Seu Último Refúgio (1941) / High Sierra (1941)

 

Algumas estrelas da Velha Hollywood são tão icônicas que é difícil para nós imaginarmos como eles eram antes de serem estrelas. Tomemos como exemplo Humphrey Bogart. O ator de cinema clássico mais icônico, de acordo com uma lista do Instituto de Cinema Norte-americano (AFI), começou no cinema em 1928, mas foi só em 1941 que ele se tornou uma superestrela. Hoje falaremos sobre seu último filme antes desta mudança de status.

Some old Hollywood stars are so iconic that it’s difficult for us to imagine them as they were when they weren’t yet stars. Take Humphrey Bogart, for instance. The most iconic classic film star, according to an American Film Institute (AFI) list, started appearing in films in 1928 but it wasn’t until 1941 that he became a superstar. Today we talk about his last film before this change of status.

Roy Earle (Humphrey Bogart) foi solto da prisão após oito anos encarcerado. Ele teve seu tempo perdoado, mas não vai ficar muito tempo longe do crime. Ele logo vai para um acampamento onde dois homens estão esperando por ele para começar um esquema. Junto com estes dois homens está Marie Garson (Ida Lupino), que se apaixona por Roy. O plano é roubar um resort turístico na Califórnia.

Roy Earle (Humphrey Bogart) has been freed after eight years in prison. He has been pardoned but he won’t stay away from crime for too long. He quickly goes to a camping site where two fellows are waiting for him to start a scheme. Together with those fellows is Marie Garson (Ida Lupino), who falls for Roy. The plan is to rob a touristic resort in California.

Na estrada, Roy conhece o Pai (Henry Travers), a Mãe (Elisabeth Risdon) e a neta deles, Velma (Joan Leslie). Eles se tornam amigos e Roy arranja uma cirurgia para Velma, cirurgia esta que fará com que ela pare de mancar. Roy se apaixona por Velma, mesmo parecendo velho demais para ela. Joan Leslie era 25 anos mais nova que Bogart, e isso fica evidente na tela.

On the road, Roy meets Pa (Henry Travers), Ma (Elisabeth Risdon) and their granddaughter Velma (Joan Leslie). They all become friends and Roy arranges for Velma to undergo a surgery on her foot that will make her limp go away. Roy falls in love with Velma, even though he seems too old for her. Joan Leslie was 25 years younger than Bogart, and it shows on screen.

O clímax acontece nas Montanhas Rochosas da Califórnia. O diretor Raoul Walsh disse que a perseguição climática foi a sequência mais longa que ele dirigiu em toda sua carreira. A sequência foi filmada no Monte Whitney, Califórnia, que chega à altura máxima de mais de 4200 metros!

The climax happens in the Rocky Mountains of California. Director Raoul Walsh said that the climatic chase was the longest sequence he ever directed. The sequence was shot at Mount Whitney, California, where the maximum height is 14,505 feet - more than 4,200 meters!

Algernon é o único personagem negro no filme, e também o alívio cômico. Ele fica vesgo e fala de maneira melódica, sendo um perfeito estereótipo ambulante. Algernon é interpretado por Willie Best, que tem aqui seu papel mais lembrado. Willie era motorista e, visitando a Califórnia com seus patrões, decidiu ficar e tentar uma carreira no show business. Bob Hope disse que Willie Best foi um dos atores mais talentosos com quem ele trabalhou.

Algernon is the only black character in the film, and also the comic relief. He crosses his eyes and talks in a melodic gibberish, being a perfect walking stereotype. Algernon is played by Willie Best, who has here his best remembered role. Willie had been a chauffeur and, visiting California with his employers, decided to stay and pursue a career in show business. Bob Hope said Willie Best was one of the most talented actors he had ever worked with.

O nome de Ida Lupino é o primeiro nos créditos, vindo até mesmo antes do de Bogart. Em “Seu Último Refúgio”, sua personagem é menos uma femme fatale que uma gun moll - isto é, a mulher do gângster. Ela é cúmplice do roubo; ela também é uma salafrária, mas sentimos simpatia por ela. Dizem que Bogart não ficou feliz com o segundo lugar nos créditos, e de fato “Seu Último Refúgio” foi o último filme em que seu nome não abriu os créditos.

Ida Lupino is first billed - her name comes even before Bogart’s. In “High Sierra”, her character is less of a femme fatale than of a gun moll - that is, the gangster’s girl. She’s an accomplice in the robbery; she’s also a crook, but we feel sympathy for her. Bogart was said to be unhappy about receiving second billing, and indeed “High Sierra” was the last film in which he wasn’t first billed.

O papel de Roy Earle deveria ir ou para Paul Muni ou para George Raft. Muni deixou a Warner Brothers e Raft recusou o papel. James Cagney também recusou o papel e Edward G. Robinson foi brevemente considerado. Bogart, que vinha mandando diversos telegrams para o chefe do estúdio pedindo o papel, teve seu esforço recompensado e foi escalado como Roy, o que mudou sua carreira para sempre. John Huston declarou, sobre como Bogie incorporou o personagem: “Bogie era um homem de estatura média, não particularmente impressionante fora das telas, mas algo acontecia quando ele estava interpretando o papel certo. Aquelas luzes e sombras companhias outra personalidade, mais nobre: heróica, como em “Seu Último Refúgio”. Eu juro que a câmera tem uma maneira de olhar para uma pessoa e perceber coisas que não são registradas a olho nu”.

The role of Roy Earle was supposed to go either to Paul Muni or George Raft. Muni left Warner Brothers and Raft turned down the role. James Cagney also turned down the role and Edward G. Robinson was briefly considered. Bogart, who had been sending several telegrams to the studio head requesting the role, had his effort pay off and was cast as Roy, something that changed his career forever. John Huston said about how Bogie approached the role: “Bogie was a medium-sized man, not particularly impressive off-screen, but something happened when he was playing the right part. Those lights and shadows composed themselves into another, nobler personality: heroic, as in 'High Sierra'. I swear the camera has a way of looking into a person and perceiving things that the naked eye doesn't register."

O roteiro foi escrito por W.R. Burnett e John Huston, baseado num livro de Burnett. A primeira versão do roteiro foi escrita somente para Huston, mas Paul Muni, que deveria ser o protagonista naquele momento, não gostou do roteiro, por isso o estúdio trouxe o autor do livro para co-escrever uma segunda versão, que também não agradou a Muni. John Huston, antes de se tornar diretor, já havia viajado pela Europa e Estados Unidos, e tentou ser pintor e repórter de jornal antes de dirigir seus esforços para o cinema, onde trabalhou como ator, roteirista, produtor e diretor.

The screenplay was written by W.R. Burnett and John Huston, based on a novel by Burnett. The first version of the screenplay was written solely by Huston, but Paul Muni, who was set to star in the film at that point, disliked the screenplay, so the studio brought the author of the book to co-write a second version, that was also disapproved by Muni. John Huston, before becoming a director, had already traveled through the USA and Europe, and tried painting and newspaper reporting before dedicating his efforts to cinema, where he worked as actor, screenwriter, producer and director.

O diretor de “Seu Último Refúgio” é Raoul Walsh. Alguns podem dizer que os heróis de Walsh são não-conformistas egoístas, e isso é verdade. O filme mais famoso de Walsh é “Fúria Sanguinária” (1949), e o personagem de James Cagney neste filme de fato pode ser descrito como acima. Além de filmes de crime, Walsh dirigiu “O Ladrão de Bagdá” (1924) com Douglas Fairbanks e 140 outros títulos, numa carreira que durou de 1913 a 1964. Fato interessante: Raoul Walsh perdeu um olho num acidente de carro envolvendo uma lebre, e em “Seu Último Refúgio” uma lebre quase causa um acidente de carro.

The director of “High Sierra” is Raoul Walsh. Some may say that Walsh’s heroes are egoist non-conformists, and that’s true. Walsh’s most famous movie is “White Heat” (1949), and James Cagney’s character in this movie falls indeed in this description. Apart from crime films, Walsh directed “The Thief of Bagdad” (1924) with Douglas Fairbanks and 140 other titles, in a career that lasted from 1913 to 1964. Interesting tidbit: Raoul Walsh lost an eye in an car accident with a jackrabbit, and in “High Sierra” a jackrabbit almost causes a car accident.

Como um filme de gângster mas com algumas características de filme noir, “Seu Último Refúgio” não desaponta. Venha por causa de Bogart, fique por Ida Lupino e você terá uma boa surpresa.

Like a gangster movie but with some film noir characteristics, “High Sierra” didn’t disappoint. Come for Humphrey Bogart, stay for Ida Lupino and you’ll be in for a treat.

O Homem que Vendeu a Alma (1941) / All That Money Can Buy (1941) (aka The Devil and Daniel Webster)

 

Bernard Herrmann é considerado um dos melhores compositores da história do cinema. Tendo trabalhado como compositor em 90 filmes – alguns deles feitos após sua morte usando sua música – é surpreendente que ele tenha sido indicado ao Oscar apenas cinco vezes – nenhuma delas por trabalhos nos filmes de seus colaborador constante, Alfred Hitchcock – e tenha ganhado apenas uma estatueta, em seu primeiro ano em Hollywood. O filme que deu a Herrmann seu único Oscar é “O Homem que Vendeu a Alma”.

Bernard Herrmann is considered one of the best composers in film history. Having worked as a composer in 90 titles – some of them movies made after his death that use his music – it’s a surprise to learn that Herrmann was nominated for the Oscar only five times – none of them for movies by his constant collaborator, Alfred Hitchcock – and won only once, in his very first year in Hollywood. The movie that gave Herrmann his sole Oscar is “All That Money Can Buy”, sometimes seen under the title “The Devil and Daniel Webster”.

É uma história que aconteceu há muito tempo, mas que poderia acontecer em qualquer momento, em qualquer lugar, com qualquer um – até mesmo com você, querido espectador. O fazendeiro Jabez Stone (James Craig) vem sofrendo com uma maré de azar. Ele está se sentindo tão mal que diz em voz alta que estaria disposto a fazer um pacto com o diabo em troca de melhorias. O diabo o escuta, aparece sob a forma de Mr Scratch (Walter Huston) e Jabez vende sua alma em troca de sete anos de prosperidade. Instantaneamente, Jabez enriquece e começa a comprar roupas e chapéus para sua esposa Mary (Anne Shirley) e sua mãe (Jane Darwell). E não demora muito para que ele deixe de frequentar a igreja para jogar cartas com os novos amigos.

It’s a story that happened a long time ago, but one that could happen anytime, anywhere, to anybody – even to you, dear viewer. Farmer Jabez Stone (James Craig) has been having a lot of bad luck lately. He’s feeling so unlucky and miserable that he says out loud that he’d be willing to make a pact with the devil to see things improving. The devil hears, appears in the form of Mr Scratch (Walter Huston) and Jabez sells his soul in exchange of seven years of good luck. Instantly, Jabez becomes rich and starts buying dresses and hats for his wife Mary (Anne Shirley) and his mother (Jane Darwell). And it doesn’t take long until he starts not going to church and instead playing cards with his new friends.

Mas quem diabos é Daniel Webster? Daniel Webster (Edward Arnold) é um político de Massachusetts que leva jeito com as palavras. Um dia, logo depois de Jabez fazer o pacto com o diabo, Daniel Webster visita a cidade vizinha à fazenda dele e se torna amigo de Jabez. Mary troca cartas com Daniel Webster e até mesmo dá ao seu filho o nome de Daniel. Mary então chama Daniel Webster para ajudar quando Jabez se torna arrogante e muito ambicioso, e Daniel Webster terá de usar suas palavras contra o diabo.

But who the hell is Daniel Webster? Daniel Webster (Edward Arnold) is a politician from Massachusetts who has a talent for words. One day, right after Jabez makes the pact with the devil, Daniel Webster visits the town near his farm and befriends him. Mary corresponds with Daniel Webster frquently, and even names her son Daniel after the politician. Mary then calls Daniel Webster to interfere when Jabez becomes arrogant and overly ambitious, and Daniel Webster will have to use his words against the devil.

Uma das muitas tentações que Jabez terá de enfrentar tem um belo rosto: é Belle (Simone Simon), sua nova empregada. O papel mais lembrado de Simone é como a protagonista de “Sangue de Pantera” (1942), um filme para o qual Bernard Herrmann fez arranjos para uma música, sem receber crédito. Simone Simon foi escalada para “Sangue de Pantera” depois que o produtor Val Lewton viu sua performance como a tentadora diabólica em “O Homem que Vendeu a Alma”.

One of the many temptations that Jabez will have to face has the prettiest face: Belle (Simone Simon), his new maid. Simon’s best remembered role is as the lead of “Cat People” (1942), a film in which Bernard Herrmann worked as an arranger for one song, for which he didn’t receive credit. Simone Simon was cast in “Cat People” after producer Val Lewton saw her turn as the devil’s temptress in “The Devil and Daniel Webster”.

A trilha sonora é excelente. Em determinado momento, há melodias idílicas que fazem a vida no campo soar como um paraíso, e no minuto seguinte há notas macabras. Há também momentos tensos e fantásticos marcados pela música, e há também algumas canções folclóricas. Tudo isso levou à vitória histórica de Herrmann na categoria Melhor Trilha Sonora Original, uma vitória mais que merecida. O que pode ter ajudado é que Herrmann já estava familiarizado com a história, pois compôs a trilha sonora para a adaptação de “O Homem que Vendeu a Alma” para o rádio em 1938.

The soundtrack is amazing. At one point, there are idyllic melodies that make life in the country sound like a paradise, and in the next minute there is a macabre tune. There are also tense moments and fantastic moments marked by music, and there are some folk tunes as well. All this led to Herrmann’s historical win in the Original Music Score category, a win that was very much deserved. What might have helped was that Herrmann was no strange to the story, as he had composed the soundtrack for the radio adaptation of “The Devil and Daniel Webster” in 1938.

Assim como o primeiro filme de Herrmann – “Cidadão Kane” – “O Homem que Vendeu a Alma” foi feito pelos estúdios RKO. Foi o primeiro filme que o diretor William Dieterle fez servindo também como produtor, e era a adaptação de um conto publicado em 1936 e adaptado para os palcos em 1939. Dieterle fez muitas experiências com o filme – um filme que herdou parte da quipe que trabalhou em “Cidadão Kane” – e a produção ficou acima do orçamento, o que se mostrou um problema.

Like Herrmann’s first film – “Citizen Kane” – “The Devil and Daniel Webster” was made by RKO studios. It was the first movie director William Dieterle made also as a producer, and it was the adaptation of a short story published in 1936 and then adapted to the stage in 1939. Dieterle experimented a lot with this film – a film that inherited part of the crew that worked in “Citizen Kane” – and the production ran over budget, which became a problem.

“O Homem que Vendeu a Alma” é um filme de fantasia, mas tem alguns efeitos de iluminação interessantes – muitos deles parecem não ter sido feitos de propósito – que evocam o noir. Outro filme de fantasia com iluminação noir – e também com música composta por Bernard Herrmann! - é “O Fantasma Apaixonado” (1947).

“The Devil and Daniel Webster” is a fantasy movie, but it has some interesting lighting effects – many of them seem made not on purpose – that evoke a noir feeling. Another fantasy movie with noir lighting – and also with music composed by Bernard Herrmann! - is “The Ghost and Mrs Muir” (1947).

“O Homem que Vendeu a Alma” não é o primeiro filme a contar a história de alguém que vendeu sua alma ao diabo. Talvez a versão mais famosa de tal história seja Fausto, filmado em 1926 na Alemanha por F.W. Murnau. Numa curiosa coincidência, William Dieterle teve um papel de destaque neste filme como Valentin, que é morto por Fausto. “O Homem que Vendeu a Alma” também não foi o último filme a ter um julgamento com criaturas do outro mundo para decidir o destino de um homem: uma trama semelhante pode ser encontrada no magnífico filme britânico “Neste Mundo e no Outro” (1946).

“The Devil and Daniel Webster” is not the first movie to tell the story of someone who sold his soul to the devil. Perhaps the most famous version of such a story is Faust, filmed in 1926 in Germany by F.W. Murnau. In a curious coincidence, William Dieterle had a major role in this film as Valentin, who is killed by Faust. “The Devil and Daniel Webster” is also not the last movie to have a hearing with otherwordly creatures to decide a man’s fate: a similar plot is found in the superb British film “A Matter of Life and Death” (1946).

Você deve estar se perguntando, e aqui está a resposta: sim, existiu um político chamado Daniel Webster em Massachusetts. Ele foi um dos mais famosos advogados do século XIX e foi candidato na eleição presidencial de 1836, que ele perdeu – mas provavelmente não porque não aceitou fazer um pacto com o diabo.

You might be wondering, so here is the answer: yes, there was a real politician called Daniel Webster from Massachusetts. He was one of the most famous lawyers of the 19^th century and was a candidate in the 1836 presidential election, which he lost – but probably not because he refused to make a deal with the devil.

“O Homem que Vendeu a Alma” foi um sucesso de crítica mas um fracasso de bilheteria. É mais que uma curiosidade, mais que o filme que deu a Bernard Herrmann o único Oscar de uma carreira brilhante. Quase tão bom quanto “Neste Mundo e no Outro”, este filme adapta a lenda de Fausto ao folclore norte-americano e acrescenta à história mágica e, por mais estranho que pareça, patriotismo. É realmente um filme único.

“The Devil and Daniel Webster” was a critical success but a box-office failure. It’s more than a curiosity as it gave Bernard Herrmann the sole Oscar in an outstanding career. Almost as good as “A Matter of Life and Death”, this film adapts the Faust legend to American folklore and infuses the story with magic and, as oddly as it may sound, patriotism. It’s truly an unique gem.

This is my contribution to the Bernard Herrmann blogathon, hosted by The Classic Movie Muse.

Um Rosto de Mulher (1941) / A Woman's Face (1941)

Durante a Era de Ouro dos estúdios, sempre que um artista tinha liberdade para interpretar um personagem diferente do que estava acostumado – em geral depois de muita insistência e luta – o resultado era quase sempre maravilhoso. Por exemplo: quando a MGM deixou Joan Crawford arriscar e interpretar uma personagem marcada – em vez de mais uma mulher glamourosa – em “Um Rosto de Mulher”, ela nos legou uma performance incrível.

During the Studio Era, whenever a performer was allowed to play against type – usually after a lot of insistence and fighting – the result was almost always wonderful. For instance: when MGM let Joan Crawford take a risk and play a scarred character – instead of another glamorous woman – in “A Woman's Face”, she delivered an outstanding performance.

Em um tribunal em Estocolmo, o julgamento de Anna Holm (Joan Crawford) começa. Anna é acusada de assassinato. As testemunhas são chamadas e contam a história em flashback. Anna e seus “amigos” trabalhavam em um restaurante, mas este trabalho era só de fachada: eles atuavam de verdade no ramo da chantagem.

In a tribunal in Stockholm, the judgment of Anna Holm (Joan Crawford) begins. Anna is accused of murder. The witnesses are called and they tell the story in flashback. Anna and her “friends” worked in a restaurant, but this job was just a disguise: they were really active in the blackmail market.

A vítima de chantagem que vai mudar toda a história é Vera Segert (Osa Massen), cujas cartas de amor para um amante foram parar nas mãos erradas. Enquanto negocia com Vera, Anna conhece o esposo dela, Gustaf (Melvyn Douglas), quese interessa pela grande cicatriz que Anna tem no rosto. Gustav então se oferece para operar Anna e remover a cicatriz. Ao mesmo tempo, Anna se apaixona por Torsten Barring (Conrad Veidt), que a quer para executar seu próprio plano maligno.

The blackmail victim that will change everything is Vera Segert (Osa Massen), whose love letters to a lover ended up in wrong hands. While negotiating with Vera, Anna meets her husband, Gustaf (Melvyn Douglas), who gets interested in the big scar Anna has in her face. Gustav then offers to operate Anna and remove the scar. At the same time, Anna falls in love with Torsten Barring (Conrad Veidt), who wants her for an evil plan of his own.

A cicatriz de Anna é decorrente de um incêndio ao qual ela sobreviveu na infância. Por causa da cicatriz, ela não conseguiu arranjar trabalho quando era adolescente e então se tornou criminosa. Anna lidava com canalhas, e em geral desconfiava de todos – não porque eles eram canalhas, mas porque ela achava que eles estavam sempre zombando de seu rosto. Toda a vida e todas as atitudes de Anna foram pautadas em sua cicatriz.

Anna got her scar after she survived a fire in her childhood. Because of the scar, she couldn't find a job as a teen and turned to crime. Anna was dealing with crooks, and she was often suspicious of everybody – not because they were crooks, but because she thought they were always mocking her appearance. All her life and her actions have been dictated by that scar.

“Um Rosto de Mulher” nos leva a refletir sobre as aparências e sobre como julgamos as pessoas pela aparência. Isso vai além das noções de bonito ou feio: aqui estamos falando de uma pessoa marcada, na mesma situação de pessoas que adquiriram uma deficiência depois de um acidente. Eu pensei muito nas pessoas que lutaram em guerras e ficaram para sempre marcadas ou deficientes porque não havia  tratamento ou cirurgia plástica na época. Estas são as vítimas do fogo, de bombas e de ataques com gás que tiveram de conviver com pessoas que não acreditavam que alguém “diferente” merecia respeito.

“A Woman's Face” leads us to think about appearances and how we judge people by their looks. This goes way beyond the notions of beautiful and ugly: here we are talking about someone scarred, in the same situation as people who were left handicapped by some accident. I thought a lot about people who had fought in wars and left permanently scarred or disabled because there was no treatment or plastic surgery in that time. These are the victims of fires, bombs, gas attacks, who then had to live among people who didn't see someone “different” as someone worth respecting.

Hollywood, desde sempre, fez remakes de sucessos internacionais, e neste caso não foi diferente. “Um Rosto de Mulher” é o remake de “A Mulher que Vendeu a Alma”, filme sueco de 1938 que revelou ao mundo uma jovem de 23 anos chamada Ingrid Bergman. Enquanto Crawford está bem no remake, não há comparação com a personagem amarga interpretada por Ingrid no original.

Hollywood, since the beginning, remade international successes, and this case was no exception. “A Woman's Face” is the remake of “En kvinnas ansikte”, a Swedish film from 1938 that introduced to the world a young 23-year-old girl named Ingrid Bergman. While Crawford is good in the remake, there is no comparison to the embittered character played by Ingrid in the original.

Em uma única cena no sótão, Conrad Veidt consegue ser incrivelmente assustador e sombrio – muito diferente de quando ele está dançando com Joan Crawford. Como Vera, Osa Massen ou é uma péssima atriz ou uma ótima atriz interpretando uma personagem insuportável. Alguns coadjuvantes brilham, em especial Marjorie Main e Donald Meek.

In a single scene in an attic, Conrad Veidt manages to be incredibly scary and somber – very different from when he's dancing with Joan Crawford. As Vera, Osa Massen is either a very bad actress or a very good one playing an annoying character. Some supporting players shine, in special Marjorie Main and Donald Meek.

Do ponto de vista técnico, há algumas coisas a se destacar em “Um Rosto de Mulher”. Há uma cena muito interessante com diversos espelhos. Há duas sequências muito tensas e sem música – apenas com os barulhos do ambiente, e esta escolha foi muito eficiente para aumentar o suspense. E, claro, o departamento de maquiagem fez maravilhas não apenas com a criação da cicatriz de Anna, mas também com a maneira como mostram o efeito do fogo no olho dela.

From the technical point of view, there are a few things to point out about “A Woman's Face”. There is a very interesting shot with a lot of mirrors. There are a couple of very tense scenes that have no music – only the noises of the place, and this choice proved to be very effective to increase the suspense. And, of course, the make-up department did wonders not only conceiving Anna's scar, but also showing how the fire also affected her eye.

Antes do doutor Gustaf ver o resultado da cirurgia de Anna, ele diz ter medo de que ela se torne “um belo rosto sem coração”. A mudança no rosto de Anna vem junto com uma mudança no coração, e assim o filme reforça o estereótipo de Hollywood de que tudo que é belo é bondoso. “Um Rosto de Mulher” é um ótimo filme, mas eu gostaria mais dele se a aparência de Anna não tivesse mudado. Afinal, se o Corcunda de Notre Dame podia ser um cara legal mesmo sendo considerado “feio”, por que o mesmo não poderia acontecer com Anna Holm?

Before Dr. Gustaf sees the result of Anna's surgery, he says he's afraid of her ending up having “a beautiful face and no heart”. As Anna's change in her face comes with a change of heart, we see another picture that reinforces the Hollywood stereotype that beautiful equals kind. “A Woman's Face” is a great film, but I'd love it more if the Anna's appearance didn't change. After all, if the Hunchback of Notre Dame could be a great guy even being considered “ugly”, why couldn't Anna Holm be the same?

This is my contribution to the Joan Crawford blogathon, hosted by Pale Writer and Poppity Talks Classic Films.

A Porta de Ouro (1941) / Hold Back the Dawn (1941)

Todo mundo merece um lugar ao sol? Não sei ao certo, mas todo mundo quer um lugar ao sol. E geralmente a busca por este lugar cheio de alegria e satisfação envolve a migração. E o que acontece quando os imigrantes são parados no meio do caminho? Quando eles são proibidos de entrar no lugar que escolheram como sua nova casa? Você pode ligar a TV e encontrar respostas para estas questões agora mesmo, ou você pode ver “A Porta de Ouro”, um filme feito há mais de 75 anos.

Does everybody deserve a place in the sun? I’m not sure, but everybody wants a place in the sun. And often the pursuit of this place of happiness and fulfillment demands migration. And what happens when migrants are stopped midway their destiny? When they are forbidden to enter the place they chose as their new home? You could turn the TV and find answers for these questions right now, or you could watch “Hold Back the Dawn”, a film made over 75 years ago.

Georges Iscovescu (Charles Boyer) é um romeno que teve um probleminha na Europa e decidiu migrar para os EUA. Ele chega a uma escaldante cidade mexicana na fronteira, e descobre que, dos 150 mil imigrantes que o país deixava então entrar todos os anos, havia uma cota pequena para os romenos – e ele teria de esperar entre 5 e 8 anos para finalmente conseguir entrar no país legalmente. Por isso, ele e outros imigrantes de diversas nacionalidades ficam em um hotel até terem os documentos. O lugar tem um nome sugestivo: Hotel Esperanza.

Georges Iscovescu (Charles Boyer) is a Rumanian who had a little problem in Europe and decided to migrate to the United States. He reaches a hot Mexican city in the border, and finds out that, among the 150 thousand immigrants the US let in every year, there is only a very small quota for Rumanians – and he must wait from 5 to 8 years to finally be able to get in the US legally. So, he and other immigrants from several nationalities stay in a hotel until their visa is ready. The place has a suggestive name: Hotel Esperanza (Hope Hotel).

Mas a esperança não é a última que morre ali. Quando Georges chega ao hotel, um imigrante alemão havia se cansado de esperar e comete suicídio. No hotel, Georges encontra uma velha conhecida, Anita (Paulette Goddard), que lhe dá uma dica: é mais fácil e rápido ser admitido nos EUA se você se casar com uma norte-americana.

But hope is not the last one left standing there. When Georges arrives at Hotel Esperanza, a German immigrant has got tired of waiting and committed suicide. At the hotel Georges finds an old acquaintance, Anita (Paulette Goddard), who gives him a tip: it’s much easier and quicker to be admitted to the US if you marry an American.

Então, Georges começa a paquerar todas as norte-americanas que ele encontra. A primeira delas acaba sendo uma mulher casada, mas a segunda norte-americana que ele encontra é Emmy (Olivia de Havilland), uma professora que levou seus aluninhos bagunceiros para uma excursão no México durante o feriado de 4 de julho – uma atividade pedagógica que desafia a lógica, eu sei. Georges é charmoso e diz coisas lindas para ela, e o plano funciona: no dia seguinte, eles estão casados. O plano de Georges consistia, desde o começo, em se casar com Emmy, ser aceito nos EUA – escapando assim da vigilância do inspetor Hammock (Walter Abel) – e depois pedir a anulação do casamento e viver livremente nos EUA com Anita.

So, Georges starts hitting on all American women he sees. The first one happens to be already married, but the second American woman he finds is Emmy (Olivia de Havilland), a schoolteacher vacationing with her young and loud students in Mexico for the 4^th of July holiday – something that defies the logic, I know. Georges is charming and says beautiful things to her, and the plan works: on the following day, they’re married. Georges’s plan has been, all along, to marry Emmy, be accepted in the US – thus escaping the vigilance of Inspector Hammock (Walter Abel) – then ask for an annulment and live freely there with Anita.

Há duas boas surpresas em “A Porta de Ouro”. Uma é a maneira como o filme começa: Georges está fugindo e entra em um estúdio de cinema, onde ele conta toda sua história de imigrante e falso amante para um diretor chamado Dwight Saxon (o próprio diretor do filme, Mitchell Leisen). O senhor Saxon estava filmando uma cena com Veronica Lake, e quando ele liberou a equipe, pôde finalmente ouvir a história de Georges. A outra boa surpresa é a lua de mel de Georges e Emmy em uma vila mexicana, onde eles participam de uma cerimônia religiosa. Não há nenhum estereótipo nesta parte do filme!

There are two nice surprises in “Hold Back the Dawn”. One is the way it starts: Georges is on the run and enters a film studio, where he tells his whole story as an immigrant and fake lover to a director called Dwight Saxon (director Mitchell Leisen himself). Mr. Saxon was filming a scene with Veronica Lake, and when he dismissed the team he was able to listen to Georges’s story. The other nice surprise is Georges’s and Emmy’s honeymoon in a Mexican villa, where they take part in a religious ceremony. There are no ugly stereotypes there!

Foi uma surpresa incrível e uma coincidência assustadora eu ter escolhido este filme para ver exatamente quando acontece um episódio que não pode ser considerado uma crise de imigração, mas um crime humanitário. Eu tento fugir da política, mas ela me persegue! Por falar em perseguir algo – um sonho - , em uma cena emblemática, um professor estrangeiro, no almoço de 4 de julho, recita para um oficial da imigração o poema na base na Estátua da Liberdade – um texto que prega valores que muitos americanos não apenas esqueceram, mas nos quais nunca sequer acreditaram.

It was an incredible surprise and a chilling coincidence that I chose to watch this movie exactly in the middle of an episode that can't be considered an immigration crisis, but a humanitarian crime. I try to stay away from politics, but they go after me! And talking about going after something, in an emblematic scene, a foreign professor, on the 4th of July lunch, recites to an immigration officer the poem on the basis of the Statue of Liberty – a text that shows values that many Americans not only have forgotten, but have never believed in the first place.

Um momento ruim aqui: Emmy fala dos EUA como a tão divulgada “terra de oportunidades” e compara o país com um lago que deve receber sempre novas correntezas para não ficar parado. Georges comenta: “o seu povo está construindo diques bem altos para parar estas correntezas”. A resposta dela? “Só para deixar o LIXO de fora”. Meu Deus. Isso poderia ter sido dito por um ultraconservador ontem mesmo.

A bad moment here: Emmy talks about the US as the so-called “land of opportunities” and compares the country to a lake that must keep receiving new streams to never go stank. Georges comments: “your people are building pretty high damps to stop these streams”. Her answer? “Just to keep out the SCUM”. Oh my God. This could have been said by an ultraconservative yesterday.

Não nos esqueçamos de que os roteiristas eram Charles Brackett e Billy Wilder – e Wilder era um imigrante, assim como as estrelas Charles Boyer (francês) e Olivia de Havilland (nascida no Japão). A maioria dos coadjuvantes também eram imigrantes, e formaram um grupo muito interessante que merecia muito mais destaque no filme.

Let's not forget that the screenwriters were Charles Brackett and Billy Wilder – and Wilder was an immigrant. So were the stars Charles Boyer (French) and Olivia de Havilland (born in Japan). Most of the supporting cast was also made of immigrants, and they were a very interesting group that deserved a lot more screen time.

Vamos dar uma olhada nestes personagens incríveis que esperam por seus vistos no Hotel Esperanza. Há o casal Kurz, Berta (Rosemary DeCamp) e Josef (Eric Feldary, vindo da antiga Áustria-Hungria). Eles esperam um bebê, e o sonho deles é que o bebê possa nascer sendo um cidadão norte-americano. Bonbois (interpretado por Curt Bois, um ator alemão que fez seu primeiro filme em 1908 e o último em 1988) é um nervoso cabeleireiro francês que serve de alívio cômico. Há também o porfessor Van Den Luecken (o ator belga Victor Francen) e suas duas filhas, Christine (Micheline Cheirel) e Anni (Madeleine Lebeau). Ambas eram atrizes francesas – e Madeleine é parte importante da icônica cena da Marselhesa em “Casablanca” (1942).

Let’s take a look at these amazing characters waiting for their visas at the Hotel Esperanza. There is the Kurz couple, Berta (Rosemary DeCamp) and Josef (Eric Feldary, from former Austria-Hungary). They are expecting a baby, and dream that him or her can be born an American citizen. Bonbois (played by Curt Bois, a German actor who made his first film in 1908 and his last in 1988) is a nervous French coiffeur who serves as the comic relief. There is also professor Van Den Luecken (Belgian actor Victor Francen) and his two daughters, Christine (Micheline Cheirel) and Anni (Madeleine Lebeau). Both actresses were French – and Madeleine is an important part of the iconic Marsellaise scene from “Casablanca” (1942).

Curt Bois in "Casablanca"

Madeleine LeBeau

Boyer é suave e charmoso como sempre. Olivia é adorável como sempre, tendo de ser ingênua a maior parte do tempo. Paulette Goddard está bem como uma femme fatale da fronteira. Mas os reais destaques são os imigrantes desesperados do hotel. Eles são a prova cabal e tangível de que a diversidade é o tempero da vida – e a melhor coisa deste filme.

Boyer is suave and charming as always. Olivia is lovely as always, having to be naïve most of the time. Paulette Goddard is good as a femme fatale of the border. But the true MVPs are the desperate migrants in the hotel. They are the real, touchable proof that diversity is the spice of life – and the best thing in this film.

This is my contribution to the third annual Olivia de Havilland blogathon, hosted by Laura and Crystal at Phyllis Loves Classic Movies and In the Good Old Days ofClassic Hollywood.