyes. In the 1950s he worked as a director in seven films. In his private life, he was married to Joan Blondell, with whom he made 12 movies, and to June Allyson.

Como o enérgico dono da companhia de café Dr Maxford temos Raymond Walburn roubando a cena. O IMDb lista quase 100 trabalhos no cinema e televisão para este grande coadjuvante, que começou no teatro seguindo os passos da mãe. Ele trabalhou muitas vezes com Preston Sturges e Frank Capra e nos anos 1940 e 1950 fez uma série de filmes como o personagem Henry Latham. 

As the energetic coffee company owner Dr Maxford we have Raymond Walburn stealing the scene. IMDb lists almost 100 works on film and TV for this character actor, who started in theater following his mother’s footsteps. He worked several times with Preston Sturges and Frank Capra and in the late 1940s, early 1950s played the character Henry Latham in a series of movies.

Preston Sturges foi um grande roteirista que se tornou um grande diretor - “Natal em Julho” é apenas seu segundo filme na cadeira do diretor e baseado em sua própria peça “A Cup of Coffee”. Aqui ele tem uma fala interessante, divertida porém assustadora, quando o dono da loja pede que todas as pessoas brincando do lado de fora do prédio de Jim sejam presas, e o policial pergunta: “quem você acha que é, Hitler?”. E o dono da loja a quem a pergunta se dirige se chama… Schindel.  

Preston Sturges was a great screenwriter who became a great director - “Christmas in July” is only his second movie at the director’s chair, and based on his own unproduced play “A Cup of Coffee”. Here he has one interesting, funny but worrying, line when the store owner asks to have all the people playing outside Jim’s building arrested, and the police officer asks: “who do you think you are, Hitler?” And the store owner the question is directed to is called… Schindel.

Sturges e seus temas por vezes me lembram de Frank Capra. Ambos brilharam com comédias malucas de diálogos rápidos e muitas vezes trataram de críticas sociais. Em muitos momentos lembrei-me de “Adorável Vagabundo” na maneira como “Natal em Julho” tratou de otimismo e mentiras. Capra teve uma carreira muito mais longa e ganhou diversos prêmios, por isso agora é mais lembrado que Sturges, que merece mais reconhecimento. 

Sturges and his themes sometimes remind me of Frank Capra. Both excelled at fast-paced screwball comedies and often dealt with societal criticism. In many moments I was reminded of “Meet John Doe” in the way “Christmas in July” tackled optimism and lies. Capra had a much longer career and won several awards, reasons why he now is better remembered than Sturges, who deserves more recognition. 

Você sabe como hoje em dia parece mais difícil acomodar um filme nas nossas rotinas e listas de filmes com 90 minutos ou menos são sucesso no Letterboxd? “Natal em Julho” é um destes filmes: com apenas 67 minutos de duração, é sagaz, charmoso, divertido e um lembrete de que Preston Sturges merece nossa atenção.

Do you know how nowadays it seems more difficult to squeeze in a film in our routines and lists about films that are 90 minutes or less are successful on Letterboxd? “Christmas in July” is one of these movies: only 67 minutes long, it’s witty, charming, fun and a reminder that Preston Sturges deserves our attention.

Dixiana (1930)

 

Há filmes que são Clássicos e há filmes que são apenas Antigos. Quantos clássicos podem ser feitos ao longo de um ano, no mundo inteiro? Talvez uns 25? As centenas de outros filmes não passam no teste do tempo e permanecem como curiosidades do passado. O filme de hoje não é nada além disso: uma curiosidade. Ouvi falar dele muitos anos atrás como sendo um musical não muito bom fruto das primeiras experiências com som sincronizado. Permaneci com o título na minha mente. E agora é hora de escrever sobre “Dixiana”.  

There are movies that are Classics and there are movies that are just Old. How many classics can be made in a year, all over the world? 25, perhaps? The other hundreds of other films don’t stand the test of time and remain as curiosities of the past. Today’s film is nothing but this: a curiosity. I heard about it years ago as being not a very good musical from the first experiences with synchronized sound. I kept it in my radar. And now it’s time to review “Dixiana”.

Os créditos que surgem enquanto uma voz masculina forte canta sobre o rio Mississippi e um grande barco singra a tela é um eco de “Show Boat”, pois uma versão do musical foi feita em 1929. Carl Van Horn (Everett Marshall) é um herdeiro que deixa a lavoura para ir a Nova Orleans. Lá, num show, ele vê Dixiana “Bebe Daniels). Eles são velhos conhecidos, porque quando ele a pede em casamento, ela prontamente aceita. Carl leva Dixiana para sua casa, onde todos caem de amores por ela. Mas quando a madrasta dele descobre que Dixiana é uma artista - de uma espécie de circo, ainda por cima! -  ela se enfurece. Dixiana decide romper o noivado, voltar para o show business e talvez se tornar a rainha do Mardi Gras, uma espécie de Carnaval de Nova Orleans.

The credits appearing while a strong male voice sings about the Mississippi river and a big boat passes by echoes “Show Boat”, as a version of the musical was made in 1929. Carl Van Horn (Everett Marshall) is an heir who leaves the plantation to go to New Orleans. There, at a show, he sees Dixiana (Bebe Daniels). They are old acquaintances, because when he asks her to marry him, she quickly says yes. Carl takes Dixiana to his property, where everybody is charmed by her. But when his stepmother discovers Dixiana is a showgirl - and even worse, a circus girl! - she gets mad. Dixiana decides to break the engagement and go back to show business and maybe become the queen of Mardi Gras.

Cornelius Van Horn (Joseph Cawthorn) e sua esposa Helen (Jobyna Howland), a madrasta de Carl, servem de alívio cômico conforme brigam e interagem com os artistas amigos de Dixiana. Tudo é literalmente muito divertido até Helen fazer uma vilania. Então, os dois amigos artistas, Ginger (Robert Woolsey) e Peewee (Bert Wheeler), se transformam em alívio cômico com trocadilhos e números musicais, além de um triângulo amoroso. Por causa do co-protagonismo deles - afinal, são a famosa dupla Wheeler e Woolsey - podemos dizer que “Dixiana” é uma comédia musical.

Cornelius Van Horn (Joseph Cawthorn) and his wife Helen (Jobyna Howland), Carl’s stepmother, serve as comic relief as they bicker and interact with Dixiana’s fellow artists. Everything is literally fun and games until Helen does a villainous act. Then, the two fellow artists, Ginger (Robert Woolsey) and Peewee (Bert Wheeler), become the comic relief with both wordplays and musical numbers, plus a love triangle. Because of their co-protagonism - after all, they are the famous comic duo Wheeler & Woolsey -, we can say “Dixiana” is a musical comedy.

Estamos ali aproveitando o filme quando ela chega: uma sequência a cores! A ação no Mardi Gras é filmada num processo chamado Two-Strip Technicolor e é talvez a principal razão para alguém em 2026 ver este filme. O efeito é incrível e, como grande fã desse processo, posso dizer que foi uma excelente surpresa.

We’re simply chilling and enjoying the film when it happens: a color sequence! The Mardi Gras sequence was shot in two-strip Technicolor and maybe it’s the main reason someone in 2026 would watch this movie. The effect is amazing and, as a huge fan of two-strip Technicolor, I can say that I was more than pleasantly surprised.

“Dixiana” não é apenas um filme falado, é um musical. Mesmo assim, algumas cartelas de texto estão lá para estabelecer o tempo e o espaço das ações que se seguem. Mesmo que eu tenha comparado este filme com “Show Boat” anteriormente, ele é mais próximo dos musicais operísticos de Jeanette MacDonald feitos na mesma época.

“Dixiana” is not only a talkie, it’s a musical. Nevertheless, some title cards appear to establish time and place of the actions that follow. Although I compared this film to “Show Boat” earlier, it’s closer to Jeanette MacDonald’s operatic musicals from the same period.

Podemos perceber o preconceito com que a Velha Hollywood tratava os personagens negros neste filme. O garoto de recados Cupid só repete o que ouviu de Carl, com um sotaque. O mordomo Jasper na propriedade dos Van Horn é feito de bobo por Wheeler e Woolsey. Os dois empregados na casa de apostas servem de testemunhas no duelo entre Ginger e Peewee, e os dois homens negros fogem amedrontados. Finalmente, já na sequência em Technicolor, um homem negro (ninguém menos que Bill Bojangles em sua estreia no cinema!) que estava limpando o trono da rainha do Mardi Gras faz um número de sapateado, mas não tem falas. 

We can see Old Hollywood’s poor portrayal of black characters in this movie. The message boy Cupid just repeats what he heard from Carl, with an accent. Butler Jasper at the Van Horn estate is made a fool of by Wheeler and Woolsey. The two servants at the gambling house are made “seconds” in the duel between Ginger and Peewee, and both black men run away in fear. Finally, already in the Technicolor sequence, a black man (no other than Bill Bojangles in his film debut! ) who was cleaning the throne of the Mardi Gras queen does a tap dance routine, but is given no lines.

Bebe Daniels já era veterana das telas quando “Dixiana” foi feito. Ela fez sua primeira turnê como atriz aos quatro anos e teve seu primeiro papel protagonista aos sete. Fez sua estreia nos filmes aos nove, e foi Dorothy Gale na adaptação de “O Mágico de Oz” em 1910. Aos 14 foi colocada ao lado de Harold Lloyd como Lonesome Luke e o acompanhou quando sua persona cinematográfica mudou para o personagem de óculos. Ela trabalhou paraDeMille e fez uma ótima transição para o cinema falado, participando de diversos musicais. Em 1935 ela se mudou para Londres com seu marido Ben Lyon e seus dois filhos, e lá trabalhou predominantemente no rádio. 

Bebe Daniels was already a veteran of the screen when “Dixiana” was made. She did her first tour as an actress at age four and had her first leading role at seven. She debuted in films at nine, and was Dorothy Gale in the early adaptation of “The Wizard of Oz” in 1910. At fourteen she was paired with Harold Lloyd as Lonesome Luke and accompanied him when his screen persona changed to the Glasses character. She worked under DeMille and made a great transition to talkies, appearing in several musicals. In 1935 she moved to London with her husband Ben Lyon and their two kids, where she worked mostly in radio. 

O diretor é o famoso Luther Reed. Famoso QUEM? Diretor de outro musical da época, “Rio Rita” de 1929, ele trabalhou principalmente como roteirista e dirigiu 11 filmes, de acordo com o IMDB. Ele foi um dos muitos diretores contratados para fazer “Anjos do Inferno” e foi ele que, raivoso, sugeriu que o produtor Howard Hughes deveria dirigir o filme em vez de ficar fazendo tantas intervenções. Hughes seguiu o conselho colérico.

The director is the famous Luther Reed. Famous WHO? The director of another early musical, “Rio Rita” from 1929, worked mainly as a screenwriter and directed 11 movies, according to IMDb. He was one of the many directors hired to make “Hell’s Angels” and was the one who, in a rage, suggested that producer Howard Hughes should direct it instead of making so many interventions. Hughes followed the angry advice.

“Dixiana” foi feito na RKO, que nunca figurou entre os maiores estúdios. O estúdio foi formado através da Radio Corporation of America e suas experiências com equipamentos de som para o cinema, depois que surgiram os filmes com som sincronizado. Conhecido pelos musicais estrelando Fred Astaire e Ginger Rogers, além de ter sido a primeira casa de Katharine Hepburn e, mais tarde, Robert Mitchum, há certamente muitos filmes da RKO que merecem ser vistos como artefatos históricos.

“Dixiana” was made at RKO, never truly among the biggest studios. The studio was formed through Radio Corporation of America’s experiences with sound devices for cinema, following the advent of talkies. Known for musicals starring Astaire and Rogers, plus as being the first home of Katharine Hepburn and, later, Robert Mitchum, there are certainly many RKO films worth seeing as historical artifacts.

Se eu tivesse assistido a “Dixiana” quando ouvi falar do filme pela primeira vez, talvez não o tivesse apreciado tanto, pois hoje sei mais sobre Bebe Daniels, a história da RKO e os primeiros musicais. No final, tive uma boa surpresa com o filme. É ótimo assistir aos Clássicos, mas também é divertido assistir aos filmes que são apenas Antigos.

If I had watched “Dixiana” when I first got to know the movie, maybe I wouldn’t have enjoyed it properly, as now I know more about Bebe Daniels, the history of RKO and early musicals. Overall, I was pleasantly surprised with the movie. It’s great to watch the Classics, but it is also fun to watch the movies that are just Old.

The Sixth Luso World Cinema blogathon is here!

The World Cup is on its way. Portugal, searching its first title, is a strong contender, as is Brazil, already five times champion. Cape Verde is a surprise with a goalkeeper that became an overnight celebrity.

But I don’t like soccer. So let’s focus on the Luso World I understand the most: Luso cinema. Once again I’m happy to co-host the Luso World Cinema blogathon and bring Luso pride and culture to you. Let’s go!

I kick things off with a review of Carmen Miranda’s only extant film from her Brazilian career: “Alô Alô Carnaval” from 1936.

On my companion blog Lost and Found Films, I tell the story of the restoration of the Brazilian classic "Limite" (1931)

Terry from A Shroud of Thoughts introduces us to TV star from Portuguese descent Karen Valentine. 

Quiggy from The Midnite Drive-In talks about a more than risqué film: the pure cringe "Blame it on Rio" (1984) 

Debra from Moon in Gemini reviews the Brazilian film “Desmundo” (2002), spoken in archaic Portuguese! 

Rebecca from Taking Up Room brings Carmen Miranda back in "Springtime in the Rockies" (1942)!

Sally from 18 Cinema Lane talks what she liked and disliked about "The Naked Jungle" (1954), set in the Amazon rainforest.

Don’t forget to come back and also visit Spellbound with Beth Ann!

Alô Alô Carnaval (1936)

 

Todo filme clássico pode ser considerado uma janela para o passado, para outro tempo e lugar - um artefato histórico. Mas alguns personificam o “artefato histórico” mais que outros. Musicais, por exemplo: tem jeito melhor ou mais prazeroso de descobrir as músicas que nossos antepassados ouviam e gostavam do que assistindo a um musical? Na minha opinião, não tem. Tendo estreado há 90 anos, o musical brasileiro “Alô Alô Carnaval” é um retrato de mais de uma arte num passado distante, mas não esquecido. 

Every classic film can be considered a window to the past, to another time and place - a historical artifact. But there are some that personify the “historical artifact” more than others. Musicals, for instance: is there a better or more pleasant way to discover the songs that our forefathers listened to and liked than by watching a successful musical? In my opinion, there isn’t. Released 90 years ago, the Brazilian musical “Alô Alô Carnaval” is a portrait of more than one art in a past long gone, but not forgotten.

Dois homens, o Sr Prata e o Sr Tomé, querem organizar um espetáculo. A primeira tentativa deles é negada porque o dono do teatro disse que viria uma companhia estrangeira para usar o teatro. Os dois homens então vão para um cassino. Lá, eles bebem, flertam, apostam. O dono do teatro os procura no outro dia para dizer que a companhia estrangeira não virá e eles podem organizar o show no Cassino Mosca Azul. Essa é a história. 

Two men, Mr Prata and Mr Tomé, want to put on a show. Their first attempt is denied because the patron said he had a foreign company coming to use his theater. The two men then go to a casino. There, they drink, they flirt, they gamble. The patron comes back another day and says the foreign company isn’t coming after all and they can put on the show at the Blue Fly Casino. And that’s the plot.

Mais da metade do filme é usado para mostrar o espetáculo. Há um pianista e uma cantora lírica, mas a maioria das canções são sambas. Tem um samba em particular que começa com os versos de Os Lusíadas, o mais famoso poema épico da língua portuguesa. Isso mostra que o samba é muito mais que um ritmo, é cultura pura. Isso também pode ser visto durante o Carnaval com os desfiles das escolas de samba: não é só um show - mesmo sendo sempre um espetáculo para os olhos -, é uma aula de cultura. 

Over half of the movie is used to showcase the spectacle. There is a pianist and a lyrical singer, but most of the songs are sambas. There is one particular samba that starts with verses from Os Lusíadas, the most famous epic poem in the Portuguese language. This shows that samba is much more than a rhythm, it’s pure culture. This can also be seen during Carnaval with the parades of samba schools: it’s not just a show - and it always is a feast for the eyes -, it’s a whole lesson in culture.

Prata e Tomé apostam no Cassino Mosca Azul, uma diversão comum na época, mas que logo seria proibida. Dez anos após este filme estrear, os cassinos foram proibidos no Brasil após um pedido da muito religiosa Primeira Dama, esposa do novo presidente Eurico Gaspar Dutra. Ela também pediu que o Comunismo fosse banido no país e que fosse construída uma capela dentro da residência presidencial. Todos os pedidos se tornaram realidade graças ao seu querido marido.

Prata and Tomé gamble at the Blue Fly casino, a common diversion of the time, but it would soon be ruled out. Ten years after this movie was released, gambling was banned in Brazil per request of the very religious First Lady, wife of the new president Eurico Gaspar Dutra. She also asked for Communism to be banned in the country and for the construction of a chapel inside the presidential residence. All requests were accepted by her darling husband.

Obviamente, o destaque é Carmen Miranda. Ela primeiro canta, na metade do filme, uma canção com sua irmã Aurora e mais tarde volta para um número solo. “Alô Alô Carnaval” é importante porque é o único filme atualmente conhecido e preservado feito por Carmen Miranda no Brasil - preservação audiovisual é um tópico delicado aqui, pois muitos filmes estão perdidos: todos os de ficção feitos antes de 1913 e muitos outros de anos mais recentes.

Of course, the highlight is Carmen Miranda. She first sings, in the middle of the film, a tune with her sister Aurora and later comes back for a solo number. “Alô Alô Carnaval” is important because it’s the only known extant and preserved film made by Carmen Miranda in Brazil - film preservation is a delicate topic here, as so many movies were lost: all fictional ones made before 1913 and many more from most recent years.

Eu gostaria de destacar outra dupla: as Irmãs Pagãs - aqui creditadas literalmente Pagan I e Pagan II. Elvira Pagã e Rosina Pagã, juntas, gravaram 13 discos nos anos 1930, se separando quando Elvira se casou em 1940. Elvira, entretanto, continuou sua carreira solo e se tornou uma famosa vedete. 

I’d like to highlight another duo: the Pagan sisters - here credited literally as Pagan I and Pagan II. Elvira Pagã and Rosina Pagã, together, recorded 13 albums in the 1930s, splitting when Elvira got married in 1940. Elvira, however, continued her solo career and became a famous “vedete” - actress from musical theatre.

Com um papel breve de alívio cômico, temos o comediante Oscarito. Nascido na Espanha em 1906 como Oscar Lorenzo Jacinto de la Inmaculada Concepción Teresa Díaz, ele fez turnê com o circo trabalhando como palhaço, acrobata e violinista. Ele fez seu primeiro filme em 1935, mas apenas nos anos 1950 chegaria ao seu ápice como comediante, quando formou dupla com outro ator popular, Grande Otelo. 

With a brief role as comic relief, we have comedian Oscarito. Born in Spain in 1906 as Oscar Lorenzo Jacinto de la Inmaculada Concepción Teresa Díaz , he toured with the circus working as a clown, an acrobat and a violin player. He made his first film in 1935, but only in the 1950s he would reach his peak as a comedian, when he was paired with another popular actor, Grande Otelo.  

O filme foi feito pelos estúdios da Cinédia no Rio de Janeiro. O estúdio foi planejado como uma construção moderna feita para colocar o Brasil em pé de igualdade com os grandes no mundo do cinema. O diretor Humberto Mauro fez o filme inaugural e muitos outros se seguiram, como “Limite” de Mário Peixoto e “O Ébrio” de Gilda de Abreu em 1946. O estúdio também foi utilizado por Orson Welles para gravações de “É Tudo Verdade”. O estúdio ainda existe como locação e centro de memória. 

This film was made by the studios Cinédia from Rio de Janeiro.  The studio was planned as a modern facility built to make Brazil become a big player in the cinema world. Director Humberto Mauro made the inaugural film there and many more came, such as Mário Peixoto’s “Limite” and Gilda de Abreu’s “O Ébrio” (“The Drunkard”, 1946). It was also used by Orson Welles in shootings for “It’s All True”. The studio still stands as a location and memorial center.

Podemos dizer que Prata e Tomé eram um casal “queer coded”, como fica claro quando saem de casa ambos de pijama. Eles brincam, antes desta cena, que a dupla cantando no cassino era um “casal”. Não havia nada parecido com o Código Hays no cinema brasileiro, mas devemos nos lembrar de que o Brasil é o maior país católico do mundo e o conservadorismo está entranhado nas nossas raízes, infelizmente. Pessoas LGBTQ foram e são comumente tratadas como piada.

We could say that Prata and Tomé were a “queer coded” couple, as it is clearer in the sequence where they leave their house both in pajamas. They joke, before that scene, that the duo singing at the casino were a “couple”. There wasn’t anything like the Hays Code in Brazilian cinema, but we must remember that Brazil is the biggest catholic country in the world and conservatism is deep in our roots, unfortunately. LGBTQ people were and are often treated as a joke.

“Alô Alô Carnaval” circula no YouTube como uma versão de 60 minutos que por vezes fica difícil de ver ou escutar. Em geral pensamos como filmes mudos como a maioria dos filmes perdidos, mas em países onde a memória é menosprezada filmes mais recentes também podem estar perdidos. O Brasil tem um problema de memória, não apenas cinematográfica. Como historiadora, estou lutando para mudar isso e essa blogagem coletiva é um bom pontapé inicial.

“Alô Alô Carnaval” circulates on YouTube as a 60-minute version that sometimes is hard to see and hard to hear. We usually think about silent films as most lost films, but in countries where memory is taken for granted more recent movies can be lost as well. Brazil has an issue with its memory not only in the movie world. As a historian, I’m fighting for change and this blogathon is a good starting point.

This is my contribution to the 6th Luso World Cinema blogathon, hosted by me here at Crítica Retrô and by my friend Beth at Spellbound with Beth Ann.

A Flor que não Morreu (1959) / Green Mansions (1959)

 

De vez em quando as estrelas se alinham e dois de seus atores favoritos fazem um filme juntos. Isso foi o que aconteceu com “A Flor que não Morreu”, infelizmente considerado um dos piores filmes das carreiras de dois de meus favoritos: Audrey Hepburn e Anthony Perkins. Sim, eles só interagem pela primeira vez após mais de 30 minutos de projeção, mas a química entre eles não foi o que decepcionou a maioria da plateia e deu má fama ao filme. Vejamos o que aconteceu. 

Sometimes the stars align and two of your favorites make a movie together. This is what happened in “Green Mansions”, unfortunately considered one of the worst films in the careers of two of my favorites: Audrey Hepburn and Anthony Perkins. Yes, they only interact for the first time after the 30-minute mark, but their chemistry is not what displeased the majority of the audience and gave this movie bad fame. Let’s see what happened.

Somos informados de que no começo do século XX W.H. Hudson viveu nas selvas da Venezuela e contou ao mundo uma história de amor que se tornou um clássico contemporâneo. Ah… se a queda d’água nos créditos iniciais parece familiar, é porque também apareceu em “Up! - Altas Aventuras” da Disney - outro clássico contemporâneo.

We’re informed that in the early 20th century W.H. Hudson lived in the jungles of Venezuela and told the world a love story that became a modern classic. Oh…If the waterfall in the opening credits seems familiar, it’s because it was also portrayed in Disney’s “Up!” - another modern classic.

Abel (Anthony Perkins) é um homem da capital da Venezuela, Caracas, em busca de vingança. E para isso ele precisa de ouro. Embrenhando-se na floresta, ele é ao mesmo tempo salvo e capturado por um grupo de nativos. Como o filho do Chefe fala inglês, Abel não corre perigo. Na verdade, ele recebe uma missão: entrar na selva e matar o Espírito da Floresta. Enquanto ele está lá, é picado por uma cobra coral mas salvo por Rima (Audrey Hepburn). Levado até a cabana dela, Abel se recupera e começa a acreditar que o avô de Rima pode saber onde há ouro. 

Abel (Anthony Perkins) is a man from the capital of Venezuela, Caracas, who is looking for revenge. And for this he needs gold. Entering the innermost of the jungle, he is both saved and captured by a group of natives. Since the Chief’s son speaks English, Abel is in no danger. In fact, he receives a mission: to enter the jungle and kill the Spirit of the Forest. While he’s there, he’s bitten by a coral snake but saved by Rima (Audrey Hepburn). Taken to her hut, Abel recovers and starts to believe Rima’s grandfather may know where there’s gold.

Audrey Hepburn fez mais de uma dúzia de filmes antes de “A Flor que não Morreu” e ganhou o Oscar de Melhor Atriz por sua estreia em Hollywood, “A Princesa e o Plebeu” (1953). Anthony Perkins era uma estrela em ascensão, tendo estreado em 1953 com um papel em “Papai Não Quer”. Para fazer este filme, Hepburn recusou o papel principal em “O Diário de Anne Frank” (1959) e Perkins recusou um papel em “Quanto Mais Quente Melhor” (1959). A canção “Green Mansions” é cantada pelo próprio Perkins, que na época estava tentando uma carreira dupla como ator e cantor. E ele cantava muito bem!

Audrey Hepburn had made over a dozen films before “Green Mansions”, and won the Best Actress Oscar for her Hollywood debut “Roman Holiday” (1953). Anthony Perkins was a rising star, having debuted in 1953 with a role in “The Actress”. To appear in this film, Hepburn refused the lead role in “The Diary of Anne Frank” (1959) and Perkins refused a role in “Some Like It Hor” (1959). The song “Green Mansions” is sung by Perkins himself, who at the time was trying a double career as actor and singer. He is not bad at singing at all!

É estranho, entretanto, acreditar que nosso elenco é venezuelano. Isso fica mais difícil com os atores interpretando os nativos, como o japonês Sessue Hayakawa (abaixo) e Henry Silva, vindo do Brooklyn. A língua que eles falam é mais próxima do japonês do que das línguas dos nativos amazônicos. Bem, é a Velha Hollywood tratando quem é diferente como exótico mais uma vez. 

It’s weird, however, to believe our cast is Venezuelan. This gets even harder for the actors playing natives, such as the Japanese Sessue Hayakawa (below) and Brooklyn-born Henry Silva. Their spoken language is closer to Japanese than to the languages of Amazon natives. Well, it’s Old Hollywood treating the different people as exotic once again.

Aqui tenho uma surpresa agradável: uma “música especial” foi criada para o filme pelo meu conterrâneo Heitor Villa-Lobos. Deixe-me contar uma ou duas coisas sobre ele. O compositor de mais de duas mil obras começou tocando em cinemas no início do século XX. Seu trabalho foi influenciado tanto pela música europeia quanto pela música popular brasileira. Na verdade, Villa-Lobos baseou sua trilha para “A Flor que não Morreu” no livro que serviu de base para o filme, publicado em 1904. O compositor polonês Bronislau Kaper foi convidado a refazer a trilha, mas manteve alguns trechos de Villa-Lobos, que por sua vez apresentou sua composição completa mais tarde naquele ano em Nova York como a cantata Floresta do Amazonas.  

Here’s a welcome surprise: “special music” was created for the film by my fellow Brazilian Heitor Villa-Lobos. Let me tell you a thing or two about him. The composer of over 2,000 works started playing songs for films in the early 20th century. His work was influenced by both European music and Brazilian folk music. Villa-Lobos actually based his “Green Mansions” score on the 1904 source book, not the completed film. The Polish composer Bronislau Kaper was asked to do the complete score, but retained some of Villa-Lobos’ tunes, who in turn presented his full composition later that year in New York as the cantata Forest of the Amazon.

“A Flor que não Morreu” foi dirigido pelo então marido de Audrey, Mel Ferrer. Uma ideia de adaptação do livro nos anos 1930 com Dolores Del Rio foi desconsiderada. Vincente Minnelli foi depois considerado para dirigir, mas um teste mal sucedido com Pier Angeli como Rima fez com que Ferrer fosse escolhido no seu lugar. Ferrer viajou para a Venezuela e gravou uma hora de material que foi incorporado ao filme. “A Flor que não Morreu” seria o primeiro projeto com Ferrer dirigindo e Audrey estrelando, mas o fracasso comercial abortou o plano.

“Green Mansions” was directed by Audrey’s then-husband Mel Ferrer. An idea for an adaptation of the book in the 1930s with Dolores Del Rio was dropped. Vincente Minnelli was then attached to direct, but an unsuccessful test with Pier Angeli as Rima led to Ferrer being chosen instead. Ferrer traveled to Venezuela and shot one hour of material that was incorporated into the film as background. “Green Mansions” was supposed to be the first project with Ferrer directing and Hepburn starring, but the commercial failure aborted the plan.

Mais famoso que este filme é provavelmente o pequeno veado que Audrey adotou como mascote durante as filmagens. Ela o chamou de Pippin e várias fotos dos dois podem ser encontradas online. Mel Ferrer havia levado o animal à sua casa em Hollywood para deixá-lo acostumado com Hepburn nas cenas em que teriam de interagir.

More famous than this movie is probably the little fawn Audrey adopted as a pet while filming. She named it Pippin and several photos of the two can be found online. Mel Ferrer had brought the fawn to his Hollywood home to make it acquainted to Hepburn in the scenes in which they had to interact. 

Eu assisti à maioria dos filmes de Audrey Hepburn, escrevi sobre alguns deles e posso dizer que esse não é o pior da sua carreira - “Amor na Tarde” (1957), por exemplo, envelheceu muito mal. Há também muitos filmes modernos piores que este. O filme também recebe o crédito por ser o primeiro a utilizar o processo Panavision no cinema. E tem mais: com “A Flor que não Morreu”, uma história de amor que teria sido há muito esquecido foi imortalizada pelo cinema.

I’ve watched most of Audrey Hepburn’s movies, reviewed a good amount of them and can say that this isn’t her worst effort - “Love in the Afternoon” (1957), for example, aged awfully. There are plenty of modern movies worse than it, as well. The movie also gets the credit of debuting the Panavision process in cinema. And there’s more: with “Green Mansions”, a love story that would have been long forgotten was immortalized by cinema.

Para terminar este post, uma coisa diferente: quando eu comecei a explorar o YouTube, muitos anos atrás, fiz um par de vídeos explorando a carreira completa de algumas de minhas estrelas favoritas. Eu sempre quis fazer um para Audrey Hepburn. Esta semana encontrei o tempo e a motivação para fazê-lo. Então aqui está, “The Whole Career: Audrey Hepburn”. Vamos torcer para que eu não precise esperar mais 15 anos para fazer um destes vídeos! 

To finish this post, something different: when I started exploring YouTube, many years ago, I did a couple of videos showcasing the entire career of some of my favorite stars. I’ve always wanted to make one for Audrey Hepburn. This week I found the time and reason to do it. So here it is, “The Whole Career: Audrey Hepburn”. Let’s only hope I don’t wait 15 years to make another of these videos!

This is my contribution to the Audrey Hepburn blogathon, hosted by Maddy at Classic Film and TV Corner