A Flor que não Morreu (1959) / Green Mansions (1959)

 

De vez em quando as estrelas se alinham e dois de seus atores favoritos fazem um filme juntos. Isso foi o que aconteceu com “A Flor que não Morreu”, infelizmente considerado um dos piores filmes das carreiras de dois de meus favoritos: Audrey Hepburn e Anthony Perkins. Sim, eles só interagem pela primeira vez após mais de 30 minutos de projeção, mas a química entre eles não foi o que decepcionou a maioria da plateia e deu má fama ao filme. Vejamos o que aconteceu. 

Sometimes the stars align and two of your favorites make a movie together. This is what happened in “Green Mansions”, unfortunately considered one of the worst films in the careers of two of my favorites: Audrey Hepburn and Anthony Perkins. Yes, they only interact for the first time after the 30-minute mark, but their chemistry is not what displeased the majority of the audience and gave this movie bad fame. Let’s see what happened.

Somos informados de que no começo do século XX W.H. Hudson viveu nas selvas da Venezuela e contou ao mundo uma história de amor que se tornou um clássico contemporâneo. Ah… se a queda d’água nos créditos iniciais parece familiar, é porque também apareceu em “Up! - Altas Aventuras” da Disney - outro clássico contemporâneo.

We’re informed that in the early 20th century W.H. Hudson lived in the jungles of Venezuela and told the world a love story that became a modern classic. Oh…If the waterfall in the opening credits seems familiar, it’s because it was also portrayed in Disney’s “Up!” - another modern classic.

Abel (Anthony Perkins) é um homem da capital da Venezuela, Caracas, em busca de vingança. E para isso ele precisa de ouro. Embrenhando-se na floresta, ele é ao mesmo tempo salvo e capturado por um grupo de nativos. Como o filho do Chefe fala inglês, Abel não corre perigo. Na verdade, ele recebe uma missão: entrar na selva e matar o Espírito da Floresta. Enquanto ele está lá, é picado por uma cobra coral mas salvo por Rima (Audrey Hepburn). Levado até a cabana dela, Abel se recupera e começa a acreditar que o avô de Rima pode saber onde há ouro. 

Abel (Anthony Perkins) is a man from the capital of Venezuela, Caracas, who is looking for revenge. And for this he needs gold. Entering the innermost of the jungle, he is both saved and captured by a group of natives. Since the Chief’s son speaks English, Abel is in no danger. In fact, he receives a mission: to enter the jungle and kill the Spirit of the Forest. While he’s there, he’s bitten by a coral snake but saved by Rima (Audrey Hepburn). Taken to her hut, Abel recovers and starts to believe Rima’s grandfather may know where there’s gold.

Audrey Hepburn fez mais de uma dúzia de filmes antes de “A Flor que não Morreu” e ganhou o Oscar de Melhor Atriz por sua estreia em Hollywood, “A Princesa e o Plebeu” (1953). Anthony Perkins era uma estrela em ascensão, tendo estreado em 1953 com um papel em “Papai Não Quer”. Para fazer este filme, Hepburn recusou o papel principal em “O Diário de Anne Frank” (1959) e Perkins recusou um papel em “Quanto Mais Quente Melhor” (1959). A canção “Green Mansions” é cantada pelo próprio Perkins, que na época estava tentando uma carreira dupla como ator e cantor. E ele cantava muito bem!

Audrey Hepburn had made over a dozen films before “Green Mansions”, and won the Best Actress Oscar for her Hollywood debut “Roman Holiday” (1953). Anthony Perkins was a rising star, having debuted in 1953 with a role in “The Actress”. To appear in this film, Hepburn refused the lead role in “The Diary of Anne Frank” (1959) and Perkins refused a role in “Some Like It Hor” (1959). The song “Green Mansions” is sung by Perkins himself, who at the time was trying a double career as actor and singer. He is not bad at singing at all!

É estranho, entretanto, acreditar que nosso elenco é venezuelano. Isso fica mais difícil com os atores interpretando os nativos, como o japonês Sessue Hayakawa (abaixo) e Henry Silva, vindo do Brooklyn. A língua que eles falam é mais próxima do japonês do que das línguas dos nativos amazônicos. Bem, é a Velha Hollywood tratando quem é diferente como exótico mais uma vez. 

It’s weird, however, to believe our cast is Venezuelan. This gets even harder for the actors playing natives, such as the Japanese Sessue Hayakawa (below) and Brooklyn-born Henry Silva. Their spoken language is closer to Japanese than to the languages of Amazon natives. Well, it’s Old Hollywood treating the different people as exotic once again.

Aqui tenho uma surpresa agradável: uma “música especial” foi criada para o filme pelo meu conterrâneo Heitor Villa-Lobos. Deixe-me contar uma ou duas coisas sobre ele. O compositor de mais de duas mil obras começou tocando em cinemas no início do século XX. Seu trabalho foi influenciado tanto pela música europeia quanto pela música popular brasileira. Na verdade, Villa-Lobos baseou sua trilha para “A Flor que não Morreu” no livro que serviu de base para o filme, publicado em 1904. O compositor polonês Bronislau Kaper foi convidado a refazer a trilha, mas manteve alguns trechos de Villa-Lobos, que por sua vez apresentou sua composição completa mais tarde naquele ano em Nova York como a cantata Floresta do Amazonas.  

Here’s a welcome surprise: “special music” was created for the film by my fellow Brazilian Heitor Villa-Lobos. Let me tell you a thing or two about him. The composer of over 2,000 works started playing songs for films in the early 20th century. His work was influenced by both European music and Brazilian folk music. Villa-Lobos actually based his “Green Mansions” score on the 1904 source book, not the completed film. The Polish composer Bronislau Kaper was asked to do the complete score, but retained some of Villa-Lobos’ tunes, who in turn presented his full composition later that year in New York as the cantata Forest of the Amazon.

“A Flor que não Morreu” foi dirigido pelo então marido de Audrey, Mel Ferrer. Uma ideia de adaptação do livro nos anos 1930 com Dolores Del Rio foi desconsiderada. Vincente Minnelli foi depois considerado para dirigir, mas um teste mal sucedido com Pier Angeli como Rima fez com que Ferrer fosse escolhido no seu lugar. Ferrer viajou para a Venezuela e gravou uma hora de material que foi incorporado ao filme. “A Flor que não Morreu” seria o primeiro projeto com Ferrer dirigindo e Audrey estrelando, mas o fracasso comercial abortou o plano.

“Green Mansions” was directed by Audrey’s then-husband Mel Ferrer. An idea for an adaptation of the book in the 1930s with Dolores Del Rio was dropped. Vincente Minnelli was then attached to direct, but an unsuccessful test with Pier Angeli as Rima led to Ferrer being chosen instead. Ferrer traveled to Venezuela and shot one hour of material that was incorporated into the film as background. “Green Mansions” was supposed to be the first project with Ferrer directing and Hepburn starring, but the commercial failure aborted the plan.

Mais famoso que este filme é provavelmente o pequeno veado que Audrey adotou como mascote durante as filmagens. Ela o chamou de Pippin e várias fotos dos dois podem ser encontradas online. Mel Ferrer havia levado o animal à sua casa em Hollywood para deixá-lo acostumado com Hepburn nas cenas em que teriam de interagir.

More famous than this movie is probably the little fawn Audrey adopted as a pet while filming. She named it Pippin and several photos of the two can be found online. Mel Ferrer had brought the fawn to his Hollywood home to make it acquainted to Hepburn in the scenes in which they had to interact. 

Eu assisti à maioria dos filmes de Audrey Hepburn, escrevi sobre alguns deles e posso dizer que esse não é o pior da sua carreira - “Amor na Tarde” (1957), por exemplo, envelheceu muito mal. Há também muitos filmes modernos piores que este. O filme também recebe o crédito por ser o primeiro a utilizar o processo Panavision no cinema. E tem mais: com “A Flor que não Morreu”, uma história de amor que teria sido há muito esquecido foi imortalizada pelo cinema.

I’ve watched most of Audrey Hepburn’s movies, reviewed a good amount of them and can say that this isn’t her worst effort - “Love in the Afternoon” (1957), for example, aged awfully. There are plenty of modern movies worse than it, as well. The movie also gets the credit of debuting the Panavision process in cinema. And there’s more: with “Green Mansions”, a love story that would have been long forgotten was immortalized by cinema.

Para terminar este post, uma coisa diferente: quando eu comecei a explorar o YouTube, muitos anos atrás, fiz um par de vídeos explorando a carreira completa de algumas de minhas estrelas favoritas. Eu sempre quis fazer um para Audrey Hepburn. Esta semana encontrei o tempo e a motivação para fazê-lo. Então aqui está, “The Whole Career: Audrey Hepburn”. Vamos torcer para que eu não precise esperar mais 15 anos para fazer um destes vídeos! 

To finish this post, something different: when I started exploring YouTube, many years ago, I did a couple of videos showcasing the entire career of some of my favorite stars. I’ve always wanted to make one for Audrey Hepburn. This week I found the time and reason to do it. So here it is, “The Whole Career: Audrey Hepburn”. Let’s only hope I don’t wait 15 years to make another of these videos!

This is my contribution to the Audrey Hepburn blogathon, hosted by Maddy at Classic Film and TV Corner

Caminhando Sob a Chuva de Primavera (1970) / A Walk in the Spring Rain (1970)

 

Quando dois ícones do cinema se encontram, a Magia pode acontecer. Não estamos falando de “all-star movies”, mas do simples encontro de dois artistas celebrados. Como quando a ganhadora de três Oscars Ingrid Bergman (então com apenas dois prêmios) encontrou o ganhador de dois Oscars Anthony Quinn, ambos se aproximando do fim de suas carreiras - mas ainda tão bons como sempre foram. O filme em questão é “Caminhando Sob a Chuva de Primavera” (1970)

When two cinema icons meet, Magic can happen. We’re not talking about the “all-star movie”, but the simple encounter of two celebrated performers. Like when three-time Oscar winner Ingrid Bergman (then with only two awards under her belt) met the two-time Oscar winner Anthony Quinn, both nearing the end of their careers - but still as good as ever. The film was “A Walk in the Spring Rain” (1970).

O professor universitário Roger Meredith (Fritz Weaver) e sua esposa Libby (Ingrid Bergman) são aparentemente um casal feliz e têm uma filha que quer voltar a estudar para se tornar advogada, algo que seu pai desaprova. Aqui estamos: já com asco deste personagem. O casal decide tirar um ano sabático nas montanhas, por isso alugam uma cabana administrada por Will Cade (Anthony Quinn). O novo trio bebe e canta junto, Will consegue para o casal dois cabritinhos e tudo parece correr bem. Até que vem o choque.

College professor Roger Meredith (Fritz Weaver) and his wife Libby (Ingrid Bergman) are apparently happily married and have a daughter who wants to go back to school to become a lawyer, something her father disapproves of. Here we are: already disliking this character. The couple decides to spend a sabbatical in the mountains, so they rent a cabin managed by Will Cade (Anthony Quinn). The newly-formed trio drinks and sings songs together, Will gets them a couple of baby goats and everything seems to be alright. Until it isn’t.

Do jeito mais natural possível, numa conversa casual, Will diz a Libby que a ama. Ele não se importa se for um sentimento unilateral - tudo bem se o amor não for correspondido. O problema é que ela também sente algo mais por ele - mesmo eles podendo ser “amantes inadequados”. O problema maior é que o filho encrenqueiro dele vê os dois juntos.

In the most natural way, in a casual conversation, Will tells Libby that he loves her. He doesn’t care if it is a one-way infatuation - he’s fine even if she doesn’t love him back. The issue is that she also has feelings for him - even though they might be “unsuitable lovers”. The bigger issue is that his troublemaker son sees them together.

O arco narrativo de um filho não concordar com o relacionamento de seu pai ou mãe com outra pessoa é comum e pode ser encontrado em muitos livros, filmes e novelas. O personagem que aqui desaprova o romance alheio, o filho de Will, nos é apresentado rolando na neve durante uma briga causada por ciúmes. É outro personagem de quem não gostamos de cara.

The plot element of having someone’s child disapproving of the relationship between his/her father or mother with someone else is common and can be found in several books, movies and soap operas. The character here who is bitter with others’ romance, Will’s son, is first shown rolling in the snow in a fistfight over a woman. It’s another character who we dislike from the start.

Eu ri alto quando Libby contou para Will que seu marido está escrevendo um livro e o homem perguntou “para quê? Você já tem livros suficientes”. Estou fazendo um curso de escrita criativa e sei por experiência que nós escritores somos nossos primeiros leitores e mais severos críticos. Nós devemos escolher como contar uma história, que pode ter sido contada antes, e devemos julgar e validar nossas escolhas o tempo todo. Para fazer isso, devemos ser como Roger: leitores ávidos.

I laughed out loud when Libby tells Will that her husband is currently writing a book and the man asks “what for? You already have plenty”. I’ve been taking a course on writing and I know by experience that we writers are our own first readers and most severe critics. We must choose how to tell a story, sometimes a story already told before, and must judge and validate our choices all the time. To do this, we must be like Roger: avid readers.

Eu disse que nós instantaneamente detestamos Roger por causa de seus pensamentos retrógrados sobre a filha voltar a estudar depois de se casar e ter um filho. Mas Libby pensa igual, é o que é mostrado mais adiante no filme. Ela acredita que uma mulher deve contribuir para o casamento sendo uma boa esposa e mãe, não estudando e trabalhando. É o tipo de pensamento que poderia ser esperado de alguém nascido na década de 1910 - como é o caso tanto com Bergman quanto com Quinn -, conflitante com os valores e pensamentos da nova geração, representados pela filha (Katherine Crawford, nascida em 1944). Mas há outra razão para Libby não aprovar o plano da filha: se ela voltar a estudar, Libby vai ter que se dedicar o tempo todo aos cuidados com o neto, e ela quer ser livre, não uma cuidadora. O buraco é mais embaixo.

I’ve said that we instantly hate Roger for his retrograde thoughts about his daughter going back to school after getting married and having a child. But Libby thinks the same, we learn later in the film. She thinks a woman must contribute to a marriage by being a good wife and mother, not studying or working. It’s the kind of thinking that could be expected from someone born in the 1910s - the case with both Bergman and Quinn -, clashing with the values and thoughts of the new generation, represented by the daughter (Katherine Crawford, born in 1944). But there is another reason for Libby to disapprove of her daughter’s plan: if she starts studying again, Libby will have to take full-time care of her grandson, and she wants to be free, not a caretaker. The plot thickens.

Os músicos responsáveis pela música-título foram Elmer Bernstein - que não era parente de Leonard Bernstein, apenas amigo - e Don Black. A carreira de Bernstein durou cinco décadas e ele escreveu quase 200 trilhas para o cinema e a TV. Em 1970 já era ganhador do Oscar, pelo delicioso e pouco conhecido musical “Positivamente Millie” (1967).  Don Black, que em 1970 já havia escrito a música-tema de três filmes de 007 e do faroeste “Bravura Indômita” (1969), trabalhou no teatro musical junto a Andrew Lloyd Weber.

The musicians responsible for the title song were Elmer Bernstein - not related to Leonard Bernstein, though they were friends - and Don Black. Bernstein’s career spanned five decades and he wrote nearly 200 movie and TV soundtracks. By 1970 he was already an Oscar winner, for the delightful and underrated musical “Thoroughly Modern Millie” (1967). Don Black, who by 1970 had written theme songs for three 007 movies and the western “True Grit” (1969), worked closely on musical theatre with Andrew Lloyd Weber. 

Bergman e Quinn já haviam feito juntos “A Visita”, de 1964, e é só por causa de seus talentos que “Caminhando Sob a Chuva de Primavera” escapa de ser um melodrama esquecível. O romance é bom, o perigo, palpável, e o discurso quase-feminista, basicamente jogado para escanteio. Mas é um filme que merece ser visto, graças ao talento de Anthony Quinn e, em especial, da incrível Ingrid Bergman.  

Bergman and Quinn had already starred together in 1964’s “The Visit”, and it’s only because of their talents that “A Walk in the Spring Rain” escapes from being a forgettable melodrama. The romance is nice, the danger, tangible, and the quasi-feminist discourse, basically wasted. But it’s a film worth watching, thanks to Anthony Quinn and, especially, the amazing Ingrid Bergman.

This is my contribution to the 110 Years of Ingrid Bergman blogathon, hosted by Virginie at The Wonderful World of Cinema.

Na Noite do Passado (1942) / Random Harvest (1942)

 

Um dos filmes mais românticos de todos os tempos e o filme favorito do grande Gene Wilder, “Na Noite do Passado” é um filme cuja existência eu conhecia já há algum tempo. Com minhas Resoluções de Ano Novo de 2024, finalmente assisti a ele pela primeira vez - e foi ótimo! Trata-se realmente de um filme tocante, que brinca com nossas emoções sem nos incomodar e nos faz suspirar em muitas ocasiões.

One of the most romantic movies of all times and the favorite movie of the great Gene Wilder, “Random Harvest” has been on my radar for quite some time. With my 2024 New Year Resolutions, I finally watched it for the first time - and had a blast! It’s really a touching movie, one that plays with our emotions without us getting upset and makes us swoon in many occasions.

Outono de 1918. Smith (Ronald Colman) está internado num hospício na Inglaterra, porque ele perdeu a memória durante a guerra e desenvolveu também um problema de fala. No Dia do Armistício, ele sai para a rua e conhece a artista Paula (Greer Garson). O dono do grupo de teatro do qual Paula faz parte não aceita Smith, temendo que ele seja um lunático perigoso. Paula e Smith seguem então para o campo.

Autumn, 1918. Smith (Ronald Colman) is staying in an asylum in England, because he lost his memory during the war and developed a speech issue. On Armistice Day, he goes to the streets and meets the artist Paula (Greer Garson). The owner of the theater group Paula works with doesn’t accept Smith, afraid that he is a dangerous lunatic. Paula and Smith leave for the countryside.

O namoro é breve e eles se casam. Smith consegue um emprego escrevendo para um jornal e o casal tem um filho, batizado de “John” como o pai. Tudo vai bem, até que Smith é atropelado por um carro... e recobra a memória. Ele se esquece de Paula e do pequeno Johnny e volta para sua velha mansão, onde descobre que seu pai havia falecido e que ele, Charles Rainier, herdou o local. Rainier se transforma no “Príncipe da Indústria” e, depois de ver a foto dele no jornal, Paula se torna sua secretária, sob o nome de senhorita Hanson. Ela espera que ele se lembre dos anos que passaram juntos, mas a única coisa que acontece é que ele vai se casar com outra mulher, Kitty (Susan Peters). Será que ele vai se lembrar da noite do passado antes que seja tarde?

The courtship is brief and they are married. Smith gets a job writing for a newspaper and the couple has a son, named “John” after the father. Everything is fine, until Smith is hit by a car… and recovers his memory. He forgets all about Paula and Little Johnny and goes back to his old mansion, where he finds out his father has died and he, Charles Rainier, inherited the place. Rainier becomes “The Industrial Prince” and, after seeing his picture in the newspaper, Paula becomes his secretary, under the name Miss Hanson. She’s waiting for him to remember their years together, but the only thing that is happening is that he’s getting married to another woman, Kitty (Susan Peters). Will he remember it all before it’s too late?

Em 1942 Greer Garson fez dois filmes, este e “Rosa de Esperança”, pelo qual ela ganhou o Oscar de Melhor Atriz. Nascida em Londres, Garson começou sua carreira como atriz nos palcos em 1932 e fez seu primeiro filme em Hollywood em 1939. “Rosa de Esperança” não deu a ela apenas um Oscar, mas também um marido: em 1943 ela se casou com Richard Ney, que era 12 anos mais novo que ela e havia interpretado seu filho no filme. O casamento durou quatro anos e Ney abandonou o cinema nos anos 60. Garson trabalhou até o fim dos anos 70 tanto no cinema quanto na televisão.

In 1942 Greer Garson appeared in two films, this one and “Mrs. Miniver”, for which she won a Best Actress Oscar. Born in London, Garson had started her career on stage in 1932 and made her first Hollywood movie in 1939. “Mrs. Miniver” didn’t give her only an Oscar, but also a husband: in 1943 she married Richard Ney, who was 12 years her junior and had played her son in the movie. The marriage lasted four years and Ney abandoned cinema in the 1960s. Garson worked until the late 1970s on both film and TV.

Ronald Colman ganharia seu Oscar cinco anos depois, mesmo tendo sido indicado a um por “Na Noite do Passado”. Nascido na Inglaterra como Garson, ele fez sua primeira peça de teatro em 1914, aos 23 anos. Assim como seu personagem Smithy, ele lutou na Primeira Guerra Mundial e foi ferido em batalha. Ele voltou para os palcos e fez seu primeiro curta na Inglaterra em 1917. Sua estreia em Hollywood em 1923, “Irmã Branca”, fez dele uma estrela do dia para a noite e daí em diante ele fez 61 filmes e programas de TV, até sua performance final em “A História da Humanidade” (1957).

Ronald Colman would win his Oscar five years later, even though he was nominated for one for “Random Harvest”. Born in England like Garson, he appeared in his first play in 1914, aged 23. Like his character Smithy, he fought in World War I and was wounded in battle. He returned to the stage and made his first short film in England in 1917. His Hollywood debut in 1923, “The White Sister”, made him a star overnight and from then on he appeared in 61 films and TV shows, until his last performance in “The Story of Mankind” (1957).

Uma atriz que merece ser destacada é Susan Peters. Sua carreira havia começado em 1940 e por “Na Noite do Passado” ela recebeu sua única indicação ao Oscar na categoria Atriz Coadjuvante. Seu mentor, George Cukor, disse que ela o lembrava de uma jovem Katharine Hepburn. Infelizmente, sua vida foi interrompida por uma tragédia: no Ano Novo de 1945, ela sofreu um acidente enquanto caçava e ficou paraplégica. Ela recebeu e recusou várias propostas da MGM por não querer interpretar heroínas paralisadas. Ela teve uma volta aos filmes em 1948 no papel de uma vilã, mas sua saúde estava frágil e ela ficava sem comer com frequência. Peters faleceu em 1952, aos 31 anos de idade. Greer Garson e Ronald Colman estavam entre as estrelas que compareceram ao seu funeral.

One performer to highlight is Susan Peters. Her career in film had started in 1940 and for “Random Harvest” she received her only Oscar nomination in the Best Supporting Actress category. Her mentor, George Cukor, said she reminded him of a young Katharine Hepburn. Unfortunately, her life was cut short by a tragedy: on New Year’s Day of 1945, she suffered an accident while hunting and was left paraplegic. She received and refused several scripts from MGM, not wanting to play paralyzed heroines. She made a comeback in 1948 in the role of a villain, but her health declined as she started starving herself. Peters died in 1952, aged 31. Greer Garson and Ronald Colman were among those who attended her funeral.

O diretor Mervin LeRoy nasceu em San Francisco em 1900, sobreviveu junto com seu pai ao terremoto de 1906 na cidade, e despontou no vaudeville como imitador de Chaplin. Aos 19 anos, ele pela primeira vez trabalhou em um filme, e ficou intrigado por todas as técnicas cinematográficas. Ele faria 11 filmes como ator entre 1922 e 1946. Ele trabalhou dobrando figurinos, como técnico de laboratório, assistente de câmera e escritor de gags antes de dirigir seu primeiro filme em 1927. Seu período de maior sucesso foram os anos 1930, mas ele seguiu dirigindo até 1968.

Director Mervin LeRoy was born in San Francisco in 1900, survived with his father the 1906 earthquake in the city, and appeared on vaudeville as a Chaplin impersonator. At 19, he experienced working on cinema for the first time, and became intrigued by the whole modus operandi. He would appear in 11 films as an actor between 1922 and 1946. He worked folding costumes, as a lab technician, assistant cameraman and gag man before directing his first film in 1927. His most successful period was the 1930s, when he worked for Warner Bros, but he directed until 1968.

Um filme cheio de surpresas, do começo ao fim, “Na Noite do Passado” é um verdadeiro tesouro. Sua cena final nos lembra de outro lacrimoso fim: o de “Luzes da Cidade” (1931) de Chaplin. Na trigésima sexta posição na lista de filmes mais românticos do Instituto de Cinema Americano, “Na Noite do Passado” é mais que um filme: é uma experiência que brinca com tudo o que pensamos que sabemos sobre amor.

A film full of surprises, from start to finish, “Random Harvest” is truly a gem. Its end scene reminds us of another teary famous ending: Chaplin’s “City Lights” (1931). Appearing as the 36^th film in the AFI list of Most Romantic films of all time, “Random Harvest” is more than a film: is an experience that plays with all we think we know about love.

O Ponteiro da Saudade (1945) / The Clock (1945)

 

Ela tinha 23 anos e estava apaixonada quando chegou a oportunidade de mostrar que ela era mais que uma carinha bonita com uma voz maravilhosa. Estamos falando de Judy Garland e seu filme romântico “O Ponteiro da Saudade” (1945).

 

She was twenty-three and in love when the opportunity arrived to show that she was more than a pretty face with a marvelous voice. We are talking about Judy Garland and her 1945 romantic movie “The Clock”.

Joe Allen (Robert Walker) é um soldado que tem dois dias de licença para explorer Nova York. Ele sequer havia deixado a estação de trem Pennsylvania Station quando Alice (Judy Garland) tropeça nele e quebra o salto do sapato. Você sabe, o jeito mais fofo de conhecer alguém. Ele a ajuda a consertar o sapato, e os dois passeiam juntos naquela tarde de domingo, indo ao Zoológico do Central Park e ao Metropolitan Museum of Art. Eles combinam de se encontrar novamente naquela noite.

 

Joe Allen (Robert Walker) is a soldier during his two-day leave in New York. He hasn’t left the Pennsylvania Station when Alice (Judy Garland) stumbles upon him and breaks the heel in her shoe. You know, it’s just the cutest of all meet-cutes. He helps her repair the shoe, and the two hang out that Sunday afternoon, going to the Central Park Zoo and the Metropolitan Museum of Art. They agree to meet again that night.

A colega de quarto de Alice, Helen (Ruth Brady), não se mostra animada quando ouve que Alice conheceu um soldado e vai sair com ele. Helen quase convence Alice a nunca mais ver Joe, mas o coração da garota fala mais alto e eles partem juntos em uma aventura.

 

Alice’s flatmate Helen (Ruth Brady) is less than thrilled when she hears that Alice met a soldier and is going out with him. Helen almost convinces Alice to never see Joe again, but the girl’s heart speaks louder and they go on an adventure together.

Se a premissa deste filme soa familiar, é porque você é fã de cinema clássico. Ela de fato tem coisas em comum com o filme musical de 1949 “Um Dia em Nova York”, que tem três marinheiros numa licença de dois dias explorando e se apaixonando em Nova York. O musical original “On the Town” estreou na Broadway em 1944.

 

If the premise of this movie sounds familiar, it’s because you’re a classic film fan. It indeed shares similarities with the 1949 musical movie “On the Town”, that has three sailors on a two-day leave enjoying life and love in New York. The original musical “On the Town” opened on Broadway in 1944.

“O Ponteiro da Saudade” é baseado numa história de Paul e Pauline Gallico. A dupla com um nome auspicioso vendeu a história antes da publicação para o produtor Arthur Freed, que sabia que Judy Garland estava à procura de um papel mais dramático, e mostrou à estrela a história. Ela gravou algumas cenas com o diretor Fred Zinnemann mas não ficou feliz com o resultado. Ela então pediu que Vincente Minnelli fosse o diretor, e durante as filmagens o romance entre os dois se aprofundou. Eles se casaram após o fim das filmagens.

 

“The Clock” is based on a story by Paul and Pauline Gallico. The duo with an auspicious name sold their unpublished story to producer Arthur Freed, who knew Judy Garland was looking for a more dramatic role to play, and showed her the story. She shot some scenes with director Fred Zinnemann but wasn’t happy with the results. She then asked for Vincente Minnelli to direct the movie, and throughout filming their romance blossomed. They got married after the film wrapped.

Roubando a cena exatamente na metade do filme como um bêbado inconveniente – numa cena gravada num impressionante take contínuo – temos Keenan Wynn. Um prolífico ator coadjuvante, Wynn nasceu em Nova York em 1916, filho de um ator de vaudeville, Ed Wynn. Como contratado da MGM nas décadas de 1940 e 1950 e depois como ator convidado na TV, ele apareceu em quase 300 produções.

 

Stealing the scene exactly halfway through the movie as an inconvenient drunk – in a scene recorded in an impressive countinuous shot – we have Keenan Wynn. A prolific character actor, Wynn was born in New York City in 1916, the son of a vaudeville actor, Ed Wynn. As a contract player on MGM in the 1940s and 1950s and later as a TV guest star, he appeared in almost 300 productions.

Ambos os protagonistas de “O Ponteiro da Saudade” tiveram vidas tragicamente curtas. Robert Walker tinha recebido a notícia, logo antes do começo das filmagens, de que sua esposa Jennifer Jones o estava deixando para se casar com o produtor David O. Selznick. Walker recorreu à bebida para esquecer sua dor e não era raro que Judy Garland o encontrasse bêbado à noite num bar próximo do estúdio. Ele morreria em 1951, aos 32 anos. Durante as filmagens de “O Ponteiro da Saudade”, Garland ficou mais viciada nas pílulas que o estúdio lhe dava para manter o peso. Ela morreria em 1969, aos 47 anos.

 

Both leads of “The Clock” had tragically short lives. Robert Walker had learned, just before the shooting of this film started, that his wife Jennifer Jones was leaving him to marry producer David O. Selznick. Walker drank to forget his sorrows and it wasn’t rare for Judy Garland to find him drunk at night in a bar near the studio. He would die in 1951, aged 32. During filming “The Clock”, Garland got more and more addicted to the prescription drugs she was given by the studio to keep her figure. She would die in 1969, aged 47.

Alguns detalhes no enredo não fariam sentido hoje, quando quase todo mundo tem um smartphone. O aparelho ajudaria Alice a avisar Joe que se atrasaria para o encontro debaixo do relógio no Hotel Astor, e todo o problema do casal separado no metrô seria resolvido com uma troca de mensagens de texto.

 

Some plot points wouldn’t make sense today, now that almost everybody has a smartphone. The device would help Alice tell Joe that she would be late for their encounter under the clock on the Astor Hotel, and the whole problem of the two separated in the subway could be solved with an exchange of text messages.

O título no Brasil para este filme é “O Ponteiro da Saudade”. “Saudade” é uma palavra que só existe em português. Quando Joe e Alice se separam, uma separação inevitável que o filme todo vinha anunciando, é isso que permanece: saudade. Para nós, que apreciamos uma hora e meia de um adorável romance, o que sobre é o desejo de que eles se verão novamente. Só nos resta esta esperança.

 

The title in Brazil for this film is “O Ponteiro da Saudade”. “Saudade” is a word that exists only in Portuguese and means something like longing and missing something or someone. When Joe and Alice part, an inevitable separation that the whole movie had been announcing, is this that remains: saudade. For us, who enjoyed an hour and a half of a lovely romance, what remains is the wish that they will be reunited. We can only hope.

 

This is my contribution to the Third Judy Garland blogathon, hostred by Crystal and Kristen at In the Good Old Days of Classic Hollywood and Hoofers and Honeys.

Os Três Xarás (1951) / Three Guys Named Mike (1951)

 

Taí uma coisa que não vemos mais com frequência: garotas querendo ser comissárias de bordo. No passado, essa era uma das profissões com que as meninas e moças mais sonhavam – isto é, até que elas se casassem e se aposentassem para formar uma família. Havia um certo glamour no ato de voar e em ajudar as pessoas a ficarem confortáveis quando estavam no ar. Nos anos 1950, ser uma comissária de bordo era o sonho de muitas, incluindo o da protagonista de “Os Três Xarás” (1951) – e  foi voando que ela conheceu os três Mikes que mudariam sua vida.

Here’s something we don’t see a lot of anymore: girls wanting to become flight attendants. In the past, it was one of the most dreamed-about careers for girls and young women – that is, until they got married and retired for family life. There was a certain glamour in flying and helping people feel comfortable in the air. In the 1950s, being a flight attendant was a dream for many, including from the lead of “Three Guys Named Mike” (1951) – and it was because of flying that she got to know the three Mikes who would change her life.

Marcy Lewis (Jane Wyman) deixa sua cidade natal para ir rumo a Chicago para se tornar aeromoça. Seus estudos vão bem, e as aventuras de verdade se iniciam quando ela começa a voar. Indo para seu primeiríssimo voo, o táxi em que ela está quebra e ela pega uma carona com Mike Jamison (Howard Keel), que não conta a ela que ele é piloto de avião. Sem saber da profissão dele, enquanto eles conversam, Marcy diz a ele que aeromoças são as mais importantes num voo, porque pilotos são “apenas choferes”. Eles se encontram novamente dentro do avião.

Marcy Lewis (Jane Wyman) leaves her hometown to go to Chicago to become a stewardess. Her studies go smooth, the real adventures begin when she starts flying. On the way to her first flight ever, her cab breaks on the road and she takes a lift with Mike Jamison (Howard Keel), who doesn’t tell her he’s an airplane pilot. Without knowing his real profession, while making small talk Marcy tells him that stewardesses are the most important in a flight, because pilots are “only chauffeurs”. They meet again inside the plane.

O primeiro voo de Marcy é um desastre. Ela não somente não se dá bem com Mike Jamison, mas também esquece de pegar a comida para os passageiros do voo e o avião tem de voltar em busca das refeições. Felizmente Marcy não é demitida e começa a voar constantemente com Jamison, de quem se torna amiga. É por isso que Jamison se entristece quando Marcy passa a fazer outra rota, Chicago-Los Angeles, junto a uma velha amiga da escola de aeromoças.

Marcy’s first flight is a disaster. Not only she doesn’t get along with Mike Jamison, but she also forgets to furnish the plane with food and they have to go back to fetch the food. Luckily, Marcy is not fired and starts flying constantly alongside Jamison, developing camaraderie with him. That’s why Jamison gets sad when Marcy is assigned for a new route, Chicago-Los Angeles, and reunited with a friend from stewardess school.

Em sua nova rota Marcy conhece Mike Lawrence (Van Johnson) e com ele ela ajuda uma garotinha que não conseguia dormir durante o voo. A amiga de Marcy acredita que Lawrence é um “VIP”, mas na verdade ele é um cientista que trabalha também como bartender, e Marcy o encontra novamente em um restaurente. Agora, com três amigas, Marcy decide alugar uma casa em Los Angeles. Entra aí Mike Tracy (Barry Sullivan), um publicitário que ajuda Marcy na estrada (de novo um problema motor) e mais tarde a encontra no aeroporto.

In her new route, Marcy meets Mike Lawrence (Van Johnson) and with him she helps a little girl who can’t sleep during the flight. Marcy’s friend believes Lawrence is a “VIP”, but he actually is scientist with a side job as a bartender, who Marcy meets again at a restaurant. Now, with three of her friends, Marcy decides to rent a house in Los Angeles. Enters Mike Tracy (Barry Sullivan), an advertisement man who helps Marcy on the road (again a car issue) and later meets her at the airport.

Os três Mikes se encontram quando eles ajudam Marcy com a mudança. A confusão e o ciúme são imediatos. E as coisas definitivamente não ficam mais fáceis quando Marcy se envolve com uma das campanhas publicitárias depois de ter uma ideia brilhante.

The three Mikes meet when they help Marcy with the moving. The confusion and jealousy is instantaneous. And things definetely don’t get any easier when Marcy gets involved in one of Mike Tracy’s advertising campaign after having a brilliant idea.

Aeromoças – ou comissárias de bordo, como elas são conhecidas agora – têm de lidar com muitos problemas. Elas têm que se certificar de que todos estão confortáveis dentro do avião, às vezes lidando com uma criança (ou adulto!) com medo ou com alguém que fica nervoso voando. Elas precisam ser sempre calmas e educadas, mesmo quando há algo errado com o avião. Elas também precisam lidar com passageiros paqueradores, algo que é visto em “Os Três Xarás” como uma piada, mas essa “piada” pode ser bem desagradável.

Stewardesses – or flight attendants, as they are known now – have to deal with many issues. They have to make sure that everybody was comfortable inside the plane, sometimes dealing with a scared child (or adult!) or a nervous flier. They have to be always calm and polite, even when there is something wrong with the plane. They also have to deal with passengers hitting on them, something that is shown in “Three Guys Named Mike” as a joke, but this “joke” can be quite unpleasant.   

Uma surpresa nos créditos iniciais: quem escreveu o roteiro foi Sidney Sheldon, que se tornaria um famoso romancista nas décadas seguintes, baseado numa história de Ruth Brooks Flippen. Este é o primeiro crédito de escrita de Ruth, e ela teria ainda uma longa carreira na televisão, escrevendo para séries como “Gidget”, “A Feiticeira” e “The Brady Bunch”. A história de Ruth, por sua vez, foi baseada numa sugestão feita pela aeromoça na vida real Ethel Wells.

A surprise in the opening credits: who wrote the screenplay was Sidney Sheldon, who would become a famous novelist in the following decades, based on a story by Ruth Brooks Flippen. This is Ruth’s first writing credit, and she would go on to have a long career on television, writing for shows such as “Gidget”, “Bewitched” and “The Brady Bunch”. Ruth’s story, in turn, was based on a suggestion made by real-life stewardess Ethel Wells.

Devo confessar que, dos três Mikes, eu estava torcendo pelo que era interpretado por Van Johnson. O que realmente me pegou foi seu discurso sobre ser professor: como ser professor é o mais próximo que alguém chega da imortalidade, como uma coisa simples dita numa aula pode mudar a vida de alguém para sempre. Como filha de professora e alguém cuja vida foi mudada por alguns professores, posso dizer que este discurso todo é verdade, além de muito romântico. Claro, Mike Jamison também tem um bom discurso, sobre como ele não quer perder nada da vida, mas o discurso de Mike Lawrence me toca mais profundamente.

I have to confess that, from the three Mikes, I was rooting for the one played by Van Johnson. What really got me was his speech about teaching: how teaching is the closest from immortality that you can get, how a simple thing you say in a class might change someone’s life forever. As the daughter of a teacher and someone whose life was changed by a few teachers, I can say that his whole speech is true, and very romantic as well. Of course, Mike Jamison also has a good speech, about how he doesn’t want to miss a thing in life, but Mike Lawrence’s touches me deeper.

“Os Três Xarás” é um filme divertido, perfeito para um fim de semana ou uma tarde preguiçosa. Ele quse me fez sonhar em ser aeromoça! Ele também me lembrou, em alguns momentos, de uma das minhas séries de TV preferidas, “Crazy Ex-Girlfriend”, na qual uma garota tem três potenciais namorados. Marcy pode não ter a mesma energia caótica de Rebecca Bunch, e trata-se de um filme da década de 1950, o que significa que no final Marcy terá de escolher um dos três Mikes. Fico feliz que nós, o público, não tenhamos que escolher.

“Three Guys Named Mike” is a funny movie, perfect for a lazy weekend or evening. It almost made me dream about being a flight attendant! It also reminded me, in moments, of one of my favorite TV shows, “Crazy Ex-Girlfriend”, where a girl has three potential lovers. Marcy may not have Rebecca Bunch’s chaotic energy, and it’s a film from the 1950s, which means that in the end Marcy will have to choose one of the three Mikes. I’m glad we, the audience, don’t have to choose.

This is my contribution to the Sixth Annual Van Johnson blogathon, hosted by Michaela at Love Letters to Old Hollywood.