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terça-feira, 14 de agosto de 2018

Grande Hotel (1932) / Grand Hotel (1932)

“Grande Hotel” não precisa de propaganda – nem o filme nem o local. O Grande Hotel é o hotel mais caro da Alemanha, como diz o personagem de Lionel Barrymore. “Grande Hotel”, o filme, é uma aula magna sobre o star system, e tem a estranha honra de ser o único filme a ser indicado apenas à categoria de Melhor Filme no Oscar e ganhá-la.

“Grand Hotel” doesn't need marketing – neither the film nor the place. The Grand Hotel is the most expensive one in Germany, as Lionel Barrymore's character says. “Grand Hotel”, the movie, is basically Star System 101, and has the odd glory to be the only film to receive a single Oscar nomination – for Best Picture – and win it, the most prestigious category.


“Grande Hotel” é realmente grandioso devido à soma de suas partes – que merecem ser analisadas individualmente. Devemos começar com o visual do hotel: o estilo art déco é fantástico, e os ângulos de câmera escolhidos para mostrá-lo são de tirar o fôlego – especialmente quando estamos nos andares superiores e vemos a recepção do hotel de cima. Por trás desta façanha visual estão o diretor de fotografia William H. Daniels e, em especial, o diretor de arte Cedric Gibbons.

“Grand Hotel” is really grand because of the sum of its parts – and they are worth analyzing individually. We must start by the overall hotel look: the art déco style is amazing, and the shots used to showcase it are breathtaking – in special when we see the hotel lobby from above. The ones responsible for this impressive look are cinematographer William H. Daniels and, in special, art director Cedric Gibbons.


Os personagens nos são apresentados em uma sequência frenética, cheia de idas e vindas, passando de um para outro, conforme eles conversam ao telefone. A editora responsável por juntar todas as conversas é a legendária Blanche Sewell da MGM – se você fez o curso “Mad About Musicals” do TCM, você já está familiarizado com ela.

The characters are first presented to us in a frantic sequence, going back and forth, from one to the other, as they talk on the phone. The editor responsible for putting all the conversations together was the legendary MGM editor Blanche Sewell – if you took the Mad About Musicals TCM Course, you are familiar with her.


O personagem mais simpático é o simplório e pobre Otto Kringelein (Lionel Barrymore), o funcionário de uma fábrica que tem pouco tempo de vida, e decide passar suas últimas semanas no Grande Hotel. Como bônus, ele vê que seu antigo patrão, Preysing (Wallace Beery), também está hospedado lá, e decide lhe dizer na cara todas as verdades inconvenientes que ele tinha vontade de falar.

The nicest character is the simple and poor Otto Kringelein (Lionel Barrymore), a factory worker who learns he has little time to live, and decides to spend this time at the Grand Hotel. As a bonus, he sees his former employer, Preysing (Wallace Beery) there, and decides to say everything he always wanted to him – like in a bucket list.


Preysing está lá para assinar uma importante fusão de empresas, e para isso ele precisa de uma estenografa – para trabalhar para ele e também para lhe proporcionar algum “divertimento”. Ele contrata a senhorita Flaemmchen (Joan Crawford), uma moça jovem e pobre que logo atrai a atenção do Barão Felix Von Geigern (John Barrymore), um vigarista que está mais interessado na rica e deprimida bailarina Grusinskaya (Greta Garbo) – prova viva de que dinheiro e fama não trazem felicidade.

Preysing is there to sign an important merger, and for this he needs a stenographer – to both work for him and to be a pleasure toy. He hires Miss Flaemmchen (Joan Crawford), a young and penniless lady who quickly attracts the attention of the Baron Felix von Geigern (John Barrymore), a crook more interested in the rich and miserable ballerina Grusinskaya (Greta Garbo) – the living proof that fame and money don't bring happiness.


O Barão quer roubar o colar de pérolas de Grusinskaya, e quando ele finalmente consegue, ele a encontra mais triste que nunca. Pensando em voz alta, ela fala em suicídio, e o Barão intercede. O que acontece a seguir? Eles se apaixonam. Ver Greta Garbo e John Barrymore juntos na tela, interpretando um casal tão apaixonado, é uma das mais maravilhosas experiências que um cinéfilo pode vir a ter. A performance de Garbo, num primeiro momento, não parece natural, mas quando Grusinskaya se apaixona pelo Barão, ela exala uma excitação jovial, tão infantil e ao mesmo tempo tão verdadeira.

The Baron wants to steal Grusinskaya’s pearl necklace, and when he finally does it, he finds her sadder than ever. She talks about suicide to herself, and the Baron stops her. What happens next? They fall in love. Seeing Greta Garbo and John Barrymore together on the screen, playing a couple so in love, is one of the most wonderful experiences a film buff can have. Garbo’s acting is not natural at first, but when Grusinskaya falls for the Baron she exudes a youthful excitement, so silly and yet so true.


No hotel também está o doutor Otternschlag (Lewis Stone), um homem amargo que foi médico na guerra e tem uma cicatriz por causa disso – e a cicatriz foi inclusive contaminada com difteria após a guerra, o que levou o doutor Otternschlag a ficar dois anos internado, em quarentena. No hotel há também um jovem casal em lua de mel, os Hoffmans. Eles chegam no final do filme e, de fato, Mary Carlisle, que interpreta a senhora Hoffman, foi a última do elenco a fazer o check-out: ela faleceu recentemente, aos 104 anos.

At the hotel there is also Doctor Otternschlag (Lewis Stone), a bitter man who was a war doctor and has a wound to prove it – a wound that was even contaminated with diphtheria after the war, what cost Doctor Otternschlag two years institutionalized, away from society. There is also a young couple on honeymoon, the Hoffmans. They arrive by the end of the movie and, indeed, Mary Carlisle, who plays Mrs. Hoffman, was the last one of the cast to make a check-out: she just passed away recently, at 104.
 
Mary Carlisle is next to Lionel Barrymore
Otto Kringelein é meu personagem favorito. Ele é a personificação da palavra “puro”. Ele se sente feliz e sortudo pela primeira vez na vida – ele está VIVENDO pela primeira vez na vida. Kringelein gosta muito de Flaemmchen e do Barão, e é adorável ver os dois irmãos Barrymore contracenando e adicionando um pouco de amor fraternal às performances. Ah, e Kringelein também gosta muito de Louisiana Flips – um drink esquisito com rum, licor, suco de laranja, xarope de frutas vermelhas e um ovo cru... eca.

Otto Kringelein is my favorite character. He is the real definition of pure. He is feeling happy and lucky for the first time in his life – he is LIVING for the first time of his life. Kringelein is very fond of Flaemmchen and the Baron, and it’s lovely to see the two Barrymore brothers acting together and letting a little of their brotherly love be translated to the screen. Oh, and Kringelein really like Louisiana Flips – a weird drink with rum, liquor, orange juice, raspberry syrup and a raw egg… ew.


No final, Kringelein diz que “há um Grande Hotel em todos os lugares do mundo”. De fato, os temas do filme são universais – e não há dúvidas de que o tema principal é dinheiro. Para ganhar dinheiro, as pessoas fazem qualquer coisa – até mesmo renunciam às qualidades que as tornam humanas. Não importa a idade ou classe social, todos nós estamos fadados a ser escravos do dinheiro – e isso era mais que verdadeiro se considerarmos que a peça “Grande Hotel” foi escrita durante a República de Weimar. Quanto da condição escravizante do dinheiro mudou desde então? Veja esta obra-prima e tire suas próprias conclusões.

In the end, Kringelein says that “there is a Grand Hotel everywhere in the world”. Indeed, the themes of the movie are universal – and there is no doubt that the main theme is money. In order to get money, people do anything – even renouncing to what makes us humans. No matter the social class or the age, we all are doomed to be slaves to the money – and this was more than true considering that the play “Grand Hotel” was written during the Weimar Republic. How much has the enslaving condition of money changed since then? Watch this true masterpiece and take your own conclusion.

This is my contribution to the Fourth Annual Barrymore Trilogy blogathon, hosted by Crystal at In the Good Old Days of Classic Hollywood.

sexta-feira, 3 de agosto de 2018

As Oito Vítimas / Kind Hearts and Coronets (1949)


Um ator interpretando mais de um personagem na mesma peça é algo comum no teatro. Também é comum no cinema, desde a era muda. Obviamente, com o tempo tudo pôde ficar mais interessante, e em vez de apenas dois papéis, um ator podia interpretar três – como Peter Sellers em “Doutor Fantástico”, de 1964 – ou mais papéis. Minha pesquisa descobriu que o ator que interpretou a maior quantidade de papéis em um só filme foi Michael Palin em “Monty Python em Busca do Cálice Sagrado” (1975) – ele interpretou DOZE personagens (embora possamos dizer que Buster Keaton interpretando todos na cena do concerto em “The Play House”, de 1921, perfaça mais que 12 personagens). Alec Guinness não ficou com o recorde no livro do Guinness (hahaha), mas ele fez proeza semelhante à de Palin 26 anos antes.

An actor playing more than one role in the same play is something common in theater. It is also common in film, since the silent era. Of course, with time things could become more interesting, and instead of the standard two roles, one actor could play three – like Peter Sellers in “Doctor Strangelove”, from 1964 – or more roles. My research found that the actor that played the most roles in a single film was Michael Palin in “Monty Python and the Holy Grail” (1975) - he played TWELVE characters (although it can be said that Buster Keaton playing everyone in the music hall scene from 1921's “The Play House” outnumbers 12). Alec Guinness didn't get the Guinness Book record (see what I did?), but he preceded Palin's prowess by 26 years.


Na cadeia, na noite anterior à sua execução, Louis (Dennis Price) conta sua história. Começa o flashback. Louis é filho de um cantor italiano e de uma nobre inglesa que fugiu para se casar. O pai de Louis morreu quando ele nasceu, e a família da mãe a rejeitou. Ela criou Louis com dificuldade, mas sempre o lembrando de que ele era um duque. Também rejeitado pela família D’Ascoyne, Louis começa a trabalhar numa loja de tecidos e sofre quando sua mãe morre e também quando a moça de quem ele gosta, Sibella (Joan Greenwood), o rejeita.

In the jail, the night before being executed, Louis (Dennis Price) tells his story. Enters the flashback. Louis is the son of an Italian singer and an English noblewoman who eloped and left her family. His father died when he was born, and his mother's family wouldn't accept her back. She raised Louis with difficulty, but she always reminded him that he was a Duke by birth. Also rejected by the D'Ascoyne family, Louis goes to work as a draper and suffers when his mother dies and also when the girl he loves, Sibella (Joan Greenwood), rejects him.


É aí que ele se lembra de algo que Mamãe disse uma vez: se 12 pessoas da família D’Ascoyne morressem, ele seria o herdeiro. Então Louis começa a ler o obituário diariamente na esperança de que essas pessoas tenham morrido – até que ele decide terminar o trabalho sozinho e matar os últimos oito membros da família D’Ascoyne – todos interpretados por Alec Guinness.

Then he remembers something Mama once said: if some 12 people from the D'Ascoyne family dropped dead, he would be the heir. So Louis starts reading the obituary daily in the hope to see those people dead – until he decides to finish the job himself and kill the last eight D'Ascoynes – all played by Alec Guinness.


O primeiro encontro e a primeira morte são fruto do acaso, e dali em diante Louis começa a planejar sua vingança. Seus planos mudam um pouco quando ele se interessa por Edith (Valeria Hobson), viúva de uma das vítimas. É ela que diz a frase que dá o título original do filme em inglês.

The first meeting and killing is by chance, and from then on Louis starts plotting his revenge. His plans change a bit, of course, when he becomes interested in Edith (Valerie Hobson), the widow of one of his victims. She is the one to quote the original film title.


“As Oito Vítimas” prova o que nós já sabemos: que Alec Guinness é um ator muito, muito bom. E não é que ele se parece um pouco com Lon Chaney quando está caracterizado como o fotógrafo de 24 anos – que parece ter bem mais do que 24 anos? Também é divertido ver Guinness interpretando uma mulher, Agatha D’Ascoyne, uma sufragista em uma sequência breve e sem falas.

“Kind Hearts and Coronets” proves what we already know: that Alec Guinness is a very, very good actor. And doesn't he look a bit like Lon Chaney when he plays the 24-year-old photographer – who looks WAY older than 24? It's also fun to see Guinness as a woman, Agatha D'Ascoyne, a suffragette in a very brief sequence without lines.


Logo antes de fazer este filme, Alec Guinness interpretou Fagin em “Oliver Twist” (1948), um papel que também exigiu transformação física com maquiagem e perucas. Obviamente, isso foi muito pouco se comparado com as oito caracterizações de “As Oito Vítimas”. Originalmente, Guinness ia interpretar apenas três membros da família D’Ascoyne, mas ele insistiu em interpretar todos os oito – desafiando pessoas da indústria do cinema que não acreditavam que Alec poderia ser uma grande estrela de cinema.

Right before making this film, Alec Guinness played Fagin in “Oliver Twist” (1948), a role for which he also underwent physical transformation with make-up and wigs. Of course, this was very little next to the eight characterizations in “Kind Hearts and Coronets”. Originally, Guinness was going to play three members of the D’Ascoyne family, but he insisted on playing all eight – thus defying the people in the film industry who though Alec couldn’t become a big film star…


Quando Louis se oferece para se casar com Edith, depois de respeitado o período de luto, temos uma interessante composição de cena: entre Edith e Louis, conversando, há a cadeira do falecido marido, nunca mais usada após a morte dele – é a presença invisível atravancando os planos de Louis. Mas um diálogo posterior revela que Louis na verdade ama Sibella, com quem ele ainda se encontra, mesmo ela sendo casada.

When Louis offers himself to marry Edith, after the grief period is over, we have an interesting disposal of the props: between Edith and Louis, as they talk, there is the late husband's chair, never used again after his passing – it’s the invisible presence working against Louis’s plans. But a later dialogue reveals that Louis really loves Sibella, who he's still seeing, even though she is married.


O filme foi produzido por Michael Balcon – fundador dos estúdios Balcon-Saville-Fredman e Gainsborough Pictures, estúdios onde Hitchcock trabalhou na era muda, e também avô de Daniel Day-Lewis – e dirigido por Robert Hamer. Hamer também adaptou o livro para a tela, e ficou muito animado por poder fazer um filme diferente de todos que já haviam sido feitos na Inglaterra. Balcon mais tarde disse que “As Oito Vítimas” era seu filme favorito feito nos estúdios Ealing, e aquele que resistiria ao teste do tempo – como de fato aconteceu.

The film was produced by Michael Balcon – founder of the Balcon-Saville-Freedman studios and Gainsborough Pictures, where Hitchcock worked in the silent era, and also Daniel Day-Lewis's grandfather – and directed by Robert Hamer. Hamer also adapted the novel to the screen, and was more than excited to be able to make a film unlike any other ever made in England. Balcon later said that “Kind Hearts and Coronets” was his favorite film made at Ealing studios, and the one that would certainly stand the test of time – as it did.


“As Oito Vítimas” se passa durante a era Eduardiana, o que significa que você verá muitos figurinos maravilhosos – eu até prefiro a moda da Era Eduardiana à da Era Vitoriana, simplesmente porque eu imagino que os vestidos da década de 1910 são mais confortáveis. Sibella e Edith usam lindos vestidos – mesmo sendo de classes sociais diferentes, não vejo muita diferença no figurino das duas, talvez apenas nos acessórios.

“Kind Hearts and Coronets” is set during the Edwardian era, which means that you'll see many wonderful outfits – I actually prefer the Edwardian fashion to the Victorian fashion, simply because I imagine the 1910’s dresses to be more comfortable. Sibella and Edith both wear beautiful dresses - even though they are from different classes, I don’t see much difference between their outfits, maybe only between their accessories.


SPOILERS!

Sagaz, charmoso e surpreendente – porque Louis NÃO foi condenado à morte por causa dos assassinatos! – “As Oito Vítimas” sofreu com a idiotice do Código Hays. Como o Código exigia que todos os crimes fossem punidos – algo MUITO LONGE da realidade – uma cena teve de ser adicionada ao final de “As Oito Vítimas” quando o filme estreou nos EUA, tirando o brilhantismo de seu roteiro. Felizmente, o cinema se livrou desta bobagem e hoje nós podemos, e devemos, apreciar “As Oito Vítimas” em toda sua glória britânica original e

Witty, charming and surprising – because Louis was NOT condemned to be killed because of the murders! – “Kind Hearts and Coronets” suffered with the Production Code’s idiocy. Because the Code demanded all crimes in film to be punished – something FAR AWAY from the truth – a scene had to be added to the ending of “Kind Hearts and Coronets” when it was released in the US – destroying the brilliant screenplay. Thankfully, cinema got rid of this nonsense and now we can, and must, appreciate “Kind Hearts and Coronets” in all its original unapologetic British glory.

This is my contribution to the Rule Britannia Film Blogathon, hosted by Terence at A Shroud of Thoughts.

domingo, 22 de julho de 2018

Dance Comigo / Carefree (1938)

Fred Astaire e Ginger Rogers podem fazem algum filme ruim? Talvez. No final dos anos 30, Fred foi uma das várias estrelas de cinema chamadas de “veneno de bilheteria”, após o fracasso de alguns de seus filmes. “Dance Comigo” foi um destes filmes que deu prejuízo. Mas seria “Dance Comigo” tão ruim assim? Só há uma maneira de descobrir: assistindo-o!

Can Fred Astaire and Ginger Rogers do wrong? Maybe. In the late 1930s, Fred was one of the several film stars labeled “box office poison” after some of his films flopped at the box office. “Carefree” was one of those movies that lost money. But is “Carefree” so bad? There is only one way to find out: watching it! 

Você pode imaginar Fred Astaire como um psicanalista? Ele certamente seria um psicanalista pouco convencional. E é exatamente esta a profissão de seu personagem, doutor Tony Flagg, em “Dance Comigo”: um psicanalista tão peculiar que sua estratégia é fazer um paciente andar em círculos até ficar tonto para curar uma ressaca, enquanto o doutor Flagg toca “Jingle Bells” em uma gaita. O paciente é Stephen (Ralph Bellamy), desolado porque sua noiva rompeu o noivado – pela terceira vez!

Can you imagine Fred Astaire as a psychoanalyst? He certainly would have been a very unconventional one. And that’s exactly what his character, doctor Tony Flagg, is in “Carefree”: a psychoanalyst so peculiar that he makes a patient go around a bed several times until he gets dizzy, in order to cure his hangover, while Dr. Flagg plays “Jingle Bells” in a harmonica. The patient is Stephen (Ralph Bellamy), depressed because his fiancée called the engagement off – for the third time!


Para ajudar Stephen, o doutor Flagg decide fazer análise com a n0iva, Amanda Cooper (Ginger Rogers). Ele quer analisar especificamente os sonhos dela e, uma vez que ela não sonha, ele quer incitá-la a sonhar. O problema é que, quando ela finalmente consegue sonhar, ela percebe que o homem que ela ama não é Stephen. Você já deve estar imaginando o que acontece a seguir – porque Stephen é interpretado pela eterna segunda opção, Ralph Bellamy.

To help Stephen, Dr. Flagg decides to psychoanalyze the fiancée, Amanda Cooper (Ginger Rogers). He wants to analyze specifically her dreams and, since she says she can’t dream, he wants to provoke dreams in her. The problem is, when she dreams again, she realizes Stephen isn’t the man she loves. You can imagine what happens next – because, well, Stephen is played by the eternal second choice, Ralph Bellamy.


Este é um dos vários filmes sobre psicanálise, algo novo e na moda na época – Freud ainda estava vivo quando “Dance Comigo” foi feito. O filme é menos didático que a mais conhecida produção sobre o tema, “Quando Fala o Coração” (1945). Aqui, coisas como hipnose, anestésicos, sonhos e subconsciente são fonte de risadas.

This is one of many films that dealt with psychoanalysis, a brand new trend back then – Freud was still alive when “Carefree” was made. It is less didatical than the best remembered film about the theme, “Spellbound” (1945). Here, things like hypnosis, anesthesics, dreaming and subconscious are the source of laughs. 


O filme é muito divertido. As risadas começam logo na primeira sequência, quando um homem bêbado procura pelo doutor Flagg. Ginger tem duas sequências particularmente engraçadas para mostrar todo o seu talento como comediante: sua personagem é sedada pelo doutor Flagg com um gás, mas Stephen a acorda e a manda ir para a rádio trabalhar; e mais tarde, ela é hipnotizada e começa a andar pelo country club. Estes momentos me lembraram de outro filme em que Ginger Rogers precisa fazer este tipo de comédia: “O Inventor da Mocidade” (1952). Além de Ginger, temos Luella Gear como tia Cora e Jack Carson como Connors – dois personagens essencialmente cômicos.

The film is a very funny one. The laughs start in the first sequence, when a drunken man looks for doctor Tony Flagg. Ginger has two particularly funny sequences to show her skills as a comedienne: her character is sedated by doctor Flagg with a gas, but Stephen wakes her up and tells her to go work in the radio quickly or she’ll be late; and later, in another sequence, she is hypnotized and starts wandering a country club. These moments reminded me of another film in which Ginger has to act carefree: “”Monkey Business”, from 1952. Besides Ginger, we have Luella Gear as aunt Cora and Jack Carson as Connors – both essentially comic characters.


Já que “Dance Comigo” é um musical, você deve estar perguntando: como são os números de canto e dança? Bem, você tem Irving Berlin, Fred e Ginger, RKO: claro que os números são ótimos! Há um incrível momento em que Fred Astaire dança e joga golfe e também temos Fred e Ginger dançando em câmera lenta em cima de uma vitória-régia. Isso só é aceitável porque é uma sequência de sonho, OK?

Since “Carefree” is a musical, you might be asking: how is the music and dance? Well, it’s Irving Berlin, Fred and Ginger, RKO: of course it’s top notch! There is a great moment with Astaire tap dancing while golfing (the Putin puppet could never) and also Fred and Ginger dancing in slow motion on a Victoria amazonica (or vitória-régia in Portuguese), a huge plant from the Amazon rainforest. I can accept that because it was a dream sequence, OK?


De volta à questão inicial. Fred Astaire e Ginger Rogers podem fazem algum filme ruim? Não. Mas eles podiam fazer um filme “não tão brilhante”. Se você quiser assistir a algo maravilhoso, talvez seja melhor rever “O Picolino” (1935) ou “Ritmo Louco” (1936). Mas, se um pouco de besteiras não te incomodam, “Dance Comigo” é uma ótima opção.

Back at the initial question. Can Fred and Ginger do wrong? No. But they could do “less than right”. If you want to watch something amazing, maybe it's better to rewatch “Top Hat” (1935) or “Swing Time” (1936). But if some silliness doesn't bother you, “Carefree” is a very good choice.

This is my contribution to the Fred Astaire and Ginger Rogers blogathon, hosted by Michaela and Crystal at Love Letters to Old Hollywood and In the Good Old Days of Classic Hollywood

sexta-feira, 20 de julho de 2018

Até o Último Alento / Marjorie Morningstar (1958)


Algumas vezes, a Hollywood clássica criava casais estranhos. Podia ser por causa de uma mistura estranha de estilos, como aconteceu ao juntar Fred Astaire e Betty Hutton. Ou podia ser por causa de uma mistura de dois mundos diferentes, como foi ao juntar Gene Kelly e Natalie Wood. Hoje estou aqui para falar do último caso, em “Até o Último Alento”, um filme bem estranho.

Some Old Hollywood pairings were odd. It could be because of an odd mix of styles, like pairing Fred Astaire and Betty Hutton. Or it could be a mix of worlds, like pairing Gene Kelly and Natalie Wood. Both these pairings happened – I watched both this week – and I'm here today to talk about when Kelly met Wood and they made “Marjorie Morningstar”… an odd film.


O tio Samson (Ed Wynn) é aquele tio divertido que todo mundo ama. Ele é uma figura e está sempre visitando a família Morgenstern. A filha dos Morgenstern, Marjorie (Natalie Wood) está no final da adolescência e, seguindo o conselho de sua melhor amiga Marsha (Carolyn Jones), ela decide não se casar com seu namorado e em vez disso vai trabalhar como ajudante de professora de teatro em um acampamento de verão.

Uncle Samson (Ed Wynn) is the funny uncle everybody loves. He is a frequent figure visiting the family Morgenstern. The family's daughter Marjorie (Natalie Wood) is in her late teens and, following an advice given by her best friend Marsha (Carolyn Jones), decides not to marry her boyfriend and instead she goes to work as an assistant drama coach in a summer camp.


Ensaiando em um hotel do outro lado do lago está o dínamo musical Noel Airman (Gene Kelly). Ele e Marjorie se apaixonam assim que se veem. Outra pessoa que gosta dela é Wally (Martin Milner), pupilo de Noel.

Rehearsing in a hotel on the other side of the lake is the musical dynamo Noel Airman (Gene Kelly). He and Marjorie are hooked the moment they see each other. Another one who likes her is Wally (Martin Milner), Noel’s pupil.


Marsha e Marjorie trocam de emprego e passam a trabalhar mais perto de Noel. Os pais de Marjorie não gostam do fato de ela estar apaixonada por ele, porque, mesmo sendo de família importante, ele escolheu uma carreira incerta como compositor. Os pais dela ficam tão preocupados que mandam o tio Samson trabalhar na cozinha do hotel só para vigiar Marjorie!

Marsha and Marjorie change jobs and start working nearer Noel. Her parents don't approve her being in love with him, because even though he was from a prominent family, he preferred an uncertain career as a songwriter. Marjorie's parents are so worried that they send uncle Samson to work in the hotel's kitchen just to have him keep an eye on Marjorie!


Apesar de tudo, Noel e Marjorie começam uma relação complicada que dura vários anos. Com o passar do tempo, Wally se torna um famoso dramaturgo, Marsha tira a sorte grande ao se casar com um homem rico e Noel continua sendo atormentado pelo musical que ele não consegue terminar – o que significa que não, não há números musicais com Gene Kelly neste filme. Nem o autossacrifício de Marjorie Morningstar (um apelido que Noel dá a ela, e que é a tradução exata de seu sobrenome alemão) parece ajudar.

Despite everything, Noel and Marjorie start an on-and-off relationship that goes through the years. As time goes by, Wally becomes a famous playwright, Marsha hits the jackpot getting married to a rich man and Noel is still tormented by the musical he can't finish – which means that no, there won't be any musical number with Kelly in this movie. Not even the self-sacrificing Marjorie Morningstar (a nickname Noel has given to her, that is an exact translation of her German last name) seems to help.


Gene Kelly foi um dançarino fabuloso e também um bom ator – você sabia que ele foi indicado ao Oscar de Melhor Ator por “Marujos do Amor” (1945)? “Até o Último Alento”, o livro, foi comprado pela Warner com a intenção de ter Elizabeth Taylor e Marlon Brando nos papéis principais. Mais tarde, tanto Paul Newman quanto Danny Kaye recusaram o papel de Noel. Gene Kelly se saiu bem no papel – e, se você já se perguntou como Gene fica com a barba por fazer, aqui você vai descobrir.

Gene Kelly was a fabulous dancer and also a good actor – did you know he was nominated for a Best Actor Oscar for “Anchors Aweigh” (1945)? “Marjorie Morningstar”, the book, was bought by Warner with the intention of casting Elizabeth Taylor and Marlon Brando in the leading roles. Later, both Paul Newman and Danny Kaye refused the role of Noel. Gene Kelly did well in the role – and if you ever wondered how Gene looks with an unshaved face, here you'll find out.


O que é de errado com “Até o Último Alento”? O filme tenta lidar com muitos temas de uma vez – e falha. Claro, essa estratégia pode funcionar em um livro, mas o roteiro não teve muito êxito ao traduzir a história para as telas. Há muitos conflitos ao mesmo tempo. Noel terminará seu musical? Seu relacionamento com Marjorie está ameaçado por seus hábitos, seu comportamento, preconceitos de classe ou o quê? Marjorie quer ser uma estrela ou musa de Noel? É por essas e outras que o filme tem mais de duas horas de duração!

What is wrong with “Marjorie Morningstar”? The film tries to deal with many themes at once – and it fails. Of course, it can work in a book, but the screenplay wasn't very successful in translating the story to the screen. There are many conflicts at the same time. Will Noel ever finish his musical? Is his relationship with Marjorie menaced by his habits, his behavior, class prejudice or what? Does Marjorie want to be a star on her own or support Noel? No wonder the film is more than two hours long!


Além disso, há pouca química entre Gene Kelly e Natalie Wood, e os 26 anos de diferença entre eles são evidentes. Por Deus, Natalie tinha apenas 20 anos quando o filme foi feito! Nenhum dos dois tem uma má interpretação, eles apenas não combinam como casal. Talvez Paul Newman fosse a escolha mais sábia – e mais jovem.

Furthermore, there is little chemistry between Gene Kelly and Natalie Wood, and the 26-year difference between them is evident. For God's sake, Natalie was only 20 when the film was made! None of them delivers a bad performance, but it just doesn’t work. Maybe Paul Newman would have been the wiser – and younger – choice.


Há algumas coisas boas: Carolyn Jones – uma atriz fantástica e subestimada – como a amiga esperta, e o final. Eu não estou sendo sarcástica, o final é pouco convencional e nos deixa com algumas ótimas questões para refletir. Isso inclui questões sobre persistência, genialidade, apoiar quem você ama e a existência de um “lugar certo” para cada pessoa. Estes são temas interessantes, que poderiam ter sido mais bem desenvolvidos em uma história diferente.

There are some good things: Carolyn Jones – a fantastic and underrated actress – as the witty friend, and the ending. I'm not being sarcastic, the ending is unconventional and leaves us with some great thoughts to reflect upon. This includes thoughts about persistence, geniality, supporting the ones you love and the existence of a “right place” for everyone. These are interesting themes, but they could be better developed in a different story.

This is my contribution to the Natalie Wood blogathon, hosted by Samantha at Musings of a Classic Film Addict.

sábado, 14 de julho de 2018

Luz de Inverno / Winter Light (1963)


Às vezes, em situações deprimentes, nos questionamos sobre Deus. Frente a injustiças, desgraças, perdas e até tormentos geopolíticos, nós nos perguntamos se existe realmente Deus, e por que ele não interfere para que nós ou outras pessoas paremos de sofrer tanto. Este mesmo questionamento foi feito por um pastor em uma pequena cidade sueca, no filme de Bergman “Luz de Inverno”, de 1963.

Sometimes, in very sad situations, we ask ourselves about God. In the face of injustices, disgraces, loss and even geopolitical turmoil, we wonder if there is really a God, and why he isn’t interfering to make us or other people from suffering. This same question was made by a pastor in a small Swedish city in 1963, in Bergman’s “Winter Light”.

O filme é relativamente curto - 81 minutos - e os primeiros doze minutos são gastos com o sacramento católico da comunhão / eucaristia durante uma missa. Há uma razão para isso: o título original em sueco, que é muito difícil de pronunciar, pode ser traduzido como “Luz de Inverno” e também como “os Comunicantes” - ou seja, as pessoas que tomam parte na Comunhão.

The film is relatively short - 81 minutes - and the first twelve are spent with the Christian ritual of communion / Eucharist during a mass. This has a reason: the hard to pronounce original title in Swedish can be translated as both “Winter Light” and “the Communicants” - that is, the people who take part in the Communion.

Estes Comunicantes procuram pelo pastor Tomas Ericsson (Gunnar Björnstrand) para que ele os ajude após a missa. Karin Persson (Gunnel Lindblom) pede que o pastor converse com seu marido com tendências suicidas, Jonas (Max von Sydow). Jonas é um pescador com uma grande família, mas após ouvir sobre o desenvolvimento de bombas atômicas na China, ele passa a se questionar o significado da vida e sobre a existência de Deus.

Those Communicants look for pastor Tomas Ericsson (Gunnar Björnstrand) for help after the mass. Karin Persson (Gunnel Lindblom) asks the pastor to have a talk with her suicidal husband, Jonas (Max von Sydow). Jonas is a fisherman with a large family, but since hearing about the development of atomic bombs in China, he is questioning the meaning of life and the existence of God.

O problema é que o pastor Tomas pode não ser a pessoa ideal para dar conselhos espirituais para Jonas. Tomás também está questionando sua fé, e ainda tem de lidar com a atenção não requisitada da professora e ajudante Märta Lundberg (Ingrid Thulin). Ela não foi conversar com ele depois da missa, mas deixou uma carta. Em uma escolha muito sábia de Bergman, o conteúdo da carta é lido não por Ingrid em voiceover, mas por Ingrid em close-up, como um testemunho - um testemunho dos qual não podemos tirar os olhos.

The problem is that pastor Tomas may not be the ideal person to give Jonas spiritual advice. Tomas is also questioning his faith, and also has to deal with the unrequited attention from the teacher and helper Märta Lundberg (Ingrid Thulin). She didn’t talk to him after the mass, but left him a letter. In a very wise choice from Bergman, the content of the letter is read not by Ingrid in voiceover, but by Ingrid in a close-up, like a testimony - one we can’t take our eyes off.

Outra escolha sábia se dá quando vemos a luz de Inverno pra valer: é óbvio que há uma mudança na iluminação quando, depois de conversar com Jonas, Tomas pergunta: “Deus, por que me abandonaste?”. E, se você tem familiaridade com a doutrina cristã, aqui está a chave para interpretar o filme: talvez, no final das contas, o pastor Tomas não acredite naquilo que prega.

Another wise choice is when we really see a winter light: it’s obvious the change of lighting that happens when, after talking to Jonas, Tomas asks: “God, why have you forsaken me?”. And, if you are familiar with the Christian doctrine, here you have the key to interpret the movie: maybe, after all, pastor Tomas isn’t a true believer.

Obviamente, Bergman é um cineasta que faz filmes complexos. As pessoas podem ter diferentes interpretações de sua obra - e eu penso que isto é fascinante. Na minha opinião, quando o ajudante deficiente da igreja Frövik (Allan Edwall) fala sobre a paixão de Cristo, ele não mostra apenas que ele é o único cristão de verdade naquela igreja, mas também revela todos nós temos nossas paixões para enfrentar.

Of course, Bergman is a filmmaker who makes complex movies. People can have several interpretations of his work - and I find it fascinating. In my opinion, when the handicap church helper Frövik (Allan Edwall) talks about Jesus’ passion, he does not only show how he is the only truly believer in that church, but he also reveals that we all have our passions to go through. 

“Luz de Inverno” é a história de muitas paixões: a de Tomas, a de Jonas, a de Märta. Nos podemos não saber se nossa paixão já aconteceu no passado ou se estamos prestes a enfrentá-la, mas todos nós temos um momento crucial na vida em que também perguntamos: “Deus, por que me abandonaste?”.

“Winter Light” is the story of many passions: Tomas’s, Jonas’s, Märta’s. We may not know if our passion already happened in the past or if we are about to face it, but we all have one crucial moment in life when we too ask: “God, why have you forsaken me?”.

This is my contribution to the Winter in July blogathon, hosted by Debbie at Moon in Gemini.
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