A Família do Gênio (1952) / Belles on Their Toes (1952)

 

Um dos meus filmes favoritos que pode ser chamado de “tesouro escondido” é “Papai Batuta”, comédia de 1950. Apesar de ser divertido e adorável, tem momentos dramáticos e é um deles que torna o filme tão bom. Perto do final, ao receber más notícias por telefone, Lillian Moller Gilbreth (interpretada por Myrna Loy) diz tudo o que está sentindo somente com o olhar. Isto é, obviamente, prova do talento incrível e normalmente subestimado de Myrna Loy. Já que “Papai Batuta” é um dos meus filmes favoritos, eu me pergunto por que demorei tanto para ver a sequência, “A Família do Gênio”, de 1952.

 

One of my favorite films that can be called a “hidden gem” is the 1950 comedy “Cheaper by the Dozen”. Besides being funny and adorable, it has dramatic moments and it’s one of them that makes the film so good. Near the end, while receiving bad news on the telephone, Lillian Moller Gilbreth (played by Myrna Loy) says everything she’s feeling only with her eyes. This is, of course, proof of Myrna Loy’s incredible and often overlooked talent. Being “Cheaper by the Dozen” one of my favorite films, I wonder why it took me so long to watch the sequel, “Belles on Their Toes”, from 1952.

A história começa no tempo presente: é o dia da formatura de Jane, a mais nova dos Gilbreth. Sua família toda está lá para assistir à cerimônia, incluindo a mãe Lillian (Myrna Loy), que começa a relembrar o passado. Num flashback, somos transportados para os anos 1920, quando uma recém-viúva Lillian tem de tomar conta de doze filhos e ainda apresentar as palestras que seu marido havia sido convidado a apresentar antes de sua morte repentina.

The story begins in the present day: it’s graduation day for Jane, the youngest Gilbreth. Her whole family is there to watch the ceremony, including her mother Lillian (Myrna Loy), who starts remember the past. In flashback, we’re transported to the 1920s, when a recently widowed Lillian has to take care of twelve children and also give the speeches her husband had been asked to give before dying suddenly.

Quando Lillian está fora de casa e também quando está cuidando de assuntos administrativos – ela é uma engenheira à procura de trabalho, afinal – as crianças devem obedecer à irmã mais velha dos Gilbreth, Anne (Jeanne Crain). Estes são tempos difíceis para Anne, que teve de desistir da faculdade para cuidar de seus irmãos, porém há romance e muita diversão no horizonte para ela e os demais Gilbreths.

 

While Lillian is away and also when she’s taking care of administrative issues – she’s an engineer looking for a job, after all – the children must obey the older Gilbreth, Anne (Jeanne Crain). These are hard times for Anne, who had to drop out of college to take care of her siblings, but there is romance and lots of fun in the horizon for her and the other Gilbreths.

A subtrama que mais chamou minha atenção consiste em Lillian ser chamada para fazer um discurso no clube de engenheiros. Entretanto, quando eles descobrem que L.M. Gilbreth é uma mulher, eles cancelam o convite, porque mulheres não são permitidas no clube de engenheiros. Por causa disso, o senhor Harper (Edward Arnold), cujos empregados foram treinados por Lillian para se tornarem mais eficientes, promete torná-la conhecida no país inteiro. O resultado do esforço do senhor Harper é um newsreel – curta informativo que era exibido antes dos filmes – que mostra a família jantando, algo que o público do cinema acha muito engraçado, provocando o riso generalizado.  

The subplot that called my attention has Lillian asked to give a speech at the engineer’s club. However, when they find out that L.M. Gilbreth is a woman, they cancel the speech, because women aren’t allowed at the engineer’s club. Because of this, Mr Harper (Edward Arnold), whose employees were trained by Lillian for efficiency, vows to make her well-known in the whole country. The result of Mr Harper’s effort is a newsreel that shows the family at dinner, something the people in the theater find amusing, causing lots of laughter.

“A Família do Gênio” é baseado em um livro de 1950 escrito por dois dos filhos de Gilbreth, mas a história foi adaptada para as telas por Phoebe e Henry Ephron. Se você está se perguntando, a resposta é SIM: há uma conexão com a famosa roteirista e diretora Nora Ephron. Phoebe e Henry eram os pais de Nora. Eles conseguiram escrever um filme bem divertido. Uma das minhas partes favoritas é quando um rapaz é desclassificado de um concurso de dança pelo senhor Harper, que estava fingindo ser um dos juízes, e reclama sobre o fato, ao que o senhor Harper responde: “Você estava fazendo a versão sulista dos passos de dança. Isso não é permitido em Nova Jersey!”   

“Belles on Their Toes” was based on a 1950 book written by two of the Gilbreth kids, but the story was adapted to the screen by Phoebe and Henry Ephron. If you’re wondering, the answer is YES: there is a connection to famous screenwriter and director Nora Ephron. Phoebe and Henry were Nora’s parents. They manage to write a very funny movie. One of my favorite parts was when a young man is taken out of a dance contest by Mr Harper, who was posing as a judge, and complains about it, Mr Harper answers: “You we’re doing the Southern version of the steps. This is not allowed in New Jersey!”.

Enquanto “Papai Batuta” foi dirigido por Walter Lang, a sequência foi dirigida pelo menos famoso Henry Levin. Começando como ator de teatro no começo dos anos 1940, Levin foi contratado como diretor de diálogos pelos estúdios Columbia em meados da década. Ele dirigiu mais de 50 filmes em diversos estúdios. “A Família do Gênio” foi seu primeiro filme para a 20th Century Fox.

While “Cheaper by the Dozen” was directed by Walter Lang, the sequel was directed by the less famous Henry Levin. Starting as a stage actor in the early 1940s, Levin was hired as a dialogue director for Columbia Pictures by the middle of the decade. He went on to direct over 50 films in several studios. “Belles on Their Toes” was his first film for 20th Century Fox.

Jeanne Crain é uma das minhas atrizes subestimadas favoritas. Ela é competente tanto no drama quanto na comédia, e está muito charmosa neste filme, que pede dela somente isso: ser charmosa. Ela foi indicada ao Oscar por sua performance em “O que a Carne Herda” (1949) e teve como hobby a pintura, algo que eu explorei AQUI.

 

Jeanne Crain is one of my favorite underrated actresses. She’s competent in both drama and comedy, and is very charming in this movie, a movie that required only that from her: to be charming. She was nominated for an Oscar for her performance in “Pinky” (1949) and had painting as a hobby, something I explored HERE.

Nem tão bom quanto seu predecessor, mas bom entretenimento mesmo assim. “A Família do Gênio” não foi feito para ser uma obra-prima do cinema, mas diverte, é charmoso e nos faz rir. Pedir o que mais?

 

Not as good as its predecessor, but nice entertainment nonetheless. “Belles on Their Toes” wasn’t made to be a masterpiece of cinema, but it amuses, charms and makes us laugh. Who could ask of anything more?

 

This is my contribution to the Everything is Copy blogathon, honoring the Ephron family at the movies, hosted by Rebecca at Taking Up Room.

Disney’s Laugh-O-Grams

 Quando ele falava sobre seu Império, Walt Disney costumava dizer que “tudo começou com um camundongo”. Isto é mentira. Antes que Mickey Mouse aparecesse nas telas pela primeira vez em novembro de 1928, Walt Disney havia criado outro estúdio, o estúdio Laugh-O-Gram, em 1921, e fez onze curtas, que eram ou animações ou misturas de animação com live-action.

 

When talking about his Empire, Walt Disney used to say “It all started with a Mouse”. This is a lie. Before Mickey Mouse graced the screen for the first time in November 1928, Walt Disney had created another studio, the Laugh-O-Gram Studio, in 1921, and made eleven shorts, that were either animations or mixes of animation with live-action.

Localizado em Kansas City, Missouri, o estúdio Laugh-O-Gram foi fundado em 1921 e fechou as portas em 1923, quando Disney foi para Hollywood. Os curtas que Disney fez lá eram quase todos adaptações pouco fiéis de contos de fadas. Vamos olhar para estes curtas individualmente.

 

Located in Kansas City, Missouri, the Laugh-O-Gram Studio was founded in 1921 and closed in 1923, when Disney went to Hollywood. The short films Disney made there were almost all very loose adaptations of fairy tales. Let’s take an individualized look at them.

A primeiríssima animação que Disney fez foi “Newman Laugh-O-Grams”, uma série de desenhos a serem exibidos no Newman Theater, um negócio local. Primeiro vemos Disney em sua mesa e ele faz alguns desenhos, com a parte final sendo uma animação bem curtinha sobre uma delegacia de polícia. É relevante por ser o primeiro trabalho de Disney e eu fico feliz que ainda esteja disponível, mas não é nada extraordinário.

 

The very first animation Disney did was “Newman Laugh-O-Grams”, a series of cartoons to be exhibited at the local Newman Theater. We first see Disney on his desk and he goes on to do some drawings, with the last part being a very short animation about a police district. It’s relevant as Disney’s first work and I’m glad it’s still available, but it’s not extraordinary.

A seguir vem “Chapeuzinho Vermelho” (1922). O curta começa com um minuto de um gato usando uma arma para fazer buracos em rosquinhas. Depois de mais algumas estripulias felinas, somos apresentados à Chapeuzinho Vermelho, que vai entregar alguns donuts para a vovozinha. O vilão não é o lobo, mas um homem bem-vestido, e o herói não é um caçador, mas um menino com um avião. Chapeuzinho também tem a companhia de seu fiel cão aqui.  

 

Next up is “Little Red Riding Hood” (1922). It starts with one minute of a cat using a gun to make holes on donuts. After some more feline shenanigans, we’re introduced to Little Red Riding Hood, who will deliver some donuts to her grandma. The villain is not the wolf, but a well-dressed man, and the hero isn’t a hunter, but a boy with an airplane. Little Red also has the company of her faithful dog here.

Depois temos o que é descrito nos créditos principais como “uma versão modernizada do velho conto de fadas” “Os Quatro Músicos de Bremen” (1922). Os quatro músicos são um gato, um cão, um pássaro e um burro, e este curta é uma viagem. Há peixes que caminham e dançam, e também balas de canhão que atingem as paredes da casa onde estão nossos heróis e são catapultadas de volta.

 

Then we have what is described in the main title card as “A modernized version of that old fairy tale” “The Four Musicians of Bremen” (1922). The four musicians are a cat, a dog, a bird and a donkey, and this little film is a real trip. There are walking and dancing fish, as well as cannonballs that hit the walls of the house our heroes are in and bounce back.

Também de 1922 temos “Jack o Matador de Gigantes”. Acompanhado de um gato e um cão, um menino chamado Jack chega à terra dos gigantes e deve vencê-los para salvar uma menina chamada Susie. Com diversos animais selvagens fazendo coisas interessantes, esta é mais uma parte curiosa da série.

 

Also from 1922 we have “Jack the Giant Killer”. Accompanied by a cat and a dog, a boy named Jack arrives in the land of giants and must outsmart the giants to save a girl named Susie. With several jungle animals doing interesting things, this is another curious entry on the series.

O curta todo animado mais longo da série é “Gato de Botas” (1922) - e não tem nada a ver com o conto de fadas. No desenho, nossos velhos amigos Jack e Susie estão lá, assim como o gato preto, mas Susie é uma princesa cujo pai, o Rei, não deixa que Jack a visite. Para solucionar seu problema, Jack e o gato vão ver um filme de Rodolf Vaselino e o gato tem uma ideia: Jack compra para o felino um par de “botas da moda” e o gato ajuda Jack a demonstrar sua bravura numa tourada. Aqui, em vez de muitas cartelas de títulos, o diálogo é mostrado em balões, como nas tirinhas e quadrinhos.

 

The longest all-animated short of the series is “Puss in Boots” (1922) - and it has nothing to do with the fairy tale. In the cartoon, our old friends Jack and Susie are there, alongside the black cat, but Susie is a princess whose father, the King, doesn’t let Jack see her. To solve his problem, Jack and the cat go watch a movie with Rodolf Vaselino and the cat has an idea: Jack buys him a pair of “flapper boots” and the cat helps Jack showcase his bravery in a bullfight. Here, instead of many title cards, the dialogue is shown in balloons, like it happens in comic strips.

O curta seguinte é “Cinderella” (1922). Com duas irmãs más, mas nenhuma madrasta má, Susie é nossa Cinderella e Jack é o príncipe que também é caçador - algo mostrado numa sequência bem pesada. A história segue do jeito como todos conhecemos, e eles vivem felizes para sempre. Há também romance reservado para o gato de Susie.

 

The following short is “Cinderella” (1922). With two evil sisters but no evil stepmother in sight, Susie is our Cinderella and Jack is the prince who is also a hunter - something established in a rather dark sequence. The story follows as we all know, and they live happily ever after. There is romance also for Susie’s cat.

O último Laugh-O-Gram feito em 1922 foi “O Dente de Tommy Tucker”. Em sua quase totalidade um curta em live-action, ele conta a história dos amigos Jimmie Jones e Tommy Tucker. Jimmie, ao contrário de Tommy, não cuidou bem de seus dentes, por isso teve dor de dente e prejudicou sua saúde e até sua carreira por causa de seus maus hábitos de higiene. Este curta educativo foi encomendado por um dentista local chamado Thomas B. McCrum, que pagou 500 dólares a Disney pelo filme.

 

The final Laugh-O-Gram made in 1922 was “Tommy Tucker’s Tooth”. Mostly a live-action short, it tells the story of pals Jimmie Jones and Tommy Tucker. Jimmie, unlike Tommy, didn’t take proper care of his teeth, so he got a toothache and his health and even career were harmed because of his bad hygiene habits. This educational short was commissioned by a local dentist named Thomas B. McCrum, who paid Disney 500 dollars for the film.

Em 1923, à beira da falência, o estúdio Laugh-O-Gram fez um último filme: “Alice’s Wonderland”. Uma mistura de live-action e animação, é o piloto para a série sobre Alice que seria desenvolvida por Disney em Hollywood, e Virginia Davis, uma modelo mirim do Kansas, já interpreta o papel que lhe daria fama. Alice visita o estúdio de Disney e, naquela noite, sonha que está em Cartoonland, interagindo com todas aquelas criaturas animadas. 

 

In 1923, on the verge of bankruptcy, the Laugh-O-Gram Studios made one final film: “Alice’s Wonderland”. A mix of live-action and animation, it’s the pilot for the Alice series that would be developed by Disney in Hollywood, and Virginia Davis, a local Kansas child model, already plays the role that would make her famous. Alice visits Disney’s studio and that night, she dreams she is in Cartoonland, interacting with all those animated creatures.

O gato preto que aparece em muitos dos Laugh-O-Grams mais tarde seria batizado de Julius e se tornaria o fiel companheiro de Alice nas Alice Comedies - o que faz de Julius, não Mickey nem Osvaldo o Coelho Sortudo, o primeiro personagem animado recorrente de Disney.

 

The black cat that appears in many of the Laugh-O-Grams would later be named Julius the Cat and would become Alice’s faithful companion in the Alice Comedies - which makes Julius, not Mickey nor Oswald the Lucky Rabbit, the first re-occurring animation character from Disney.

Dos Laugh-O-Grams feitos, apenas um, “Martha” (1923), permanece perdido. Todos os outros estão em domínio público, mas apenas os mencionados aqui estão disponíveis para serem vistos na página da Wikipédia. Embora existam, “Jack e o Pé de Feijão” e “Cachinhos Dourados e os Três Ursos” não estão disponíveis online.

 

Out of the Laugh-O-Grams made, only one, “Martha” (1923), remains lost. All of the others are in the public domain, but only the ones mentioned here are available to be seen on the Wikipedia page. Although extant, “Jack and the Beanstalk” and “Goldie Locks and the Three Bears” are not available online.

Os Laugh-O-Grams de Disney não são obras-primas da animação. Algumas ideias e mesmo sequências são repetidas ao longo da série - como as nove vidas de um gato saindo do corpo do animal - e a animação e mesmo os traços são muito simples. Eles são, entretanto, artefatos históricos de interesse e, mais uma vez, fico feliz que tenham sobrevivido ao teste do tempo.

 

The Disney Laugh-O-Grams are not masterpieces of animation. Some ideas and even sequels are repeated throughout the series - like the cat’s nine lives leaving the animal’s body - and the animation and even drawing are very simple. They are, however, historical artifacts of interest and, once again, I’m glad they survived the test of time.

 

This is my contribution to the 100 Years of Disney blogathon, hosted by the girls Diana and Constance at Silver Scenes.

Viagem à Itália (1954) / Journey to Italy (1954)

 

Quando Ingrid Bergman deixou Hollywood e um casamento sólido e escolheu a Itália e um romance com o diretor Roberto Rossellini, foi um escândalo. Este episódio é tão conhecido dentro da biografia de Bergman que às vezes os filmes que ela fez com Rossellini são ofuscados pelo escândalo. Este pequeno conjunto de seis filmes inclui “Stromboli” (1950), a obra-prima “Europa ‘51” (1952), uma recontagem da história de Joana D’Arc e esta curiosa “Viagem à Itália”.

 

When Ingrid Bergman left Hollywood and a solid marriage and chose Italy and a romance with director Roberto Rossellini, it was a scandal. This episode is so well-known inside Bergman’s biography that sometimes the movies she did with Rossellini are obfuscated by the scandal. This little oeuvre of six films includes “Stromboli” (1950), the masterpiece “Europa ‘51” (1952), a re-telling of Joan of Arc’s story and this curious “Journey to Italy”.

Esta é a história da primeira vez em que o casal Katherine (Ingrid Bergman) e Alex (George Sanders) fica sozinho de verdade desde que se casaram. Eles estão na Itália por causa de uma herança, mas não ficarão sozinhos por muito tempo, pois encontram velhos conhecidos e fazem novas amizades em jantares nos quais ambos desaprovam que o outro se divirta com outras pessoas. Entre as ruínas eles discutem e parecem chegar a um ponto de virada no relacionamento.

This is the story of the first time the couple Katherine (Ingrid Bergman) and Alex (George Sanders) is truly alone ever since they got married. They are in Italy because of an inheritance, but they won’t stay alone for long, as they meet old acquaintances and make new friends in dinners where both dislike that the other has fun with other people. Among the ruins, they have their arguments and seem to arrive at a crossroads in their relationship.

Quando Katherine visita um museu na primeira metade do filme, as peças em exibição são oriundas de Pompeia. A tragédia da cidade tomada pelo vulcão séculos atrás assombra o casal, pois a vila que herdaram tem como vista o Vesúvio. Ao voltar do museu, ela conta sua experiência, dizendo que foi como se ela pudesse sentir como estas pessoas, imortalizadas em estátuas, eram e o que elas queriam.

When Katherine visits a museum in the first half of the film, the pieces there are remains from Pompeii. The tragedy of the city engulfed by the volcano centuries ago lingers on the couple, as the villa they inherited has the Vesuvius as a view. After coming back from the museum, she chronicles her experiences, saying that it was as if she could sense how those people immortalized in statues were like and what they wanted.

Embora não creditada, a fonte para o filme foi uma novela chamada “Duo”, da escritora Colette. Rossellini, junto com Vitaliano Brancati, escreveu o roteiro. George Sanders escreveu em sua autobiografia que rodar o filme foi uma experiência desesperadora, que ele realmente detestou. Talvez tenha sido porque este é um filme feito por um Rossellini em mutação: o diretor / roteirista / produtor estava abandonado o Neorrealismo e se comprometendo com um novo tipo de Realismo. O método de trabalho de Rossellini – especialmente o fato de ele trabalhar sem um roteiro – também desagradaram a Sanders.

Although uncredited, the source of the film was a novel called “Duo” by writer Colette. Rossellini, together with Vitaliano Brancati, wrote the screenplay. George Sanders wrote in his autobiography that shooting the film was an exasperating experience, one he truly disliked. Maybe it was because this is a movie made by a changing Rossellini: the director / writer / producer was abandoning the Neo-Realism and committing to a new kind of Realism. Rossellini’s work methods – especially working without a script – also displeased Sanders.

Em 1953, quando o filme começou a ser rodado, Bergman e Rossellini, como um casal, estavam em crise. O diretor também atravessava uma crise financeira – ele só conseguiu financiamento para o filme através de um industrial milanês que era seu fã. Quando as filmagens terminaram, Rossellini demorou mais um ano e meio para conseguir um distribuidor para o filme, que foi um fracasso de bilheteria e só agradou aos críticos da Cahiers du Cinéma – aqueles jovens que revolucionariam o cinema com a Nouvelle Vague alguns anos mais tarde.

In 1953, when the movie started shooting, Bergman and Rossellini, as a couple, were struggling. The director was also struggling financially – he could only get financing for the movie through a Milanese industrialist who was his fan. When filming ended, it took Rossellini a year and a half to find a distributor, but the film performed poorly at the box office and pleased only the critics from the Cahiers du Cinèma – those young men who would revolutionize cinema with the Nouvelle Vague a few years later.

Ocupando a posição 72 na lista de Melhores Filmes de Todos os Tempos da Sight and Sound de 2022, “Viagem à Itália” merece o reconhecimento. Um melodrama sem vilão – ou um em que a vida e suas atribulações são o vilão – o filme pode não ter me impressionado tanto quanto “Europa ‘51”, mas foi ótimo fazer esta viagem junto a Sanders e Bergman – e ao maestro Rossellini, obviamente.

Ranked 72 in the 2022 Sight and Sound Best Movies of All Time poll, “Journey to Italy” deserves the recognition. A melodrama without a villain – or one where life and its tribulations is the villain – the film may have not left an impression on me as big as “Europa ‘51”, but it was great to take this journey alongside Sanders and Bergman – and maestro Rossellini, of course.

 

This is my contribution to the 6^th Wonderful Ingrid Bergman blogathon, hosted by Virginie at The Wonderful World of Cinema.

Uma Aventura em Paris (1942) / Reunion in France (1942)

 

Durante alguns anos, nas décadas de 1930 e 1940, Joan Crawford foi uma das atrizes mais bem-pagas de Hollywood. Nos anos 1950, John Wayne foi um dos atores mais bem-pagos de Hollywood. E um dia os dois se encontraram, mas muitas pessoas desconhecem este filme que juntou as duas superestrelas: “Uma Aventura em Paris”, uma propaganda anti-nazista de 1942 dirigida por Jules Dassin - um filme não muito inspirado.

 

For a while, in the 1930s and 1940s, Joan Crawford was one of the highest-paid actresses in Hollywood. In the 1950s, John Wayne was one of the highest-paid actors in Hollywood. And one day the two of them met, but many people aren’t aware of this film that brings the two superstars together: “Reunion in France”, a 1942 anti-Nazi propaganda directed by Jules Dassin - and lacking inspiration.

“Em tempos de guerra, o amor é uma ofensa digna de punição”, diz Michele de la Becque (Joan Crawford) para seu namorado, Robert Cortot (Philip Dorn), quando ele recusa o convite dela para uma escapada. Eles não têm com o que se preocupar, porque Hitler não pode invadir a França, disse um general num evento em que estava o casal. A Linha Maginot parecia intransponível, até que se provou o contrário, e numa questão de semanas a França se rendeu aos nazistas.  

 

“In times of war, love is a punishable offense”, says Michele de la Becque (Joan Crawford) to her boyfriend, Robert Cortot (Philip Dorn), when he refuses her invitation for an escapade. They have nothing to worry about, because Hitler can’t invade France, a general said in an event both were attending. The Maginot Line seemed insurmountable, until it wasn’t, and in a matter of weeks Paris fell under the Nazis.

Michele volta de sua escapada e encontra sua mansão “tomada de empréstimo” pelos nazistas e transformada em posto de distribuição de carvão. Ela se horroriza com o pensamento de que Robert estaria colaborando com os nazistas. Sem dinheiro, ela aceita um emprego numa loja de roupas e é saindo do trabalho que ela conhece o tenente da aeronáutica Pat Talbot (John Wayne), com quem ela se compromete: ela vai ajudá-lo a escapar da França.

 

Michele comes back from her escapade only to find her mansion “borrowed” by Nazis as an outpost to distribute coal. She’s truly horrified when she starts thinking that Robert is collaborating with the Nazis. Penniless, she accepts a job at a clothes store and it’s leaving her job that she meets flight lieutenant Pat Talbot (John Wayne), who she vows to help leave France.

Joan Crawford e John Wayne tinham praticamente a mesma idade - dependendo da fonte que você usa para o ano de nascimento de Joan. Entretanto, no filme a história é construída como se Michele fosse uma mulher mais velha e com mais experiência, e Pat fosse um garoto que acabou de se alistar. Já se passaram alguns anos desde a performance que transformou Wayne em estrela, em “No Tempo das Diligências” (1939), mas seu papel é de coadjuvante - “Uma Aventura em Paris” pertence a Joan Crawford, e só a ela.

 

Joan Crawford and John Wayne were practically the same age - depending on the source you follow for Joan’s birth date. However, in the film the story is built as if Michele was an older, experienced woman and Pat was a boy who just enlisted. It was already past Wayne’s star-making performance in “Stagecoach” (1939), but his is a supporting role - “Reunion in France” belongs to Crawford, and Crawford only.

Numa entrevista para o programa The Merv Griffin Show em 1963, Joan Crawford contou que já queria contracenar com John Wayne algum tempo antes de “Uma Aventura em Paris”, entretanto, nas próprias palavras dela: “quando nós de fato contracenamos, foi com o pior roteiro que eu já vi ou li na minha vida”. Em outra entrevista, ela foi mais além: “Oh, Deus. Se houver vida após a morte e eu tiver de ser punida por meus pecados, este é um dos filmes que eles me farão ver de novo e de novo. John Wayne e eu sofremos, não apenas por causa do roteiro bobo, mas porque éramos uma dupla sem harmonia. Tire John do cavalo, e você terá problemas”. Profundamente criticado por sua própria estrela, não é de se espantar que “Uma Aventura em Paris” seja tão pouco conhecido.

 

In an interview given a The Merv Griffin Show in 1963, Joan Crawford said that she had wanted to play opposite John Wayne for some time before “Reunion in France”, however, in her words, “when we really worked together it was the lousiest script I have ever seen or read in my life.” In another interview, she went further: “Oh God. If there is an afterlife and I am to be punished for my sins, this is one of the pictures they'll make me see over and over again. John Wayne and I both went down for the count, not just because of a silly script but because we were so mismatched. Get John out of the saddle, and you've got trouble." Deeply disliked by its star, there is no wonder “Reunion in France” isn’t a more well-known film.

Philip Dorn tem um papel de responsa como um dos protagonistas, Robert Cortot, namorado de Michele. Nascido na Holanda, ele começou a carreira sob o nome artístico de Frits van Dongen e deixou seu país natal, indo para a Alemanha, em 1938. Em 1939, semanas antes de a Segunda Guerra Mundial começar, ele se mudou para Hollywood e mudou o nome artístico para Philip Dorn. Lá, ele interpretou diversos patriotas anti-nazistas e teve relativo sucesso, o que não o impediu de voltar para a Alemanha nos anos 50.

 

Philip Dorn has a juicy role as one of the leads, Robert Cortot, Michele’s boyfriend. Born in the Netherlands, he started his career under the name Frits van Dongen and left his home country for Germany in 1938. In 1939, just weeks before the beginning of World War II, he moved to Hollywood and changed his stage name to Philip Dorn. There, he played several anti-Nazis patriots and had relative success, which didn’t prevent him from going back to Germany in the 1950s.

“Uma Aventura em Paris” foi dirigido por Jules Dassin, que dirigiu, de acordo com o IMDb, 25 filmes em sua carreira, em diversos idiomas.Dassin estava tendo sucesso moderado quando, em 1952, ele foi acusado de ser comunista - na verdade, ele havia abandonado o partido em 1939 - e teve de se mudar para a França, onde fez muito sucesso.

 

“Reunion in France” is directed by Jules Dassin, who directed, according to IMDb, 25 films in his career, in several languages. Dassin was enjoying moderate success when, in 1952, he was accused of being a communist - he had actually left the party in 1939 - and had to move to France, where he found bigger success.   

Quando ela fala sobre como alguns franceses traíram seus conterrâneos, Michele pergunta “o que será da França?” Nós vimos, nos últimos anos, algo impensável: populações sendo divididas por política, especialmente por partidos, candidatos e governos da extrema direita. Se você, como eu, vive em um país que ainda se sente dividido, você conhece a sensação quando ela diz essa frase: é de desolação e perda da esperança.  

 

 When talking about how some French people betrayed their fellow countrymen, Michele asks “what’s become of France?” We’ve seen, in the past few years, something unthinkable: populations being divided by politics, especially by far-right parties, candidates and governments. If you, like me, live in a country that still feels divided, you know the sensation when she utters the line: it’s of desolation and loss of hope.

“Uma Aventura em Paris” não é uma joia escondida. Pode ser curioso, interessante e agradável, mas não é um filme obrigatório nas filmografias de suas estrelas. É providencial, porque a Resistência não foi embora junto com a primeira derrota da extrema direita. É mais um melodrama que um filme de guerra, mas é, acima de tudo, um veículo para o talento de Joan Crawford.

 

“Reunion in France” isn’t a hidden gem. It may be curious, interesting and enjoyable, but not mandatory viewing in any of its stars’ filmography. It’s timely, as the Resistance didn’t go away in the first defeat of the far-right. It’s more of a melodrama than a war movie, but it is, above all, a Joan Crawford vehicle.