Ser ou Não Ser (1942) / To Be or Not to Be (1942)

 Ser ou não ser: eis a questão. A frase de Shakespeare conhecida até mesmo por quem não sabe quem foi Shakespeare. Naquele que seria o último filme de Carole Lombard, a frase é um código para um encontro furtivo entre amantes. Nas habilidosas mãos de Ernst Lubitsch, aqui como diretor e produtor, a frase também funciona como o título de uma comédia de humor negro essencial dentro da História do cinema.

To be or not to be: that’s the question. The Shakespearean line known even by those who don’t know who Shakespeare was. In what was Carole Lombard’s last film, the line is a code for a furtive encounter between lovers. In the skillful hands of Ernst Lubitsch, here as both director and producer, the line also works as the title of a quintessential black comedy.

Damos a primeira risada quando Bronski (Tom Dugan), vestido como Hitler, faz a saudação nazista e diz “Heil, eu”. Tudo o que havíamos presenciado até então não é nada além de uma peça encenada pela companhia do Sr Dobosh (Charles Halton). É agosto de 1939 na Polônia e a peça “Gestapo” não pode estrear porque pode desagradar a Hitler. Eles então reencenam Hamlet.

The first laugh is upon us when Bronski (Tom Dugan), dressed as Hitler, does the Nazi salute and says “Heil, me”. All we had been witnessing is nothing but a play staged by the company that belongs to Mr Dobosh (Charles Halton). It’s August 1939 in Poland and their play “Gestapo” can’t open because it may upset Hitler. They go on to stage Hamlet once again.

As principais estrelas da companhia são Joseph Tura (Jack Benny) e sua esposa Maria (Carole Lombard). Maria recebe a visita de um piloto, Stanislav Sobinski (Robert Stack), sempre que seu marido está no meio do famoso solilóquio “ser ou não ser”. E então a guerra é declarada. 

The company’s main stars are Joseph Tura (Jack Benny) and his wife Maria (Carole Lombard). Maria receives the visit of a pilot, Stanislav Sobinski (Robert Stack), always when her husband is in the middle of the “to be or not to be” soliloquy. War is then declared.

Stanislav vai para a Inglaterra para se juntar à Real Força Aérea britânica. Lá ele se aproxima de um professor chamado Siletsky (Stanley Ridges), que diz ser polonês. Mas ele nunca ouviu falar de Maria Tura, o que acende um sinal de alerta na mente de Stanislav. Siletsky vai para Varsóvia e Stanislav o segue, temendo que ele possa ser um agente alemão levando informações secretas para a Gestapo. Stanislav envolve Joseph e Maria no jogo de espionagem.

Stanislav goes to England to join the Royal Air Force, the RAF. There he befriends a professor named Siletsky (Stanley Ridges) who claims to be Polish. But he had never heard of Maria Tura, which is a red flag according to Stanislav. Siletsky goes to Warsaw and Stanislav follows him, fearing he could be a German agent bringing top secret information to the Gestapo. Stanislav then involves Maria and Joseph in the espionage game.

Durante a guerra, entregar uma mensagem podia ser uma missão complexa. Você tinha que falar através de códigos que só as pessoas certas sabiam. Você tinha que carregar fotos em lugares incomuns. Você tinha que esconder as evidências. Você não podia se comunicar rapidamente pelo telefone ou por mensagens de texto. Mas você também não conhecia o rosto das pessoas, o que permite, por exemplo, que Joseph finja ser o coronel Ehrhardt para econtrar Siletsky.  

During the war, delivering a message could be a tricky task. You had to speak using codes that only the right people knew. You had to take photos in the most unusual places. You had to hide evidence. You couldn’t communicate quickly through the phone or text message. But you also didn’t know the face of the person you had to meet, which allows, for instance, Joseph to pose as colonel Ehrhardt for Siletsky.

Jack Benny é mais conhecido por seu trabalho no rádio e na televisão. Ele foi a primeira e única opção para interpretar Joseph Tura, pois Lubitsch escreveu o personagem com o ator em mente. Isso levou Benny a aceitar o papel de imediato. Entretanto, para a protagonista feminina a primeira opção foi Miriam Hopkins, mas ela e Jack Benny não se deram bem e Carole Lombard foi escalada. 

Jack Benny is better known for his radio and television work. He was the first and only option to play Joseph Tura, as Lubitsch wrote the character with the actor in mind. This led to Benny accepting the role immediately. However, for the female lead the first option was Miriam Hopkins, but she and Jack Benny didn’t get along, so Carole Lombard was cast instead.

A única indicação para o Oscar que este filme teve foi na categoria Melhor Música. A trilha sonora deveria ter sido composta por Miklós Rózsa, mas ele não concordou com uma sátira ao regime Nazista e recusou o trabalho. Rózsa era húngaro, assim como o produtor Alexander Korda, e foi substituído pelo judeu alemão Werner Heymann, que já havia trabalhado com Lubitsch anteriormente. Curiosidade: naquele ano, 18 filmes foram indicados ao Oscar de Melhor Música! 

The only nomination for the Oscar for this film came for Best Music. The soundtrack was supposed to have been composed by Miklós Rózsa, but he didn’t agree with a satirization of the Nazi regime and refused the job. Rózsa was Hungarian, as was the producer Alexander Korda, and was replaced by Jewish and German Werner Heymann, who had worked with Lubitsch previously. Curious tidbit: that year, 18 films were nominated for the Best Music Oscar! 

O filme estreou logo depois de os EUA entrarem na guerra. Carole Lombard, podemos dizer, foi vítima da guerra, pois faleceu num acidente de avião numa campanha de bônus de guerra dias depois de terminar de rodar “Ser ou Não Ser”.  

The movie premiered right after the USA entered the war. Carole Lombard, we could say, was a victim of the war, as she died in a plane crash while promoting war bonds days after she finished shooting “To Be or Not to Be”.

Anos antes de assistir a este filme, assisti ao remake de 1983 com Mel Brooks. Lembro que era um filme divertido, mas nem tanto quanto o original, e também tinha menos senso de urgência que o filme de Lubitsch. Fazer piada com os nazistas em 1983 era anacrônico, fazer piada com os nazistas em 1942 e hoje é catártico. Se toda catarse fosse como este filme hilário, o mundo seria um fardo bem mais leve de carregar.  

Years before I watched this film, I watched the 1983 remake with Mel Brooks. I remember it being funny, but not as much as the original, and also lacking the sense of urgency the Lubitsch film has. Making fun of Nazis in the 1980s was anachronistic, making fun of Nazis in the 1940s and nowadays is a catharsis. If all catharsis could play like this hilarious film, the world would be a lighter burden for us to carry.

Dois filmes mudos no Stummfilmtage Bonn 2026

 

Two silents at the Stummfilmtage Bonn 2026

Alguns dias atrás percebi que algumas pessoas que eu seguia no Letterboxd haviam logado alguns filmes mudos dos quais eu nunca havia ouvido falar. Em seus comentários, eu encontrei o link para o Stummfilmtage Bonn 2026 - que em alemão é o mesmíssimo título da Giornate del Cinema Muto é em italiano: Dias de Cinema Mudo. Além da versão presencial na Alemanha, eles tinham uma programação online grátis! Eu cheguei bem no fim da festa, mas pude assistir a três filmes mudos intrigantes. O primeiro, “Béhula” (1921), será analisado mais profundamente no meu blog Lost and Found films, por isso vamos focar nos outros dois filmes. 

A few days ago I noticed that some people I followed on Letterboxd had logged some silent films I had never heard of. In their reviews, I found the link to the Stummfilmtage Bonn 2026 - which in German is the very same as is the title for Le Giornate del Cinema Muto in Italian: Days of Silent Cinema. Besides its onsite version in Germany, they provided an online program that was free! I arrived pretty late for the party, but I could watch three intriguing silents. The first, “Béhula” (1921), will be analyzed deeper on my blog Lost and Found Films, so let’s dive into the other two movies.

Ambos tinham referências bíblicas em seus títulos e ambos não puderam ser exibidos no evento presencial por causa do mau tempo. Um deles tinha uma trilha pré-gravada, enquanto o outro foi exibido totalmente silencioso. Um veio de Hollywood, o outro da Tchecoslováquia.

Both had biblical references in their titles and both couldn’t be screened at the onsite event due to bad weather. One had a soundtrack pre-recorded, while the other was screened totally silent. One came from Hollywood, the other from Czechoslovakia.

Em “The Garden of Eden” (1928), somos apresentados a Toni (Corinne Griffith), uma garota de Viena que quer ser cantora de ópera. Ela recebe uma carta de Budapeste convidando-a para cantar no Palácio de Paris; uma carta assinada por M. Bauer. Chegando lá, ela descobre que Bauer (Maude George) é uma mulher que administra um show de mau gosto. Ela aceita cantar mesmo assim, mas é humilhada em seu primeiro número, o que a leva a ser despedida junto à costureira do local, Rosa (Louise Dresser), que defendeu a menina.  

In “The Garden of Eden” (1928), we’re introduced to Toni (Corinne Griffith), a girl from Vienna who wants to be an opera singer. She receives a letter from Budapest inviting her to sing at the Palais de Paris; a letter signed by M. Bauer. Arriving there, she finds out that Bauer (Maude George) is a woman who manages a show house of poor taste. She accepts to sing anyway, but is humiliated in her first number, which leads to her firing alongside the house seamstress Rosa (Louise Dresser), who defended her.

Rosa é na verdade uma Baronesa e, amadrinhando Toni, a leva para Monte Carlo no Hotel Eden para viver com pompa e circunstância duas semanas patrocinadas pela pensão de viúva de guerra. Lá, elas conhecem o Coronel Dupont (Edward Martindel) e seu sobrinho Richard (Charles Ray), e ambos se apaixonam por Toni, ou melhor, a Baronesa Antoinette. 

Rosa is actually a Baroness and, taking Toni under her wing, takes her to Monte Carlo to Hotel Eden to live lavishly two weeks from her war widow pension. There, they meet the Colonel Dupont (Edward Martindel) and his nephew Richard (Charles Ray), and both fall for Toni, or better, Baroness Antoinette.

Em “Adam and Eva” (1922), somos apresentados aos gêmeos chamados Adam e Eva, ambos interpretados por Suzanne Marwille. Ela é sapeca, sempre pregando peças nos outros, especialmente no irmão. Quando ambos têm dezesseis anos, Adam decide ensinar uma lição para Eva e se veste como ela para seduzir o vizinho. Eva então se veste de Adam para se vingar da vingança dele. 

In “Adam and Eva” (1922), we’re introduced to twins named Adam and Eva, both played by Suzanne Marwille. She is the mischievous one, always pranking other people and especially her brother. When they’re sixteen, Adam decides to teach Eva a lesson and dresses like her to seduce a neighbor. Eva then dresses as Adam to take revenge on his revenge.

Somos informados por uma cartela de texto que “The Garden of Eden” tinha uma sequência de sonho em Technicolor no primeiro rolo que atualmente está perdida. “Adam e Eva” termina de maneira abrupta, o que nos leva a imaginar se não tem nada faltando. Esses detalhes, entretanto, não impactaram as sessões, e agora eu sei que há outro maravilhoso festival de cinema mudo para nós amantes dessa arte.

We are informed by a title card that “The Garden of Eden” had a Technicolor dream sequence in the first reel that’s currently lost. “Adam and Eva” ends abruptly and lets us imagine if there isn’t anything missing. These things, however, didn’t make the viewing experience any worse, and now I know that there is another wonderful silent film festival for us lovers of this art.

O Rolls-Royce Amarelo (1964) / The Yellow Rolls-Royce (1964)

 

ESTA CRÍTICA TEM SPOILERS 

THIS ARTICLE HAS SPOILERS 

Quem só assiste a filmes clássicos geralmente diz que não se fazem filmes como antigamente. Eu discordo, mas algumas coisas são de fato diferentes. Por exemplo: não temos mais tantos filmes cheios de estrelas como já tivemos. Filmes como “O Rolls-Royce Amarelo”, de 1964, no qual cada nome que aparece nos créditos nos surpreende e nos deixa intrigados sobre possíveis interações entre essas estrelas das telas - estrelas que com certeza não são como antigamente!

Those who only watch classic movies usually say that we don’t make movies like in the past. I disagree, but some things are indeed different. For example: we don’t have so many all-star movies like we did. Movies like “The Yellow Rolls-Royce”, from 1964, in which each name appearing in the credits makes us gasp and become intrigued about possible interactions between stars of the screen - those are stars that we certainly don’t have today!

Charles (Rex Harrison) compra um Rolls-Royce amarelo de presente para sua esposa Eloise (Jeanne Moreau) na ocasião de seu décimo aniversário de casamento. Infelizmente Eloise está tendo um caso com um homem mais jovem e decide se encontrar com o amante dentro do Rolls-Royce amarelo enquanto o marido está ocupado assistindo a uma corrida de cavalos. Charles, entretanto, é informado do que está acontecendo e pega os dois amantes dentro do carro. Sem a possibilidade de divórcio, ele e Eloise precisam superar o episódio, mas Charles é categórico: o Rolls-Royce amarelo precisa ser devolvido para o vendedor.

Charles (Rex Harrison) buys a yellow Rolls-Royce as a gift to his wife Eloise (Jeanne Moreau) on behalf of their 10th anniversary. Too bad Eloise is having an affair with a younger man and decides to have a rendez-vous with her lover inside the yellow Rolls-Royce while her husband is busy watching a horse race. Charles, however, is informed of what is happening and catches the two lovers inside the car. Without the possibility of divorce, he and Eloise must get over this episode, but Charles is adamant: the yellow Rolls-Royce has to be returned to the seller.

Em Gênova, Itália, o Rolls-Royce é comprado pelo Signore Paolo Maltese (George C. Scott) como presente para sua namorada Mae Jenkins (Shirley MacLaine). Eles vão para Pisa, mas ela não gosta dos monumentos, e lá conhecem o fotógrafo Stefano (Alain Delon), que seduz Mae. Eles consumam o amor dentro do Rolls-Royce - mas também não têm um final feliz.

In Genoa, Italy, the Rolls-Royce is bought by Signore Paolo Maltese (George C. Scott) as a gift to his girl Mae Jenkins (Shirley MacLaine). They go to Pisa, but she dislikes the monuments, and there they meet the photographer Stefano (Alain Delon), who seduces Mae. They consummate their love inside the Rolls-Royce - but theirs is not a happy ending.

Trieste, 1941. Um Rolls-Royce vintage é comprado por Gerda (Ingrid Bergman). Um jovem iugoslavo, Davich (Omar Sharif), pega uma carona no carro e até se esconde no porta-malas para cruzar a fronteira. Quando a guerra é declarada, Gerda demonstra bravura ao conduzir pessoas para o hospital e ajudar os locais. Haverá centelhas de amor também, mas elas vão durar? 

Trieste, 1941. A vintage Rolls-Royce is bought by Gerda (Ingrid Bergman). A Yugoslavian young man, Davich (Omar Sharif), gets a lift on the car and even hides in the back to cross the border. As war is declared, Gerda shows her bravery by driving people to hospitals and helping the locals. There will be love sparkles as well, but will it last?

“O Rolls-Royce Amarelo” foi levemente baseado no filme alemão de 1947 “In jenen Tagen”, no qual sete episódios seguem os donos de um mesmo carro entre 1933 e 1947. O filme da MGM foi escrito por Terence Rattigan, produzido por Anatole de Grunwald e dirigido por Anthony Asquith - na realidade, foi o último filme dirigido por Asquith. O trio queria repetir o sucesso de sua produção anterior, “Gente Muito Importante” (1963). 

“The Yellow Rolls-Royce” was loosely based on the 1947 German film “In Those Days” (In jenen Tagen), in which seven episodes follow the owners of a single car between 1933 and 1947. The MGM film was written by Terence Rattigan, produced by Anatole de Grunwald and directed by Anthony Asquith - actually, it was Asquith’s last film. The trio wanted to repeat the success of their previous effort “The V.I.P.s” (1963).

Na sequência do clube italiano, bem no meio do filme, somos apresentados a uma cantora entoando a canção “Forget Domani”, sendo que Domani significa Amanhã em italiano. A canção foi composta pelo prolífico compositor Riz Ortolani, cuja carreira durou cinco décadas em mais de 200 filmes. “Forget Domani” ganhou o prêmio de Melhor Canção Original no Globo de Ouro.

In the Italian nightclub sequence, right in the middle of the movie, we’re presented with a singer singing the tune “Forget Domani”, Domani meaning Tomorrow in Italian. The song was composed by prolific composer Riz Ortolani, whose career spanned five decades and over 200 movies. “Forget Domani” won the Best Original Song award at the Golden Globes. 

“O Rolls-Royce Amarelo” pertence a um sub-gênero único: o filme de antologia ou “composite film”. Nele, diversas histórias são contadas com um elemento que as une; aqui, o Rolls-Royce é a ligação. Outro exemplo é “Seis Destinos” (1942), no qual um terno une as histórias. Em 1965, o Rolls-Royce ganhou seu status de estrela ao ser feito o curta documentário “The Car that Became a Star”.

“The Yellow Rolls-Royce” belongs to a unique sub-genre: the anthology movie or “composite film”. In it, several stories are told with an element tying them together; here, the Rolls-Royce is the liaison. Another example is “Tales of Manhattan” (1942), in which a suit ties the stories together. In 1965, the Rolls-Royce got its own starring featurette, a short documentary called “The Car that Became a Star”.

É curioso perceber que cada estrela teve seu figurino feito por um estilista diferente. Shirley MacLaine veste figurinos de Edith Head, enquanto Ingrid Bergman foi vestida por Antonio Castillo, e George C. Scott, o gângster elegante, foi vestido por Gene Coffin. A mesma coisa aconteceu com os cabeleireiros: cada estrela ficou com um! MacLaine ficou com Sydney Guilaroff e Bergman, com Giorgio. 

It was curious to notice that each star was dressed by a different stylist. Shirley MacLaine got the Edith Head treatment, while Ingrid Bergman was dressed by Antonio Castillo, and George C. Scott, as the dapper gangster, was dressed by Gene Coffin. The same happened to hairdressers: each star had their own! MacLaine got Sydney Guilaroff and Bergman, Giorgio.

“O Rolls-Royce Amarelo” foi filmado em Panavision e Metrocolor. Panavision é uma companhia fundada em 1954 para fabricar câmeras, lentes e outros equipamentos de cinema para alugar. Metrocolor foi o nome usado pela MGM para batizar o processo aplicado aos filmes Eastmancolor da Kodak nos próprios laboratórios da MGM. 

“The Yellow Rolls-Royce” was shot in Panavision and Metrocolor. Panavision is a company founded in 1954 to fabricate cameras, lenses and other film equipment for rental. Metrocolor was the name used by MGM to christen their process applied to Kodak Eastmancolor films in MGM’s own laboratories.

Em “O Rolls-Royce Amarelo”, há uma menção a outro filme recheado de estrelas, “Jantar às Oito” de 1933, com um pôster num hotel anunciando a sessão. Entretanto, o filme de 1964 não atingiu o sucesso em bilheteria ou o status deste predecessor. Uma pena, deixe-me dizer: é uma bela meditação sobre riqueza e decepções amorosas. 

In “The Yellow Rolls-Royce”, there is a nod to another all-star movie, 1933’s “Dinner at Eight”, with a poster in a hotel advertising a screening. However, the 1964 film didn’t reach the box-office success nor the status of this predecessor. A shame, let me tell you: it’s a beautiful meditation on wealth and heartbreak.

This is my contribution to the 8th Ingrid Bergman blogathon, hosted by Virginie at The Wonderful World of Cinema.

 

A Oitava Esposa de Barba-Azul (1938) / Bluebeard’s Eighth Wife (1938)

 

Ernst Lubitsch já apareceu neste blog muitas vezes, nas várias fases de sua carreira de sucesso. O que poderia ser esperado de um ator que virou diretor, que trabalhou na Alemanha e em Hollywood, numa carreira que durou mais de 30 anos, entre as décadas de 1910 e 1940, que não fosse uma obra eclética? Sou grande fã dele, mas foi por acaso que escolhi três filmes de Lubitsch para ver e escrever sobre na minha lista de 12 clássicos para 2026. O primeiro título é a deliciosa comédia screwball “A Oitava Esposa de Barba-Azul” de 1938. 

Ernst Lubitsch has appeared in this blog many times, in the many phases of his successful career. What else could we expect from someone who was an actor-turned-director, who worked in Germany and Hollywood, in a career that lasted over 30 years, from the 1910s to the 1940s, if not an eclectic body of work? I’m a huge fan, but it was by chance that I chose three films by Lubitsch in a rol to review in my list of 12 classics for 2026. The first title is the delightful screwball comedy “Bluebeard’s Eighth Wife” from 1938.

Na Riviera Francesa, uma confusão numa loja de departamentos envolvendo pijamas aproxima dois estranhos: o belo Michael (Gary Cooper) e a bela Nicole (Claudette Colbert). Michael se apaixona desesperadamente e começa a seguir Nicole, depois de fechar um negócio com o pai da moça, o empobrecido Marquês De Noiselle (Edward Everett Horton).

In the French Riviera, a kerfuffle in a department store involving pajamas approaches two strangers: the handsome Michael (Gary Cooper) and the pretty Nicole (Claudette Colbert). Michael falls desperately in love and starts following Nicole, right after making a business deal with her father, the impoverished Marquis de Loiselle (Edward Everett Horton).

Na praia Michael encontra Nicole e o empregado dele, Albert (David Niven). Tudo progride rapidamente entre o casal. Duas semanas antes do casamento, entretanto, Nicole descobre que Michael já havia sido casado antes - sete vezes! Ela fica horrorizada, mas vê na boda uma possibilidade de negócio e aceita se casar se receber 100 mil dólares.

At the beach Michael finds Nicole and his employee Albert (David Niven). Things progress quickly between the couple. Two weeks before the wedding, however, Nicole becomes aware that Michael had been married before - seven times! She’s horrified, but sees in the wedding a business possibility and accepts to marry if she receives 100,000 dollars.

Eles vão para a Tchecoslováquia na lua-de-mel, mas a viagem não é alegre. Numa sequência silenciosa, Michael é inspirado pela leitura de “A Megera Domada” de Shakespeare e pensa que ele também pode domar a nova esposa, mas recebe um tapa e uma mordida. Eles acabam concordando com um contrato de “não fazer amor, não brigar”... mas isso vai dar certo?

They go to Czechoslovakia for their honeymoon, but the trip is not joyful. In a silent sequence, Michael is inspired by reading Shakespeare’s “The Taming of the Shrew” and thinks he too can tame his new wife, but he gets a slap and a bite instead. They end up agreeing with a “no lovemaking, no quarrel” contract… but will it last?

É curioso que um objeto de cena importante neste filme seja uma banheira que pertenceu a Luís XIV. Dezenove anos antes, Lubitsch fez “Madame DuBarry”, sobre a famosa amante do Rei Luís XV. Em “A Oitava Esposa de Barba-Azul”, Gary Cooper confunde informações sobre os dois reis e foi curioso observar a ligação de Lubitsch com os dois monarcas. 

It’s curious that an important plot prop from this movie is a bathtub that belonged to Louis XIV. Nineteen years prior, Lubitsch filmed “Madame DuBarry”, about the famous lover of King Louis XV. In “Bluebeard’s Eighth Wife” Gary Cooper mistakes information about the two kings and it was curious to notice Lubitsch’s connections with the two royals.

Claudette Colbert é maravilhosa, não? Nascida Émilie Claudette Chauchoin perto de Paris em 190, ela e a família vieram para a América em 1906. Ela cresceu falando francês e inglês e querendo ser pintora. Fez sua estreia na Broadway num pequeno papel aos 20 anos. Sua estreia nas telas, “Filhos da Fortuna” (1927), está atualmente perdido. Ela fechou contrato com a Paramount em 1928 e se tornou uma das mais populares atrizes de cinema na década seguinte. Quando “A Oitava Esposa de Barba-Azul” foi feito, ela já havia trabalhado com Lubitsch - em “O Tenente Sedutor” (1931) - e com Gary Cooper - em “Sua Mulher Perante Deus”, também de 1931. 

Claudette Colbert is delightful, isn’t she? Born Émilie Claudette Chauchoin near Paris in 1903, she and her family went to America in 1906. She grew up speaking French and English and wanting to be a painter. She debuted on Broadway in a small role at age 20. Her screen debut, “For the Love of Mike” (1927), is currently lost. She signed with Paramount in 1928 and became one of the most popular actresses of the screen in the following decade. By the time “Bluebeard’s Eighth Wife” was made, she had already worked with Lubitsch - in “The Smiling Lieutenant” (1931) - and with Gary Cooper - in “His Woman”, also from 1931. 

O filme é cheio de frases engraçadas e insinuações. Muitas frases, ditas em contextos incomuns ou sem qualquer contexto da conversa prévia, fazem os personagens pensar numa intimidade que não existe na realidade. Provavelmente por causa dessas insinuações, o filme recebeu uma nota B da Legião de Decência: moralmente condenável em partes, o que para mim é um elogio. 

The movie is full of funny lines and innuendos. Many sentences, said in unusual contexts or with no context at all of the previous conversation, make characters think about an intimacy that doesn’t exist in reality. Probably because of these innuendos, the film was rated B by the Legion of Decency: morally objectionable in part, which for me is a compliment.

As roupas de Claudette Colbert no filme são de tirar o fôlego, exatamente o tipo de roupas que eu gostaria de usar. O responsável pelo figurino foi Travis Banton, principal figurinista da Paramount nos anos 1930. Ele primeiro chamou a atenção quando Mary Pickford escolheu um de seus vestidos para usar no casamento com Douglas Fairbanks. Em 1938, ele já tinha vestido Colbert em “Cleópatra” (1934), mas ele é mais lembrado hoje por ter vestido Marlene Dietrich em diversos filmes.

Claudette Colbert’s clothes in this movie are breathtaking, exactly the kind of clothes I’d like to wear. The one responsible for the wardrobe was Travis Banton, key wardrobe artist for Paramount in the 1930s. He became someone of notice when Mary Pickford chose one of his dresses to wear on her wedding to Douglas Fairbanks. In 1938, he had already dressed Colbert in “Cleopatra” (1934), but he’s better remembered today for dressing Marlene Dietrich in several films.

“A Oitava Esposa de Barba-Azul” foi baseado numa peça de teatro francesa e o roteiro foi escrito por Billy Wilder e Charles Brackett. Os dois não podiam ser mais diferentes: Brackett era 14 anos mais velho que Wilder, veio de uma família de posses e tinha se formado na escola de Direito de Harvard. Mesmo assim, a dupla escreveu 16 filmes, começando com este e indo até sucessos como “Farrapo Humano” (1945) e “Crepúsculo dos Deuses” (1950), sendo esta a última colaboração entre os dois. 

“Bluebeard’s Eighth Wife” was based on a French play and the screenplay was written by Billy Wilder and Charles Brackett. The two couldn’t be more different: Brackett was 14 years older than Wilder, came from a rich family and had a Harvard Law degree. Nevertheless, the duo wrote 16 films together, starting here and going on to hits such as “The Lost Weekend” (1945) and “Sunset Boulevard” (1950), being this one their last collaboration.

Vamos falar sobre múltiplos casamentos. Em Hollywood ninguém pode competir com Zsa Zsa Gabor, que se casou nove vezes! Elizabeth Taylor chegou perto, casada oito vezes - duas delas com Richard Burton! Lana Turner e Artie Shaw também se casaram oito vezes. Diz-se que “A Oitava Esposa de Barba-Azul” foi baseado na vida privada do milionário Tommy Manville, que se casou treze vezes.

Let’s talk about multiple marriages. In Hollywood, nobody can beat Zsa Zsa Gabor, who got married nine times! Elizabeth Taylor comes close, married eight times - twice with Richard Burton! Lana Turner and Artie Shaw also got married eight times. It’s said that “Bluebeard’s Eighth Wife” was based on the private life of millionaire Tommy Manville, who got married thirteen times. 

“A Oitava Esposa de Barba-Azul” foi filmado antes em 1923 com Gloria Swanson protagonista, mas esta versão é um filme perdido (choro). O filme de 1938 não foi bem de bilheteria, por isso a Paramount rompeu seu contrato com Lubitsch e o cineasta foi para a MGM. O que ele fez lá? Veremos no próximo mês!

“Bluebeard’s Eighth Wife” had been filmed before in 1923 starring Gloria Swanson, but this version is a lost film (ugly crying). The 1938 film didn’t do well at the box office, so Paramount released Lubitsch from his contract and the filmmaker went to MGM. What did he do there? We’ll see next month!

O Desespero de Veronika Voss (1982) / Veronika Voss (1982)

 

Por muitos anos, se alguém me perguntasse qual meu filme preferido de Fassbinder, eu responderia sem pensar duas vezes: “O Desespero de Veronika Voss”, seu último filme. Mas nunca me perguntaram isso. E recentemente, este ano, quando revi o filme, não vi o brilhantismo que meu cérebro adolescente viu tantos anos atrás. Vamos mergulhar no desespero de Veronika Voss para ver o que aconteceu.

For many years, if anyone asked me what was my favorite Fassbinder film, I’d answer without thinking twice: “Veronika Voss”, his last film. But nobody ever asked me that. And recently this year, when I rewatched the film, I didn’t see the brilliance my teen brain saw so many years ago. Let’s dive deeper in Veronika’s longing to see what happened.

O ano é 1955. Veronika Voss (Rosel Zech) se perturba assistindo a um de seus velhos filmes, ao estilo Norma Desmond. Ela sai da sessão abruptamente e sai na chuva, chorando. Lá fora ela conhece o bondoso Robert Krohn (Hilmar Thate), que lhe oferece um guarda-chuva e um casaco. Ele não a reconhece e ela gosta disso. No dia seguinte, ela o convida para um drink, conversa sobre o mundo do cinema, e lhe pede dinheiro.

The year is 1955. Veronika Voss (Rosel Zech) is distressed while watching one of her old films, like Norma Desmond. She leaves the session abruptly and goes out in the rain, crying. Outside she meets the kind Robert Krohn (Hilmar Thate), who offers her an umbrella and a coat. He doesn’t recognize her and she is thankful for this. The following day, she invites him for a drink, talks about filmmaking and asks him for money.

Robert decide descobrir mais sobre Veronika através de uma pesquisa nos arquivos do jornal local. Ele ouve de outra jornalista, Grete, que “atores são tolos, perdidos e vaidosos”. Mas ele enxerga humanidade em Veronika. Sua busca o leva até a clínica super branca da neurologista Marianne Katz (Annemarie Düringer), de quem Veronika é paciente. Mas ela não é uma paciente comum: a atriz está sob a influência e o controle da médica, numa relação realmente abusiva. 

Robert decides to learn more about Veronika by researching her at the local newspaper files. He hears from a fellow journalist, Grete, that “actors are foolish, lost and vain”. But he sees humanity in Veronika. His search takes him to the über-white practice of the neurologist Marianne Katz (Annemarie Düringer), who Veronika is seeing. She is not only a common patient: the actress is under the influence and control of the doctor, in a truly abusive relationship.

Veronika Voss está naquele momento crítico da carreira de uma atriz em que ela está perdendo papéis para mulheres mais jovens, mais belas e menos talentosas. Ela poderia ter uma rival na namorada de Robert, mas a moça não se preocupa com o interesse, quase obsessão, dele pela velha atriz. 

Veronika Voss is in that critical moment of an actress’ career when she is losing roles for younger, prettier and less talented women. She could have a rival in Robert’s girlfriend, but the lady has a no-nonsense attitude about his infatuation, basically an obsession, with the old actress.

Veronika Voss foi inspirada por uma figura real: Sybille Schmitz. Assim como Veronika, ela foi uma estrela dos estúdios da UFA no período nazista. Aos 18 Sybille começou a atuar no grupo de teatro de Max Reinhardt e papéis no cinema foram o caminho natural, incluindo em “O Vampiro” (1932), de Dreyer. Mesmo relegada aos papéis de femme fatales e mulheres estrangeiras, ela trabalhou sem parar no governo nazista, o que a levou a ser ostracizada após o fim da guerra. Ela cometeu suicídio aos 45 anos em Munique, onde estava vivendo numa clínica de uma médica que lhe fornecia morfina para aliviar as dores. 

Veronika Voss was inspired by an actual figure: Sybille Schmitz. Like Veronika, she was a star at UFA studios during the Nazi period. At 18 Sybille got her start in Max Reinhardt’s theater group and soon film roles followed, including in Dreyer’s “Vampyr” (1932). Even though she was relegated to roles of femme fatales or foreign women, she worked nonstop during Nazi rule, which contributed to her being ostracized once WWII was over. She committed suicide at age 45 in Munich, where she was living in a private clinic owned by a doctor who offered her morphine to ease the pains.  

Há alguns flashbacks no filme. Neles, tudo é luz e brilho. Há luz nos sets de filmagem de Veronika e na casa onde ela vivia com o marido. Eram tempos mais brilhantes, com certeza. O efeito foi obtido pelo diretor de fotografia Xaver Schwarsenberger, que trabalhou em mais de 100 filmes e dirigiu 53 títulos. 

There are some flashbacks in the movie. In them, everything is light and brightness. There are the lights in Veronika’s movie sets and in her house shared with her husband. Brighter times, for sure. The effect was achieved by cinematographer Xaver Schwarzenberger, who worked in more than 100 films and directed 53 titles.

A trilha sonora é por vezes brincalhona, por vezes sexy. Certamente nos envolve numa atmosfera. Mas não é o tipo de música associada com um filme sobre uma ex-estrela viciada em morfina. O compositor foi Peer Raben, que produziu alguns dos primeiros filmes de Fassbinder - os dois foram amantes por um tempo - antes de se tornar compositor. A música norte-americana também pode ser encontrada na trilha sonora, incluindo “Memories are made of this”, cantada de maneira sedutora por Rosel Zech.

The soundtrack is sometimes playful, sometimes sexy. It certainly involves us in an atmosphere. But it’s not the kind of music associated with a movie about a has-been star addicted to morphine. The composer was Peer Raben, who produced some of Fassbinder’s early movies - the two were lovers for a while - before becoming a composer. North American music can also be found on the soundtrack, including a rendition of “Memories are made of this” sung by Rosel Zech seductively.

A performance de Rosel Zech é esplêndida. Seus gestos, a maneira como ela fala e se move com rapidez, tudo aponta para uma Veronika que está à beira de um ataque de nervos. Zech marcou presença no teatro e na televisão, e no cinema é mais associada com o Novo Cinema Alemão. Ela também tem um papel em “Lola” de Fassbinder, feito um ano antes de “O Desespero de Veronika Voss”.  

Rosel Zech’s performance is splendid. Her mannerisms, the way she talks and moves quickly, all point out to her Veronika being on the verge of a nervous breakdown. Zech had a strong presence on theater and television, and in cinema is more associated with New German Cinema. She also appeared in Fassbinder’s “Lola”, made one year before “Veronika Voss”.

Num flashback o marido de Veronika diz que ela “precisa estar sempre produzindo”. O mesmo foi verdade para o diretor Rainer Werner Fassbinder. Eu disse anteriormente que este foi seu último filme. Bem, o último que estreou quando estava vivo. Ele faleceu em 1982 de uma overdose, aos 37 anos, depois de fazer mais de 40 filmes, além de 24 peças de teatro, dois seriados de TV, três curtas e quatro videoclipes!

In a flashback Veronika’s husband says she “needs to be always producing”. The same was true for director Rainer Werner Fassbinder. I told before that this is his last film. Well, the last released during his lifetime. He died in 1982 from an overdose, aged 37, after making more than 40 films, plus 24 plays, two television serials, three short films and four video productions!

“O Desespero de Veronika Voss” ganhou o Urso de Ouro do Festival Internacional de Cinema de Berlim e com certeza é um bom filme,  mas não o melhor. O único problema após rever o filme é esse: agora eu não sei o que dizer quando alguém me perguntar qual é meu filme favorito de Fassbinder! 

“Veronika Voss” won the Golden Bear at the Berlin International Film Festival and for sure it’s a good movie, not only the best. The only problem after this rewatch was this: now I don’t know what to say when someone asks me what is my favorite Fassbinder movie!

This is my contribution to the It Grew on Me blogathon, hosted by Rebecca at Taking Up Room.