12 filmes mudos que valem a pena ver

 

12 silents worth checking out 

Um dia especial se avizinha: o Dia do Cinema Mudo em 29 de setembro! Quer você seja um fã veterano do cinema mudo ou um novato nesta arte incrível, vou recomendar 12 filmes mudos que valem a pena ver!

There is a special date arriving: Silent Movie Day on September 29th! Whether you’re a seasoned Silent Film fan or a newcomer to this amazing art, I’ll recommend 12 silent movies worth checking out!

And the Villain Still Pursued Her or The Author’s Dream (1906)

O Primeiro Cinema pode ser fascinante e às vezes muito louco. Em sete minutos, este filme tem paquera, duelo e o ato de serrar uma cabeça para remover uma bala. Há uma perseguição e o clímax é num balão de ar quente com ótimos efeitos especiais. São coisas que é preciso ver para crer!  

And the Villain Still Pursued Her or The Author’s Dream (1906)

Early cinema can be fascinating and often very crazy. In seven minutes, there is flirting, dueling and sewing a head to remove a bullet. There is a chase and the climax is at a hot air balloon with great special effects. Things that definitely need to be seen to be believed!

Amor Pedestre (1914)

Este curta do comediante e diretor Marcel Perez é único, e por causa disso muito precioso. Focalizando apenas nos pés dos atores, ele conta uma história de amor, completa com paixão, paquera e ciúmes. Tem apenas seis minutos de duração que podem não mudar sua vida, mas que mostram que o cinema mudo pode ser tão surpreendente e divertido quanto os filmes modernos. 

Amor Pedestre (1914)

This short film by the comedian and director Marcel Perez is unique, and for this very precious. Focusing only on the feet of the actors, it tells a whole love story, complete with passion, flirting and jealousy. Its only six minutes might not change your life, but they show that silent cinema can be as surprising and fun as modern movies.

O Pássaro Azul (1918)

Um dos filmes mais visualmente impactantes que já vi. É uma adaptação da obra do filósofo e Prêmio Nobel de Literatura Maurice Maeterlinck. É sobre o sentido da vida, tantas vezes buscado e já muito filmado. Foi feito pelo diretor esquecido Maurice Tourneur e fotografado por Jon van der Broek, que faleceu pouco depois de fazer este filme e, pelo trabalho que fez aqui, pode ser considerado uma perda trágica. É um filme sobre perda, mas sobretudo sobre felicidade. 

The Blue Bird (1918)

One of the most visually stunning movies I’ve ever seen. It’s an adaptation of the work by philosopher and Literature Nobel Prize winner Maurice Maeterlinck. It’s about the meaning of life, so often searched out there and already many times filmed. It was made by forgotten director Maurice Tourneur and photographed by Jon van der Broek, who died soon after making this movie and, by the work he did here, it could be considered a tragic loss. It’s a movie about loss, but mainly about happiness.

Amazonas, o Maior Rio do Mundo (1918)

Perdido por mais de um século, este filme brasileiro redescoberto num arquivo em Praga é todo sobre o Rio Amazonas. Assim como muitos documentários clássicos, é uma janela para o passado e nos oferece um vislumbre das cidades cortadas pelo rio, e também de todo o comércio e atividade extrativista possibilitados pelo rio. Se ainda não caiu a ficha, vale mencionar: “Amazonas…” é o mais antigo documentário de longa-metragem! Curiosidade: o filme sobreviveu porque um exibidor viajou pela Europa dizendo que ele havia feito o filme, mas o crédito é do português Silvino Santos!

Amazonas, o Maior Rio do Mundo (1918)

Lost for over a century, this Brazilian film rediscovered in an archive in Prague is all about the Amazon river. Like most classic documentaries, it’s a window to the past and offers us a glimpse of the cities near the river as well as all the commerce and extractive activity made possible by the river. If it didn’t ring a bell, it’s worth mentioning: “Amazonas…” is the first ever documentary feature! Fun fact: the film survived because an exhibitor toured Europe claiming he made the film, but the credit belongs to Portuguese filmmaker Silvino Santos!

La Tempesta in un Cranio (1921)

Este filme louco tem um significado especial para mim: escrevendo sobre ele, ganhei o Prêmio Russell Merritt no Festival de Cinema Mudo de Pordenone. Além de ser intrigante, é muito divertido. Quando um grupo de amigos decide convencer um homem de que ele não é louco, muitas loucuras acontecem, e o diretor e protagonista Carlo Campogalliani brilha e nos mostra por que já foi um dia tão popular quanto Douglas Fairbanks, com quem seu estilo de comédia pode ser comparado.

La Tempesta in un Cranio (1921)

This mad movie has a special meaning for me: writing about it, I won the Russell Merritt Prize at the Pordenone Silent Film Festival. Besides being intriguing, it’s also a laugh riot. When a group of friends decide to convince a man that he isn’t insane, many crazy things happen, and the director and lead actor Carlo Campogalliani shines and shows why one day he was as popular as Douglas Fairbanks, with whom his comedy style can be compared.

O Sinal Alto (1921)

Por muitos anos eu diria que meu curta favorito de Buster Keaton era “Uma Semana”, que também é engraçado, mas assisti a “O Sinal Alto” e o considerei ainda mais divertido. Buster consegue um trabalho honesto numa galeria de tiro num parque de diversões, e com ele vem um trabalho sujo de matar um homem de negócios. Este foi o primeiro curta feito por Keaton, mas não o primeiro a estrear, e seu título se refere ao código usado pela gangue pra reconhecer seus membros.

The High Sign (1921)

For many years I’d say that my favorite Buster Keaton short was “One Week”, which is also fun, but I watched “The High Sign” and found it even funnier. Buster gets an honest job in a shooting gallery at an amusement park, and a riskier task of killing a businessman. The first short made by Keaton, but not the first released, its title refers to the code the gang used to recognize members.

Fool’s Paradise (1921)

Nos últimos anos vi alguns e fiquei muito fã dos filmes mudos de DeMille. Estes espetáculos estrondosos são alguns dos maiores esforços visuais feitos na era muda. Vi “Fool’s Paradise” como parte do Festival de Cinema Mudo de Pordenone em 2021 e foi o melhor filme do festival para mim. Há confusão de identidade, tragédia, um triângulo amoroso e uma sequência de tirar o fôlego no exótico Sião.   

Fool’s Paradise (1921)

In the past few years I’ve seen more and became a huge fan of DeMille’s silent films. These lavish spectacles are some of the finest visual efforts made in the silent era. I saw “Fool’s Paradise” as part of the Pordenone Silent Film Festival in 2021 and it was the highlight of that festival for me. There are mistaken identities, tragedy, a love triangle and a breathtaking sequence in exotic Siam.

Mighty Like a Moose (1926)

Este curta é simplesmente hilário! Fui apresentada a ele durante a Silent Comedy Watch Party, que me manteve mais ou menos sã durante a pandemia - obrigada, Ben e Steve! No curta, marido e mulher passam por modificações - uma cirurgia plástica e um implante dentário - e, sem reconhecerem um ao outro, começam a flertar e pensam estar cometendo uma traição! Os protagonistas, Charley Chase e Vivien Oakland, estão perfeitos e o curta foi dirigido por Leo McCarey!  

Mighty Like a Moose (1926)

This short is simply hilarious! I was introduced to it during the Silent Comedy Watch Party, which kept me more or less sane during the pandemic - thanks, Ben and Steve! In the short, husband and wife go through changes - a plastic surgery and new teeth - and, not recognizing each other, they start flirting and think they’re cheating! The leads, Charley Chase and Vivien Oakland, are perfect and the short was directed by Leo McCarey!

Early to Bed (1928)

Um curta d’O Gordo e o Magro que é um pouco diferente. Stan Laurel e Oliver Hardy não são amigos aqui: Ollie herda uma fortuna e contrata Stan como seu mordomo. Ao chegar tarde uma noite, Ollie tenta pregar uma peça em Stan, mas ele submete seu empregador a todo tipo de dificuldade e o clímax é numa fonte. MUITA. DIVERSÃO.

Early to Bed (1928)

A Laurel and Hardy short that plays differently. Stan and Ollie aren’t friends here: Ollie inherits a fortune and hires Stan as his butler. Arriving late at night, Ollie tries to prank Stan, but he submits his employer to all sorts of difficult situations and the climax is at a fountain. SO. MUCH. FUN.

Suzy Saxophone (1928)

Mais uma descoberta de Pordenone, esta me mostra que a maioria das escolhas desta lista são comédias e não dá para errar com uma comédia muda. Este filme alemão traz Anny Ondra - que faria “Chantagem e Confissão” de Hitchcock um ano depois - como uma moça que engana os pais para ser dançarina. É divertido e cheio da energia da Era do Jazz. 

Suzy Saxophone (1928)

Yet another Pordenone discovery, this shows me that most choices in this list are comedies and you can’t go wrong with a silent comedy. This German film brings Anny Ondra - who would make Hitchcock’s “Blackmail” one year later - as a girl tricking her parents to be a dancer. It’s funny and it’s full of the energy of the jazz age.

O Artista (2011)

Não revisito este filme mudo moderno há um tempo, mas me lembro de como me senti ao ver UM FILME MUDO na tela grande. “O Artista” é um tributo àqueles dias há muito passados, tanto que Jean Dujardin agradeceu a Douglas Fairbanks em seu discurso ao receber o Oscar de Melhor Ator. O filme é sobre um grande astro do cinema mudo conforme o som chega a Hollywood, ameaçando sua carreira. Ao contrário do que alguns imaginaram, este filme não inaugurou uma nova leva de filmes mudos nos cinemas, infelizmente.

The Artist (2011)

I haven’t revisited this modern silent for a while, but I still remember how it felt to watch an ACTUAL SILENT MOVIE on the big screen. “The Artist” is a tribute to those days long gone, so much that Jean Dujardin thanked Douglas Fairbanks in his Best Actor Oscar acceptance speech. The movie follows a huge silent film star as sound comes to Hollywood, threatening his entire career. Contrary to what some people thought, this film didn’t inaugurate a new era of silent films hitting theaters, unfortunately.

Blancanieves (2012)

Considero este ainda melhor que “O Artista” mas ele chegou a poucas pessoas. Uma nova versão da Branca de Neve, mas a Branca de Neve é uma toureira! Podia ficar melhor? E fica: os sete anões TAMBÉM são toureiros! O diretor Pablo Berger imaginou “Blancanieves” como uma carta de amor ao cinema mudo europeu, especialmente seu ídolo Abel Gance. E desde então Berger fez outro grande filme mudo: a animação “Meu Amigo Robô” de 2023, que também vale a pena ver.

Blancanieves (2012)

I considered this one even better than “The Artist” and it flew under the radar of so many. A retelling of the Snow White fairy tale, but Snow White is a bullfighter. Could it get any better? And it does: The dwarfs are ALSO bullfighters! Director Pablo Berger imagined “Blancanieves” as a love letter to European silent cinema, especially his idol Abel Gance. And since then Berger made another great silent film: the animation “Robot Dreams” from 2023, also worth checking out.

Um Gosto de Mel (1961) / A Taste of Honey (1961)

 

Quando falamos de “New Wave”, a maioria dos cinéfilos pensa instantaneamente na Nouvelle Vague francesa e seu duo sagrado Truffaut e Godard. Mas houve outras “ondas novas” em outros países, depois da experiência francesa. Na Inglaterra, entre 1959 e 1963, filmes foram feitos com um realismo cortante, geralmente filmados em locação e focando na vida das classes trabalhadoras. Um dos exemplos deste movimento é “Um Gosto de Mel” de 1961.

When we say New Wave, most cinephiles think instantly of the French New Wave and their sacred duo Truffaut and Godard. But there were other New Waves in other countries, after the French experience. In England, from 1959 to 1963, movies were made with a pinching realism, usually shot on location and focused on the working class. One such example of this movement is “A Taste of Honey” from 1961. 

Jo (Rita Tushingham) é uma jovem perdida. Ela não é boa em esportes. Ela não presta atenção na escola. Ela vai de um quarto alugado para o outro com sua mãe Helen (Dora Bryan), sem pagar o aluguel. Na última mudança ela recebeu ajuda de um homem bondoso, o marinheiro negro Jimmy (Paul Danquah), que carregou suas malas. Quando Helen escolhe o novo namorado Peter (Robert Stephens) em vez de Jo, a garota encontra refúgio na companhia de Jimmy, que ela reencontrou por acaso.

Jo (Rita Tushingham) is a lost youngster. She isn’t good at sports. She doesn’t pay attention at school. She goes from one rented room to the other with her mother Helen (Dora Bryan), without paying rent. In her last moving in and out she is helped by a kind man, the black sailor Jimmy (Paul Danquah), who carried her luggage. When Helen chooses her new boyfriend Peter (Robert Stephens) instead of Jo, the girl finds solace in the companion of Jimmy, who she met again by chance.

Quando Jo começa a experimentar uma nova liberdade e Jimmy embarca no navio, a garota fica próxima de um cliente, Geoff (Murray Melvin), da sapataria onde ela começa a trabalhar Jo e Geoff desenvolvem uma relação platônica como amigos e confidentes.

As Jo experiences a brand new freedom and Jimmy sails away, the girl becomes close to a customer, Geoff (Murray Melvin), from the shoe store she starts working at. Jo and Geoff develop a platonic relationship as friends and confidants.

Quando Jo pergunta a Jimmy se os pais deles vieram da África, ele responde: “não, de Liverpool”. A indústria cinematográfica britânica nunca teve algo parecido com o nefário Código Hays de Hollywood, que proibia mostrar casais interraciais nos filmes. Mesmo assim, o preconceito era geral e o jovem casal interracial no filme foi um choque. Lembre-se: estamos ainda seis anos antes de “Adivinhe quem vem para jantar” (1967).

When Jo asks Jimmy if his parents came from Africa, he answers: “no, from Liverpool”. The British film industry never had something like the nefarious Hays Code from Hollywood, that prohibited interracial couples on screen. Nevertheless, prejudice was widespread and the interracial young couple in the film was a shock. Remember: we’re still six years away from “Guess who’s coming to dinner” (1967).

Geoff é claramente homossexual. Ele ama Jo e propõe se casar com ela, mas o amor é fraternal, nada além disso. Homossexuais existem desde o começo dos tempos e personagens homossexuais desde o começo do cinema: basta olhar para o não tão representativo “Algie the Miner” de 1912 e o incrivelmente mente aberta “Diferente dos Outros” de 1919. Também proibida pelo Código Hays, a homossexualidade era outro tema considerado tabu. 

Geoff is clearly a homosexual. He loves Jo and asks her to marry him, but that love is fraternal, nothing else. Gay people have existed since the dawn of times and gay characters since the dawn of cinema: just take a look at the not-so-representative “Algie the Miner” from 1912 and the incredibly open-minded “Different from the Others” from 1919. Also prohibited by the Hays Code, homosexuality was once again a taboo theme at the time. 

Por que o divórcio não era tão comum no passado? Porque as mulheres não tinham independência financeira. Vemos isso aqui com Helen. Ela escolhe Peter por amor, mas mais tarde, quando ela tenta ajudar Jo com dinheiro, ela leva bronca de Peter e ele lhe dá um ultimato: é ele, com todo o dinheiro deles, ou Jo sem nada.

Why wasn’t divorce so prevalent in the past? Because women didn’t have financial independence. We see it here with Helen. She chooses Peter for love, but later, as she tries to help Jo with money, she’s censored by Peter and he gives an ultimatum: it’s him, with all their money, or Jo with no money. 

Rita Tushingham recebe um crédito de “introduzindo”. Por seu trabalho em “Um Gosto de Mel”, ela ganhou o prêmio de Melhor Atriz em Cannes - Murray Melvin ganhou como Melhor Ator - e o de Mais Promissora tanto no Globo de Ouro quanto no Bafta. Ela esteve também em “Doutor Jivago” (1965) e mais recentemente em “Noite Passada em Soho” (2020). Sobre este filme ter sido banido em diversos países, ela refletiu: “Muito da reação era ‘pessoas assim não existem’ - quer dizer homossexuais, mães solo e pessoas em relações interraciais. Mas elas existiam”. 

Rita Tushingham receives an “introducing” credit. For her work in “A Taste of Honey” she won the Best Actress award at Cannes - Murray Melvin won Best Actor - and the Most Promising award at both the Golden Globes and the Baftas. She appeared also in “Doctor Zhivago” (1965) and most recently in “Last Night in Soho” (2020). About this film being banned in several countries, she reflected: “"a lot of the reaction was 'People like that don't exist' – by which they meant homosexuals, single mothers and people in mixed-race relationships. But they did." 

O roteirista, produtor e diretor de “Um Gosto de Mel”, Tony Richardson foi um dos grandes da New Wave britânica. Ele escreveu este filme junto à dramaturga Shelagh Delaney, que tinha apenas 18 anos quando escreveu a peça. Tony Richardson teve sucesso no teatro e no cinema, e o ápice de sua carreira foi dirigir e ganhar o Oscar por “Tom Jones” em 1963. 

Screenwriter, producer and director of “A Taste of Honey”, Tony Richardson was one of the greats of the British New Wave. He wrote this film alongside playwright Shelagh Delaney, who was only 18 when she wrote the theater play. Tony Richardson found success in theater and film, and the climax of his career was directing and winning an Oscar for “Tom Jones” in 1963.

Em 1999, “Um Gosto de Mel” foi eleito o 56º no ranking do British Film Institute de 100 melhores filmes britânicos do século. Ousado e emocionante, o filme é enriquecido por ótimos diálogos como: “por que você não aprende com meus erros? Leva-se uma vida inteira para aprender com os seus próprios” e “nós não pedimos pela vida, ela nos é imposta”.

In 1999, “A Taste of Honey” ranked 56th at the British Film Institute’s rank of the best 100 British films of the century. Bold and engaging, the film is enriched by great dialogue such as: “Why don’t you learn from my mistakes? It takes a lifetime to learn from your own” and “we don’t ask for life, we have it thrust upon us”.

This is my contribution to the 13th Annual Rule, Britannia blogathon, hosted by Terence at A Shroud of Thoughts.

Ser ou Não Ser (1942) / To Be or Not to Be (1942)

 Ser ou não ser: eis a questão. A frase de Shakespeare conhecida até mesmo por quem não sabe quem foi Shakespeare. Naquele que seria o último filme de Carole Lombard, a frase é um código para um encontro furtivo entre amantes. Nas habilidosas mãos de Ernst Lubitsch, aqui como diretor e produtor, a frase também funciona como o título de uma comédia de humor negro essencial dentro da História do cinema.

To be or not to be: that’s the question. The Shakespearean line known even by those who don’t know who Shakespeare was. In what was Carole Lombard’s last film, the line is a code for a furtive encounter between lovers. In the skillful hands of Ernst Lubitsch, here as both director and producer, the line also works as the title of a quintessential black comedy.

Damos a primeira risada quando Bronski (Tom Dugan), vestido como Hitler, faz a saudação nazista e diz “Heil, eu”. Tudo o que havíamos presenciado até então não é nada além de uma peça encenada pela companhia do Sr Dobosh (Charles Halton). É agosto de 1939 na Polônia e a peça “Gestapo” não pode estrear porque pode desagradar a Hitler. Eles então reencenam Hamlet.

The first laugh is upon us when Bronski (Tom Dugan), dressed as Hitler, does the Nazi salute and says “Heil, me”. All we had been witnessing is nothing but a play staged by the company that belongs to Mr Dobosh (Charles Halton). It’s August 1939 in Poland and their play “Gestapo” can’t open because it may upset Hitler. They go on to stage Hamlet once again.

As principais estrelas da companhia são Joseph Tura (Jack Benny) e sua esposa Maria (Carole Lombard). Maria recebe a visita de um piloto, Stanislav Sobinski (Robert Stack), sempre que seu marido está no meio do famoso solilóquio “ser ou não ser”. E então a guerra é declarada. 

The company’s main stars are Joseph Tura (Jack Benny) and his wife Maria (Carole Lombard). Maria receives the visit of a pilot, Stanislav Sobinski (Robert Stack), always when her husband is in the middle of the “to be or not to be” soliloquy. War is then declared.

Stanislav vai para a Inglaterra para se juntar à Real Força Aérea britânica. Lá ele se aproxima de um professor chamado Siletsky (Stanley Ridges), que diz ser polonês. Mas ele nunca ouviu falar de Maria Tura, o que acende um sinal de alerta na mente de Stanislav. Siletsky vai para Varsóvia e Stanislav o segue, temendo que ele possa ser um agente alemão levando informações secretas para a Gestapo. Stanislav envolve Joseph e Maria no jogo de espionagem.

Stanislav goes to England to join the Royal Air Force, the RAF. There he befriends a professor named Siletsky (Stanley Ridges) who claims to be Polish. But he had never heard of Maria Tura, which is a red flag according to Stanislav. Siletsky goes to Warsaw and Stanislav follows him, fearing he could be a German agent bringing top secret information to the Gestapo. Stanislav then involves Maria and Joseph in the espionage game.

Durante a guerra, entregar uma mensagem podia ser uma missão complexa. Você tinha que falar através de códigos que só as pessoas certas sabiam. Você tinha que carregar fotos em lugares incomuns. Você tinha que esconder as evidências. Você não podia se comunicar rapidamente pelo telefone ou por mensagens de texto. Mas você também não conhecia o rosto das pessoas, o que permite, por exemplo, que Joseph finja ser o coronel Ehrhardt para econtrar Siletsky.  

During the war, delivering a message could be a tricky task. You had to speak using codes that only the right people knew. You had to take photos in the most unusual places. You had to hide evidence. You couldn’t communicate quickly through the phone or text message. But you also didn’t know the face of the person you had to meet, which allows, for instance, Joseph to pose as colonel Ehrhardt for Siletsky.

Jack Benny é mais conhecido por seu trabalho no rádio e na televisão. Ele foi a primeira e única opção para interpretar Joseph Tura, pois Lubitsch escreveu o personagem com o ator em mente. Isso levou Benny a aceitar o papel de imediato. Entretanto, para a protagonista feminina a primeira opção foi Miriam Hopkins, mas ela e Jack Benny não se deram bem e Carole Lombard foi escalada. 

Jack Benny is better known for his radio and television work. He was the first and only option to play Joseph Tura, as Lubitsch wrote the character with the actor in mind. This led to Benny accepting the role immediately. However, for the female lead the first option was Miriam Hopkins, but she and Jack Benny didn’t get along, so Carole Lombard was cast instead.

A única indicação para o Oscar que este filme teve foi na categoria Melhor Música. A trilha sonora deveria ter sido composta por Miklós Rózsa, mas ele não concordou com uma sátira ao regime Nazista e recusou o trabalho. Rózsa era húngaro, assim como o produtor Alexander Korda, e foi substituído pelo judeu alemão Werner Heymann, que já havia trabalhado com Lubitsch anteriormente. Curiosidade: naquele ano, 18 filmes foram indicados ao Oscar de Melhor Música! 

The only nomination for the Oscar for this film came for Best Music. The soundtrack was supposed to have been composed by Miklós Rózsa, but he didn’t agree with a satirization of the Nazi regime and refused the job. Rózsa was Hungarian, as was the producer Alexander Korda, and was replaced by Jewish and German Werner Heymann, who had worked with Lubitsch previously. Curious tidbit: that year, 18 films were nominated for the Best Music Oscar! 

O filme estreou logo depois de os EUA entrarem na guerra. Carole Lombard, podemos dizer, foi vítima da guerra, pois faleceu num acidente de avião numa campanha de bônus de guerra dias depois de terminar de rodar “Ser ou Não Ser”.  

The movie premiered right after the USA entered the war. Carole Lombard, we could say, was a victim of the war, as she died in a plane crash while promoting war bonds days after she finished shooting “To Be or Not to Be”.

Anos antes de assistir a este filme, assisti ao remake de 1983 com Mel Brooks. Lembro que era um filme divertido, mas nem tanto quanto o original, e também tinha menos senso de urgência que o filme de Lubitsch. Fazer piada com os nazistas em 1983 era anacrônico, fazer piada com os nazistas em 1942 e hoje é catártico. Se toda catarse fosse como este filme hilário, o mundo seria um fardo bem mais leve de carregar.  

Years before I watched this film, I watched the 1983 remake with Mel Brooks. I remember it being funny, but not as much as the original, and also lacking the sense of urgency the Lubitsch film has. Making fun of Nazis in the 1980s was anachronistic, making fun of Nazis in the 1940s and nowadays is a catharsis. If all catharsis could play like this hilarious film, the world would be a lighter burden for us to carry.

Dois filmes mudos no Stummfilmtage Bonn 2026

 

Two silents at the Stummfilmtage Bonn 2026

Alguns dias atrás percebi que algumas pessoas que eu seguia no Letterboxd haviam logado alguns filmes mudos dos quais eu nunca havia ouvido falar. Em seus comentários, eu encontrei o link para o Stummfilmtage Bonn 2026 - que em alemão é o mesmíssimo título da Giornate del Cinema Muto é em italiano: Dias de Cinema Mudo. Além da versão presencial na Alemanha, eles tinham uma programação online grátis! Eu cheguei bem no fim da festa, mas pude assistir a três filmes mudos intrigantes. O primeiro, “Béhula” (1921), será analisado mais profundamente no meu blog Lost and Found films, por isso vamos focar nos outros dois filmes. 

A few days ago I noticed that some people I followed on Letterboxd had logged some silent films I had never heard of. In their reviews, I found the link to the Stummfilmtage Bonn 2026 - which in German is the very same as is the title for Le Giornate del Cinema Muto in Italian: Days of Silent Cinema. Besides its onsite version in Germany, they provided an online program that was free! I arrived pretty late for the party, but I could watch three intriguing silents. The first, “Béhula” (1921), will be analyzed deeper on my blog Lost and Found Films, so let’s dive into the other two movies.

Ambos tinham referências bíblicas em seus títulos e ambos não puderam ser exibidos no evento presencial por causa do mau tempo. Um deles tinha uma trilha pré-gravada, enquanto o outro foi exibido totalmente silencioso. Um veio de Hollywood, o outro da Tchecoslováquia.

Both had biblical references in their titles and both couldn’t be screened at the onsite event due to bad weather. One had a soundtrack pre-recorded, while the other was screened totally silent. One came from Hollywood, the other from Czechoslovakia.

Em “The Garden of Eden” (1928), somos apresentados a Toni (Corinne Griffith), uma garota de Viena que quer ser cantora de ópera. Ela recebe uma carta de Budapeste convidando-a para cantar no Palácio de Paris; uma carta assinada por M. Bauer. Chegando lá, ela descobre que Bauer (Maude George) é uma mulher que administra um show de mau gosto. Ela aceita cantar mesmo assim, mas é humilhada em seu primeiro número, o que a leva a ser despedida junto à costureira do local, Rosa (Louise Dresser), que defendeu a menina.  

In “The Garden of Eden” (1928), we’re introduced to Toni (Corinne Griffith), a girl from Vienna who wants to be an opera singer. She receives a letter from Budapest inviting her to sing at the Palais de Paris; a letter signed by M. Bauer. Arriving there, she finds out that Bauer (Maude George) is a woman who manages a show house of poor taste. She accepts to sing anyway, but is humiliated in her first number, which leads to her firing alongside the house seamstress Rosa (Louise Dresser), who defended her.

Rosa é na verdade uma Baronesa e, amadrinhando Toni, a leva para Monte Carlo no Hotel Eden para viver com pompa e circunstância duas semanas patrocinadas pela pensão de viúva de guerra. Lá, elas conhecem o Coronel Dupont (Edward Martindel) e seu sobrinho Richard (Charles Ray), e ambos se apaixonam por Toni, ou melhor, a Baronesa Antoinette. 

Rosa is actually a Baroness and, taking Toni under her wing, takes her to Monte Carlo to Hotel Eden to live lavishly two weeks from her war widow pension. There, they meet the Colonel Dupont (Edward Martindel) and his nephew Richard (Charles Ray), and both fall for Toni, or better, Baroness Antoinette.

Em “Adam and Eva” (1922), somos apresentados aos gêmeos chamados Adam e Eva, ambos interpretados por Suzanne Marwille. Ela é sapeca, sempre pregando peças nos outros, especialmente no irmão. Quando ambos têm dezesseis anos, Adam decide ensinar uma lição para Eva e se veste como ela para seduzir o vizinho. Eva então se veste de Adam para se vingar da vingança dele. 

In “Adam and Eva” (1922), we’re introduced to twins named Adam and Eva, both played by Suzanne Marwille. She is the mischievous one, always pranking other people and especially her brother. When they’re sixteen, Adam decides to teach Eva a lesson and dresses like her to seduce a neighbor. Eva then dresses as Adam to take revenge on his revenge.

Somos informados por uma cartela de texto que “The Garden of Eden” tinha uma sequência de sonho em Technicolor no primeiro rolo que atualmente está perdida. “Adam e Eva” termina de maneira abrupta, o que nos leva a imaginar se não tem nada faltando. Esses detalhes, entretanto, não impactaram as sessões, e agora eu sei que há outro maravilhoso festival de cinema mudo para nós amantes dessa arte.

We are informed by a title card that “The Garden of Eden” had a Technicolor dream sequence in the first reel that’s currently lost. “Adam and Eva” ends abruptly and lets us imagine if there isn’t anything missing. These things, however, didn’t make the viewing experience any worse, and now I know that there is another wonderful silent film festival for us lovers of this art.

O Rolls-Royce Amarelo (1964) / The Yellow Rolls-Royce (1964)

 

ESTA CRÍTICA TEM SPOILERS 

THIS ARTICLE HAS SPOILERS 

Quem só assiste a filmes clássicos geralmente diz que não se fazem filmes como antigamente. Eu discordo, mas algumas coisas são de fato diferentes. Por exemplo: não temos mais tantos filmes cheios de estrelas como já tivemos. Filmes como “O Rolls-Royce Amarelo”, de 1964, no qual cada nome que aparece nos créditos nos surpreende e nos deixa intrigados sobre possíveis interações entre essas estrelas das telas - estrelas que com certeza não são como antigamente!

Those who only watch classic movies usually say that we don’t make movies like in the past. I disagree, but some things are indeed different. For example: we don’t have so many all-star movies like we did. Movies like “The Yellow Rolls-Royce”, from 1964, in which each name appearing in the credits makes us gasp and become intrigued about possible interactions between stars of the screen - those are stars that we certainly don’t have today!

Charles (Rex Harrison) compra um Rolls-Royce amarelo de presente para sua esposa Eloise (Jeanne Moreau) na ocasião de seu décimo aniversário de casamento. Infelizmente Eloise está tendo um caso com um homem mais jovem e decide se encontrar com o amante dentro do Rolls-Royce amarelo enquanto o marido está ocupado assistindo a uma corrida de cavalos. Charles, entretanto, é informado do que está acontecendo e pega os dois amantes dentro do carro. Sem a possibilidade de divórcio, ele e Eloise precisam superar o episódio, mas Charles é categórico: o Rolls-Royce amarelo precisa ser devolvido para o vendedor.

Charles (Rex Harrison) buys a yellow Rolls-Royce as a gift to his wife Eloise (Jeanne Moreau) on behalf of their 10th anniversary. Too bad Eloise is having an affair with a younger man and decides to have a rendez-vous with her lover inside the yellow Rolls-Royce while her husband is busy watching a horse race. Charles, however, is informed of what is happening and catches the two lovers inside the car. Without the possibility of divorce, he and Eloise must get over this episode, but Charles is adamant: the yellow Rolls-Royce has to be returned to the seller.

Em Gênova, Itália, o Rolls-Royce é comprado pelo Signore Paolo Maltese (George C. Scott) como presente para sua namorada Mae Jenkins (Shirley MacLaine). Eles vão para Pisa, mas ela não gosta dos monumentos, e lá conhecem o fotógrafo Stefano (Alain Delon), que seduz Mae. Eles consumam o amor dentro do Rolls-Royce - mas também não têm um final feliz.

In Genoa, Italy, the Rolls-Royce is bought by Signore Paolo Maltese (George C. Scott) as a gift to his girl Mae Jenkins (Shirley MacLaine). They go to Pisa, but she dislikes the monuments, and there they meet the photographer Stefano (Alain Delon), who seduces Mae. They consummate their love inside the Rolls-Royce - but theirs is not a happy ending.

Trieste, 1941. Um Rolls-Royce vintage é comprado por Gerda (Ingrid Bergman). Um jovem iugoslavo, Davich (Omar Sharif), pega uma carona no carro e até se esconde no porta-malas para cruzar a fronteira. Quando a guerra é declarada, Gerda demonstra bravura ao conduzir pessoas para o hospital e ajudar os locais. Haverá centelhas de amor também, mas elas vão durar? 

Trieste, 1941. A vintage Rolls-Royce is bought by Gerda (Ingrid Bergman). A Yugoslavian young man, Davich (Omar Sharif), gets a lift on the car and even hides in the back to cross the border. As war is declared, Gerda shows her bravery by driving people to hospitals and helping the locals. There will be love sparkles as well, but will it last?

“O Rolls-Royce Amarelo” foi levemente baseado no filme alemão de 1947 “In jenen Tagen”, no qual sete episódios seguem os donos de um mesmo carro entre 1933 e 1947. O filme da MGM foi escrito por Terence Rattigan, produzido por Anatole de Grunwald e dirigido por Anthony Asquith - na realidade, foi o último filme dirigido por Asquith. O trio queria repetir o sucesso de sua produção anterior, “Gente Muito Importante” (1963). 

“The Yellow Rolls-Royce” was loosely based on the 1947 German film “In Those Days” (In jenen Tagen), in which seven episodes follow the owners of a single car between 1933 and 1947. The MGM film was written by Terence Rattigan, produced by Anatole de Grunwald and directed by Anthony Asquith - actually, it was Asquith’s last film. The trio wanted to repeat the success of their previous effort “The V.I.P.s” (1963).

Na sequência do clube italiano, bem no meio do filme, somos apresentados a uma cantora entoando a canção “Forget Domani”, sendo que Domani significa Amanhã em italiano. A canção foi composta pelo prolífico compositor Riz Ortolani, cuja carreira durou cinco décadas em mais de 200 filmes. “Forget Domani” ganhou o prêmio de Melhor Canção Original no Globo de Ouro.

In the Italian nightclub sequence, right in the middle of the movie, we’re presented with a singer singing the tune “Forget Domani”, Domani meaning Tomorrow in Italian. The song was composed by prolific composer Riz Ortolani, whose career spanned five decades and over 200 movies. “Forget Domani” won the Best Original Song award at the Golden Globes. 

“O Rolls-Royce Amarelo” pertence a um sub-gênero único: o filme de antologia ou “composite film”. Nele, diversas histórias são contadas com um elemento que as une; aqui, o Rolls-Royce é a ligação. Outro exemplo é “Seis Destinos” (1942), no qual um terno une as histórias. Em 1965, o Rolls-Royce ganhou seu status de estrela ao ser feito o curta documentário “The Car that Became a Star”.

“The Yellow Rolls-Royce” belongs to a unique sub-genre: the anthology movie or “composite film”. In it, several stories are told with an element tying them together; here, the Rolls-Royce is the liaison. Another example is “Tales of Manhattan” (1942), in which a suit ties the stories together. In 1965, the Rolls-Royce got its own starring featurette, a short documentary called “The Car that Became a Star”.

É curioso perceber que cada estrela teve seu figurino feito por um estilista diferente. Shirley MacLaine veste figurinos de Edith Head, enquanto Ingrid Bergman foi vestida por Antonio Castillo, e George C. Scott, o gângster elegante, foi vestido por Gene Coffin. A mesma coisa aconteceu com os cabeleireiros: cada estrela ficou com um! MacLaine ficou com Sydney Guilaroff e Bergman, com Giorgio. 

It was curious to notice that each star was dressed by a different stylist. Shirley MacLaine got the Edith Head treatment, while Ingrid Bergman was dressed by Antonio Castillo, and George C. Scott, as the dapper gangster, was dressed by Gene Coffin. The same happened to hairdressers: each star had their own! MacLaine got Sydney Guilaroff and Bergman, Giorgio.

“O Rolls-Royce Amarelo” foi filmado em Panavision e Metrocolor. Panavision é uma companhia fundada em 1954 para fabricar câmeras, lentes e outros equipamentos de cinema para alugar. Metrocolor foi o nome usado pela MGM para batizar o processo aplicado aos filmes Eastmancolor da Kodak nos próprios laboratórios da MGM. 

“The Yellow Rolls-Royce” was shot in Panavision and Metrocolor. Panavision is a company founded in 1954 to fabricate cameras, lenses and other film equipment for rental. Metrocolor was the name used by MGM to christen their process applied to Kodak Eastmancolor films in MGM’s own laboratories.

Em “O Rolls-Royce Amarelo”, há uma menção a outro filme recheado de estrelas, “Jantar às Oito” de 1933, com um pôster num hotel anunciando a sessão. Entretanto, o filme de 1964 não atingiu o sucesso em bilheteria ou o status deste predecessor. Uma pena, deixe-me dizer: é uma bela meditação sobre riqueza e decepções amorosas. 

In “The Yellow Rolls-Royce”, there is a nod to another all-star movie, 1933’s “Dinner at Eight”, with a poster in a hotel advertising a screening. However, the 1964 film didn’t reach the box-office success nor the status of this predecessor. A shame, let me tell you: it’s a beautiful meditation on wealth and heartbreak.

This is my contribution to the 8th Ingrid Bergman blogathon, hosted by Virginie at The Wonderful World of Cinema.