44ª Giornate del Cinema Muto / 44th Pordenone Silent Film Festival

 Não curto muito celebrar meu aniversário. Gosto bastante das festividades do Natal. Mas minha época favorita do ano é outra: a semana quando acontece a Giornate del Cinema Muto. Desde a pandemia, o time por trás do festival vem sendo fantástico por oferecer uma programação online com um pouco de tudo que é exibido in loco em Pordenone, para os fãs do cinema mudo ao redor do mundo. Estou entre esses fãs espectadores pelo quinto ano consecutivo e aqui está um vislumbre desta semana mágica.

I’m not very fond of celebrating my birthday. I really like the parties around Christmas. But my favorite time of the year is another: the week when the Pordenone Silent Film Festival happens. Since the pandemic, the Giornate team has been kind enough to offer an online program with a little bit of everything that is shown in loco in Pordenone, for silent film fans around the world. I’m among them for the fifth consecutive year and here is an overview of this magic week.

O festival online começou com “Saias / A Little Bit of Fluff”, feito quando o som já estava chegando ao mundo do cinema – o glorioso ano de 1928. É uma farsa deliciosa sobre os vizinhos Bertram (Syd Chaplin), recém-casado, e Mamie (Betty Balfour), uma artista. A trama gira em torno das estripulias dele quando sua esposa deveria estar fora de casa e inclui ainda uma questão sobre um colar de pérolas e diamantes.

The online Giornate kicked off with “A Little Bit of Fluff”, from when sound was already arriving in the film world - the glorious year of 1928. It was a delightful farce about neighbors Bertram (Syd Chaplin), recently married, and Mamie (Betty Balfour), a showgirl. It revolves around his shenanigans when his wife is supposed to be out of town and also the ownership of a pearl and diamonds necklace.

Mais cedo este ano eu escrevi sobre o recentemente restaurado “Satan Fait la Noce”, de 1907. Na Giornate eu encontrei um Louis Feuillade mais contido fazendo uma série de filmes intitulados “A Vida como Ela É” entre 1911 e 1912. A restauração destes curtas estava ótima e as cópias perfeitas. Através deles fui introduzida a uma das maiores estrelas francesas da época Suzanne Grandais. A composição abaixo, de “Le Nain” de 1912, foi mais tarde imitada mas permanece como uma prova surpreendente de que o primeiro cinema era muito mais elaborado que comumente se pensa. Outro curta revelador da série foi “Erreur Tragique”, com um filme dentro do filme, com o protagonista vendo sua esposa com outro homem num filme exibido num cinema em Paris.

Earlier this year I’ve reviewed the recently recovered short “Satan Fait la Noce”, from 1907. At the Giornate I found a less mischievous Louis Feuillade making a series of films titled “Life As It Is” between 1911 and 1912. The restoration of these shorts was amazing and the prints were pristine. Through them I was introduced to one of the biggest French stars of the era, Suzanne Grandais. The shot below, from 1912’s “Le Nain”, was later imitated but remains a surprise proof that early film was much more elaborated than most think. Another revealing short of the series was “Erreur Tragique”, with a film-within-the-film, with the lead seeing his wife with another man in the film showing at a Paris movie theater.

Pela primeira vez na Giornate tive a chance de revisitar alguns “velhos amigos”, filmes que eu já havia visto antes. O primeiro foi o curta de abertura da programação online, “The Bond”, um filme patriótico com páthos. O esforço para venda de bônus de guerra pareceria propaganda sem-graça nas mãos de um cineasta menos habilidoso, mas Chaplin faz algo divertido e aprazível. Aliás, Chaplin e seus imitadores foram o foco de uma série na Giornate deste ano, e o que seguiu naturalmente a “the Bond” foi um filme do mesmo ano estrelando Billy West, reconhecido pelo próprio Chaplin como o melhor imitador de Chaplin. “His Day Out” foi divertido e quase tão bom quanto um filme do Vagabundo original. 

For the first time at the Giornate I had the chance to revisit some “old friends”, films I’ve watched before. The first one was the opening short for the online program, Chaplin’s “The Bond”, a film that is patriotic yet has pathos. The effort to sell liberty bonds would look like a dull propaganda in the hands of a less talented filmmaker, but Chaplin makes it fun and heartwarming. By the way, Chaplin and Chaplin imitators were the focus of a series at this year’s Giornate, and the natural follow-up to “The Bond” was a film from the same year with Billy West, acknowledged by Chaplin himself as the best Chaplin imitator. “His Day Out” was fun and almost as good as a film from the original Tramp.

O outro velho amigo que eu reassisti na Giornate foi a versão de 1913 de “Os Últimos Dias de Pompeia”. Cinco anos atrás (!) eu escrevi sobre as duas versões – dos estúdios Pasquali e Ambrosio – da história, ambos feitos em 1913. A Giornate apresentou a versão de Ambrosio, dirigida por Eleuterio Rodolfi. Eu não podia dizer não para uma restauração do filme, ainda mais com um tempo de exibição um pouco mais longo que o que eu vi. Falando em velhos amigos, houve também na Giornate um filme de Maurice Tourneur, que dirigiu um dos meus filmes mudos favoritos, “O Pássaro Azul / The Blue Bird”, de 1918. Mas eu vou falar mais sobre “A Urze Branca / The White Heather” no meu blog Lost and Found Films.

The other old friend I rewatched at the Giornate was the 1913 “The Last Days of Pompeii”. Five years ago (!) I reviewed the two versions - from the Pasquali and Ambrosio studios - of the story both made in 1913 in Italy. The Giornate screened the Ambrosio version, directed by Eleuterio Rodolfi. I couldn’t say no to a restoration of the print, with a slightly longer runtime. Speaking of old friends, there was also at the Giornate a film by Maurice Tourneur, who directed one of my favorite silents, 1918’s “The Blue Bird”. But I’ll talk more about “The White Heather” (1919) on my blog Lost and Found Films.

Além de “The Bond”, houve espaço para outro tipo de propaganda em Pordenone, mas bem diferente: propaganda soviética feita na Ucrânia e destinada para crianças! Primeiro exibiram “Robinson on His Own” (1929), sobre um garotinho nerd chamado Vasja (Boria Bohdanovskyi) que gosta de ler livros de aventura (norte-americanos) e decide partir em sua própria aventura. Foi tipo Madame Bovary ou Dom Quixote para crianças: cuidado com o que você lê!

Besides “The Bond”, there was plenty of space for another kind of propaganda in Pordenone, yet a very different one: Soviet propaganda made in Ukraine and aimed at children! First they showed “Robinson on his Own” (1929), about a nerdy boy named Vasja (Boria Bohdanovskyi) who likes to read (American) adventure novels and decides to go on his own adventure. It was kind of Madame Bovary or Don Quijote for children: beware at what you read!

O segundo filme de propaganda soviética com / para crianças foi “Adventures of a Penny” (também 1929), ambientado em tempos czaristas, quando crianças da classe trabalhadora fumavam e só podiam brincar nas ruas. A história é do traquinas Fedka (Kolia Kopelian) em suas muitas aventuras, sempre invadidas pelo rico e mimado Tolya (Mark Orlov). Este filme teve um excelente acompanhamento musical de Olga Podgaiskaya, completado por um coro de crianças no começo e no final.

The second Soviet propaganda film with / for children was “Adventures of a Penny” (also 1929), set in Tsarist times, when working-class children smoked and could only play on the streets. It follows naughty Fedka (Kolia Kopelian) in his many adventures, always perpassed by the rich and spoiled Tolya (Mark Orlov). This movie had a great musical accompaniment by Olga Podgaiskaya, complete with a children’s chorus in the beginning and end.

Os estúdios Ambrosio se fizeram presentes novamente com “O Torpedeamento do Oceânia” (191), feito por Augusto Genina em seu quinto ano como cineasta e estrelando Ileana Leonidoff em seu primeiro papel no cinema, e já como vilã. Algo curioso é que todas as cartelas de texto de “Os Últimos Dias de Pompeia” estão marcadas com o número 899, enquanto as cartelas aqui têm o número 1159. Isso significa que quase 300 filmes foram feitos pelos estúdios Ambrosio em quatro anos? Talvez. E não pense que Ambrosio só fazia filmes sobre desastres: o afundar do navio ocupa só a primeira curta parte do filme, o resto envolve um casal de “aventureiros” e uma herdeira numa corrida por uma herança. Outra coisa bacana de se ver é o uso de um avião como parte da trama, meros dez anos depois que Santos Dumont o inventou.

Ambrosio studios was present once again in “Il Siluramento dell’Oceania” (1917), made be Augusto Genina on his fifth year as a filmmaker and starring Ileana Leonidoff in her first film role – and as a villain. One curious thing is that all title cards from “The Last Days of Pompeii” are marked with the number 899, while all the title cards here have the number 1159. Does it mean that almost 300 films were made by Ambrosio in four years? Maybe. And don’t think that Ambrosio only made movies about disasters: the sinking of the ship is only the short first part, the rest of the movie involves a couple of “adventurers” and the rightful heiress in a race to secure an inheritance. Another nice thing to see is an airplane as a plot device, mere ten years after Santos Dumont invented it.

Falando em navios, o filme que se seguiu ao Oceânia na programação foi “O Navio Sangrento / The Blood Ship” (1927). Ele segue um marinheiro ingênuo (Richard Arlen) que embarca no Golden Bough, um navio comandado pelo sádico capitão Angus Swope (Walter James). Com Jacqueline Logan como interesse amoroso do personagem de Arlen e Hobart Bosworth num papel incomum em sua carreira, este é um filme relativamente curto com muita ação e plot twists.

Speaking of ships, the film that followed the Oceania in the program was “The Blood Ship” (1927). It follows a naïve sailor (Richard Arlen) who goes aboard the Golden Bough, a ship commanded by the sadistic Captain Angus Swope (Walter James). With Jacqueline Logan as a love interest for Arlen’s character and Hobart Bosworth playing against type, this is a short-ish film with lots of action and plot twists.

Uma série na Giornate permitiu que o público redescobrisse o imenso talento de Italia Almirante Manzini, que curiosamente morreu aqui no Brasil – mas NÃO em decorrência de uma picada de aranha, como comumente se diz. Em “A Sombra / L’Ombra”, um drama de 1923 em sete partes, Italia interpreta Berta, uma mulher da alta sociedade que repentinamente fica paralisada do pescoço para baixo. Como ela passa anos nesta condição, sob esta “sombra”, seu marido Gerardo (Alberto Collo) se transforma num famoso pintor e forma uma nova família com a amiga de Berta Elena (Liliana Ardea). Ele terá coragem de contar a verdade para Berta? Ou Berta milagrosamente se recuperará? Quem viu sabe!

A series at the Giornate allowed the audience to rediscover the huge talent of Italia Almirante Manzini, who curiously died here in Brazil - but NOT from a spider bite as it’s often claimed. In “The Shadow / L’Ombra”, a 1923 drama in seven parts, Italia plays Berta, a high-society woman who suddenly becomes paralyzed from the neck down. As she passes years under this condition, under this “shadow”, her husband Gerardo (Alberto Collo) becomes a famous painter and forms a new family with Berta’s friend Elena (Liliana Ardea). Will he get the courage to tell the truth to Berta? Will Berta make a miracle recovery? Watch and see!

Em seguida, “The Lady with the Mask / Die Dame mit der Maske” (1928), baseado em ideia original de Henrik Galeen – a mesma mente por trás de “Nosferatu” de 1922. A história se passa na Alemanha num período de hiperinflação, que abala o mundo do Barão von Seefeld (Max Gülstorff) e de sua filha Doris (Arlette Marchal). Também com dívidas está o diretor de uma revista de teatro que é obrigado a dar um papel para Kitty (Dita Parlo), amante do homem para quem o diretor deve dinheiro. Doris encontra, numa casa de penhores, seu velho amigo Alexander (Vladimir Gajdarov), que é figurante na revista e sugere que ela vá ao teatro tentar um papel. Ela consegue um papel, mas quer permanecer anônima, e a saída é usar uma máscara na revista, pois seu distinto pai não pode saber o que ela está fazendo para ganhar dinheiro. Então uma subtrama sobre a recuperação de um par de botas é inserida, e o resultado é suspense e diversão. Filmes mudos alemães nunca me decepcionam, e com este até aprendi algumas palavras com as cartelas de texto.

Next, “The Lady with the Mask / Die Dame mit der Maske” (1928), from an original idea by Henrik Galeen - the same mind behind 1922’s “Nosferatu”. The story happens in Germany in a period of hiperinfaltion, which makes things difficult for the Baron von Seefeld (Max Gülstorff) and his daughter Doris (Arlette Marchal). Also in debt is the director of a theater revue that is forced to cast Kitty (Dita Parlo), the lover of the man the director owes money to. Doris meets at a pawnshop her old friend Alexander (Vladimir Gajdarov), who is an extra at the revue and suggests she should go to the theater and maybe grab a role. She gets a role, but wants to remain uncredited, so the way out is performing wearing a mask, since her distinguished father can’t know what she is doing for money. Then a subplot about the recovery of a pair of boots is inserted, and the result is suspense and fun. German silents never fail to amuse me, and in this I even learned a few words in the title cards.

Even the flowers wear a mask!

No último dia a programação fechou o ciclo com a Chaplin Connection mais uma vez. Desta vez o curta foi “Soldier Man” (1926), que serve ao mesmo tempo como proto “O Grande Ditador” e um remix de “Carlitos nas Trincheiras” com um twist. Estrelando Harry Langdon, a gag com a vaca explodindo foi a mais engraçada. E mais diversão estava reservada para nós com o filme de encerramento, “Are Parents People?”. Nele, uma jovem chamada Lita (Betty Bronson) descobre, em choque, que seus pais (Adolphe Menjou e Florence Vidor) vão se separar. O fato de Lita ser expulsa do colégio interno só a ajuda em seu plano de fazer seus pais se preocuparem por algo em comum – ela mesma – e assim se reconciliarem.

On the last day the program came full circle with the Chaplin Connection all over again. This time the short was “Soldier Man” (1926), one that serves at the same time as a proto “The Great Dictator” and a retelling of “Shoulder Arms” with a twist. Starring Harry Langdon, the gag with the cow exploding was the funniest. And more fun was in storage for us with the closing film, “Are Parents People?”. In it, a young woman named Lita (Betty Bronson) learns with shock that her parents (Adolphe Menjou and Florence Vidor) are separating. Lita being expelled from boarding school only helps her plan to make her parents worry about a common subject - herself - and thus reconcile.

Os curtas na programação foram todos muito bons, e fiquei intrigada com aqueles que formaram parte da série que o diretor da Giornate Jay Weissberg chamou de “The World that Was, the World to Come”. Estes curtas, travelogues ou filmados por encomenda, nos permitem ver tempos, lugares e pessoas que se foram há muito tempo. Cidades destruídas pela guerra, como Aleppo na Síria e Kharkiv na Ucrânia, voltam à vida à nossa frente. Mesmo o Rio de Janeiro, na era do cinema mudo a capital do Brasil, foi o assunto do curta “La Capital de Brésil”, que inclusive me ensinou algumas coisas – aqui, duas observações: dê uma olhada no artigo sobre o filme no catálogo, escrito pelo diretor premiado em Cannes Kleber Mendonça Filho, e há surpresa genuína na inclusão de pessoas negras nos círculos da alta sociedade, mas lembremo-nos de que o Brasil é um país profundamente racista e o era ainda mais nos anos 30, mas havia na época o mito da “democracia racial”, que defendia uma coexistência pacífica entre brancos e negros. Bobagem.

The shorts in the program were all very good, and I was intrigued by the ones in a series the Giornate director Jay Weissberg called “The World that Was, the World to Come”. These shorts, either travelogues or commissioned works, allow us to see times, places and people long gone. Cities destroyed by the war, like Aleppo in Syria and Kharkiv in Ukraine, come back to life in front of us. Even Rio de Janeiro, during the silent era the capital of Brazil, got the treatment and the short “La Capital de Brésil” even taught me a couple of things - here, two thoughts by Jay are worth mentioning: do take a look at the catalogue notes for the film, written by the Cannes-winning director, Kleber Mendonça Filho, and the surprise of the existence of an elite that includes black people is genuine, but let’s remember that Brazil is a very racist country and was even more in the 1930s, but there was at the time the myth of the “racial democracy”, claiming that white and black people in the country lived harmoniously. Bullshit.

Além da tela dividida em “Le Nain”, houve outros truques de câmera bacanas, como a reflexão na taça em “Saias”, visto abaixo, os binóculos sem uma lente em “Robinson on his Own”, entre outros. Além disso, houve muitas metáforas visuais em “Sketches of a Soviet City” (1929). Surpreendentemente, houve momentos em que o som foi necessário, e aqui destaco dois momentos de “The Lady with the Mask”: quando o colega de quarto de Alexander está usando um martelo para pregar uma nota na porta da frente, e a festa após a estreia, quando Charleston foi executado na trilha sonora.

Besides the split-screen in “Le Nain”, there were other cool camera tricks, such as the reflection at the glass in “A Little Bit of Fluff”, seen below, the binoculars without a glass in “Robinson on his Own”, among others. Moreover, there were plenty of visual metaphors in “Sketches of a Soviet City” (1929). Surprisingly, there were moments when sound was necessary, and here I highlight two moments from “The Lady with the Mask”: when Alexander’s roommate is using a hammer to hang a note at the front door and the premiere after party, when Charleston was executed on the soundtrack.

O que eu mais amo sobre os filmes mudos é que eu posso saber muito sobre eles e muitos estão perdidos, mas há sempre algo mais para aprender com a imensa quantidade que há disponível. E isso foi mais uma vez reforçado pela incrível Giornate deste ano.

What I love the most about silent movies is that I may know a lot about them and there is so much lost, but there is always more to learn with the mammoth amount that is available. And this was again reinforced by this year’s amazing Giornate.

43ª Giornate del Cinema Muto / 43rd Pordenone Silent Film Festival

 O que pode ser dito sobre a Giornate del Cinema Muto que eu não tenha dito antes aqui no meu blog? Claro, é a melhor semana do ano e prova de que uma pessoa pode assistir somente a filmes mudos pelo resto da vida e seria feliz. Mas tem uma coisa nova: ao ver um pouco quando entrou no meu quarto, minha mãe disse, sem querer ser desagradável: “gostar desse tipo de filme não pode ser normal”. Então aqui está, a cobertura da 43ª edição da Giornate Del Cinema muto para todas as pessoas maravilhosamente anormais que existem.

What could be said about the Pordenone Silent Film Festival that I didn’t say before here in my blog? Sure, it’s the best week of the year and the proof that one could watch only silent movies for the rest of one’s life and be happy. But there is something new: watching a bit when she entered my bedroom, my mother said, without meaning to be rude: “liking these kinds of movies isn’t normal.” So here it is, the coverage of the 43^rd Giornate del Cinema Muto for all the wonderfully abnormal people out there.

No primeiro dia da programação online eu reencontrei um velho amigo, mas bem mais jovem do que eu havia visto antes: Ivor Novello. Ele é a estrela de “The Call of the Blood” (“L’Appel du Sang, 1919) junto a Phyllis Neilson-Terry. Ivor e Phyllis interpretam o casal de ingleses Maurice e Hermion, que vão de férias para a Sicília, na Itália, onde ele conhece Maddalena (Desdemona Mazza). Hermione tem de partir para a África para ajudar seu amigo Emile Artois e Maurice, graças ao sangue quente siciliano (!!!), inicia um romance com Maddalena. Este melodrama foi o primeiro filme de Novello!  

On the first day of online programming I got to meet again an old friend, although younger than when I met him: Ivor Novello. He was the star of “The Call of the Blood” (1919) alongside Phyllis Neilson-Terry. Ivor and Phyllis play English newlyweds Maurice and Hermione, who go vacationing to Sicily, Italy where he meets Maddalena (Desdemona Mazza). Hermione has to leave for Africa to help her friend Emile Artois and Maurice, due to his hot Sicilian blood (!!!), starts a romance with Maddalena. This melodrama was actually Novello’s film debut!

Outra velha amiga que reencontrei em Pordenone - curiosamente uma amiga também relacionada com o período mudo da obra de Alfred Hitchcock - foi Anny Ondra. Em “Suzy Saxofone” (1928), as amigas Suzy Hiller (Mary Parker) e Anni von Aspen (Anny Ondra) de Viena trocam de lugar em Londres. A nova Anni vai para um colégio interno e a nova Suzy vai para a Escola Tiller de dança. A narrativa se torna mais complexa com uma subtrama sobre apostas, até que Anni volta para Viena como Suzy Saxofone. Anny Ondra estava adorável e este filme reforçou meu amor pelo cinema alemão.

Another old friend I got to meet again at Pordenone – curiously a friend who is also tied to Alfred Hitchcock’s silent years – was Anny Ondra. In “Miss Saxophone” (or “Suzy Saxophone”, 1928), friends Suzy Hiller (Mary Parker) and Anni von Aspen (Anny Ondra) from Vienna swap places in London. The new Anni goes to boarding school and the new Suzy goes to the Tiller School for dancers. The narrative thickens with a subplot about bets, until Anni returns to Vienna as Saxophone Suzy. Anny Ondra was adorable and this film reinforced my love for German cinema.

Este ano as retrospectivas exibiram os cinemas - sim, no plural, - do Uzbequistão e da América Latina. O primeiro filme uzbeque foi “O Minarete da Morte” (exibido no Brasil como “O Harém da Morte”, 1925), baseado num conto popular do século XVI que conta as desventuras de uma mulher chamada Jemal (Nadezhda Vendelin). Primeiro ela é capturada por um bandido, então libertada pela mulher que o ama e inveja Jemal. Depois ela é novamente capturada, desta vez por um Emir e se torna o prêmio num jogo popular de Kok-Bori ou “capture a cabra”. Quem a ganha é Sadiq (Oleg Frelikh), o homem que a salvou na primeira ocasião, mas é sequestrada mais uma vez pelo filho do Emir, Shahruck-bek (Iona Talanov), para seu harém. Sadiq então inicia uma verdadeira revolução para salvar Jemal. Este foi provavelmente meu primeiro filme do Uzbequistão, um bastante impressionante com múltiplas cenas de multidão, belas locações, edição estilo soviético... e roupas maneiras.   

This year the special retrospectives showcased the silent cinemas – yes, the plural – of Uzbekistan and Latin America. The first Uzbek movie was “The Minaret of Death” (1925), based on a 16^th century folk tale that tells the misadventures of a woman named Jemal (Nadezhda Vendelin). First she is captured by a common bandit, then set free by the woman who loves him and envies Jemal. Then she is captured once again, now by an Emir and becomes the prize in a popular game of Kok-Bori or “catch the goat”. She is won by Sadiq (Oleg Frelikh), the man who saved her in the first occasion, but is kidnapped once again by the Emir’s son, Shahrukh-bek (Iona Talanov), for his harem. Sadiq then leads a literal revolution to rescue Jemal. This was probably my first Uzbek film, and an impressive one with multiple crowd scenes, beautiful locations, Soviet-style editing… and nice clothes.

Oleg Frelikh é a estrela de “O Minarete da Morte” e o diretor de “A Leprosa”. O roteiro foi escrito por uma mulher, Lolakhan Saifullina, baseado no romance de F. Duchêne. A protagonista é Tyllia-Oi (Rachel Messerer), que se casa com Said-Vali e é agredida pelo marido. Ela procura ajuda mas acaba sendo estuprada pelo Coronel (Adrey Fayt). Isso é visto como uma traição ao marido e Tyllia-Oi tem de ser devolvida para a casa de seu pai, agora um lar desgraçado. As metáforas visuais aqui foram certeiras e a discussão toda muito moderna.  

Oleg Frelikh was the star of “The Minaret of Death” and the director of “The Leper” (1928). The screenplay was written by a woman, Lolakhan Saifullina, based on F. Duchêne’s novel. The lead is Tyllia-Oi (Rachel Messerer), who marries Said-Vali and is beaten by her husband. She seeks help but instead she’s raped by the Colonel (Andrey Fayt). This is seen as a betrayal to her husband and Tyllia-Oi has to be returned to her father’s home, now disgraced because of her. The visual metaphors here were on point and the overall discussions very forward-thinking.

Podemos encontrar melodrama não somente em “The Call of the Blood”, mas também na América Latina - em mais de um sentido. É estimado que mais de 90% dos filmes mudos latino-americanos estão perdidos e aqui trabalhamos, como Jay disse em sua introdução, em instituições com verbas pequenas e menosprezadas, se comparadas com o resto do mundo. Por causa disso, muito - se não a maioria - do nosso cinema mudo está em estado de fragmentos. E Pordenone não se avexou em exibir fragmentos em sua versão online, felizmente. Tivemos uma comédia do Chile, um melodrama moralizante que deveria ser um filme falado do México e uma divertida propaganda do Brasil.   

We can find melodrama not only in “The Call of the Blood”, but also in Latin America – in more than one sense. It’s estimated that more than 90% of Latin American silent film is lost and we here work, as Jay mentions in his intro, in underfunded and undervalued institutions, compared to the rest of the world. Due to this, much – if not most – of our silent cinema is in fragmentary state. And Pordenone didn’t shy away from showing fragments in its online version, thankfully. We had a slapstick from Chile, a moralizing melodrama that was supposed to be a talkie from Mexico and a funny advertisement from Brazil.

Agora o melodrama cinematográfico: o filme que provavelmente inaugurou um gênero e escreveu sua gramática, “Santa” de 1918 existe parcialmente. Sua protagonista é a atriz, diretora e fundadora do primeiro arquivo de cinema mexicano, Elena Sánchez Valenzuela. Santa é expulsa de sua casa no interior quando sua família descobre que ela não é mais virgem. Ela vai para a cidade grande, onde conhece um homem cego, Hipólito, e se apaixona por um toureiro, El Jarameño. Suas más decisões a levarão a uma vida de alcoolismo ou um amor cego a salvará?

Now to the reel melodrama: the film that probably inaugurated a genre and wrote its grammar, 1918’s “Santa” is half extant. Its lead is actress, director and the founder of the first Mexican film archive, Elena Sánchez Valenzuela. Santa is expelled from her countryside home when her family finds out she isn’t a virgin anymore. She goes to the big city, where she befriends a blind man, Hipólito, and falls in love with a bullfighter, El Jarameño. Will her bad decisions take her on a life of alcoholism or will a blind love save her?

De Cuba veio “A Virgem da Caridade” (“La Virgen de la Caridad, 1930), que é o único filme mudo que sobrou do país. Conta a história de amor entre Yeyo (Miguel Santos) e Trina (Diana Marde), ameaçada pelo pai dela e um falsário que quer tanto a propriedade “La Birijita” de Yeyo quanto Trina para si. Com um tom religioso sem ser pregador, foi um filme muito bom.

From Cuba came “La Virgen de la Caridad” (1930), which is actually the sole surviving silent film from the country. It tells the love story between Yeyo (Miguel Santos) and Trina (Diana Marde), challenged by her father and a forger that wants Yeyo’s property “La Birijita” and Trina for himself. With a religious undertone without being preachy, it was a very good film.

Outra retrospectiva em Pordenone focou no designer de cenários e diretor de arte Ben Carré, que trabalhou durante muitos anos na França e foi para Hollywood junto de Maurice Tourneur - a dupla fez um de meus filmes favoritos, o visualmente impactante “O Pássaro Azul” (1918). Não há tantos cenários deslumbrantes em “For the Soul of Rafael” (1920), no qual clara Kimball Young interpreta uma moça mexicana chamada Marta Raquel Estevan, criada num convento e prometida para Rafael Arteaga (Bertram Garssby). Rafael gosta de festejar e é primo de um bandido conhecido como El Capitan (Juan de La Cruz), que se disfarça de padre para despistar a polícia.  

Another retrospective in Pordenone focused on set designer and art director Ben Carré, who worked for many years in France and then went to Hollywood alongside Maurice Tourneur – the duo worked together in one of my favorite and most visually stunning movies, “The Blue Bird” (1918). Lavish sets aren’t so many in “For the Soul of Rafael” (1920), where Clara Kimball Young plays a Mexican girl named Marta Raquel Estevan, raised in a convent and betrothed to Rafael Arteaga (Bertram Garssby). Rafael likes to party hard and is the cousin of a bandit known as El Capitan (Juan de la Cruz), who disguises as a priest to deceive the police.

Rafael e Marta se casam, mas ela descobre que ele tem um filho que não assumiu. Para piorar as coisas, o caminho de Marta se cruza com o de Keith (J. Frank Glendon), um americano que ela ajudou a recuperar a saúde e que sua fiel criada indígena Polonia (Paula Merritt) disse ter morrido. Mas Marta está numa encruzilhada, pois ela prometeu para a sogra que cuidaria da alma de Rafael. Você pode perceber que a trama é bastante complexa e leva tempo para se formar, embora o final seja meio corrido.

Rafael and Marta get married, but she finds out he has an illegitimate child. To make things worse, Marta’s path crosses with Keith’s (J. Frank Glendon), an American she helped nurse back to health and her loyal Indian servant Polonia (Paula Merritt) said had died. But Marta is at a crossroads, as she promised her mother-in-law that she would guard the soul of Rafael. You can see that the plot is very complex and takes its time to develop, although the ending is a bit rushed.

E houve mais uma retrospectiva focada nos filmes mudos feitos ao redor do mundo por Anna May Wong. O festival online exibiu “Song” (1928), feito na Alemanha e escrito especificamente para Anna. Uma garota pobre chamada Song é resgatada numa praia de dois marmanjos que queriam machucá-la. Quem a resgata é John Houben (Heinrich George), um atirador de facas. Song se torna parte do número, até que os caminhos deles se cruzam com o de Gloria Lee (Mary Kidd), uma velha conhecida de John, por quem ele ainda nutre sentimentos. A maneira como Anna May Wong atua com as mãos, demonstrando sentimentos, é uma lembrança de uma arte perdida e de uma artista injustiçada.   

And there was yet another retrospective focusing on the silent films made all over the world by Anna May Wong. The online festival showed “Show Life” (“Song”, 1928), made in Germany and written specifically for Anna. A poor girl named Song is rescued at the beach from two men who wanted to harm her. The rescuer is John Houben (Heinrich George) a knife-thrower. Song becomes part of his act, until their paths cross with Gloria Lee’s (Mary Kidd), John’s old acquaintance for whom he still has feelings. The way Anna May Wong acts with her hands, showing emotion, is a reminder of a lost art and an artist treated unfairly.  

Há fantasia não apenas em “O Pássaro Azul”, mas também em “Folly of Vanity”, de 1925. O filme segue os recém-casados Robert (Jack Mulhall) e Alice (Billie Dove) conforme os primeiros desentendimentos da vida de casados acontecem, graças ao cliente dele, Mr Ridgeway (John St. Polis), que cultiva o ciúme no coração de Robert. A felicidade deles só voltará depois que Alice cair de um iate e foi levada até o Reino de Netuno debaixo d’água, completo com aqua-balés!

There is fantasy not only in “The Blue Bird”, but also in 1925’s “Folly of Vanity”. It follows newlyweds Robert (Jack Mulhall) and Alice (Billie Dove) as the first misunderstandings of their married life happen, thanks to Robert’s client Mr Ridgeway (John St. Polis), who cultivates jealousy in Robert’s heart. Their happiness will only come back after Alice falls from a yacht and is taken to Neptune’s Kingdom under the sea, complete with aqua-ballets!

E eu ainda não falei dos curtas-metragens! Muitos programas online consistiam de um ou dois curtas mais um longa. “La Mort de Mozart” (1909) foi um curta visualmente belo da retrospectiva Ben Carré que foi magistralmente acompanhado ao piano por meu amigo José María Serralde Ruiz. Outro deleite foi “Per La Morale” (191), que mostra quão ridículos são a censura e os censores - um assunto na ordem do dia.  

And I haven’t talked about all the shorts yet! Many screenings online consisted of one or two shorts plus the feature film. “La Mort de Mozart” (1909) was a visually stunning short from the Ben Carré retrospective that was masterfully accompanied by my friend José María Serralde Ruiz. Another delight was “Per la Morale” (1911), that shows how ridiculous censorship and censors are – a timely subject.

A atração final da 43ª edição foi “O Maricas” (“Girl Shy”, 1924) de Harold Lloyd acompanhada pela Zerorchestra. Lloyd interpreta o pobre garoto Harold Meadows, que escreve um livro sobre como conquistar as mulheres mesmo não sendo nenhum amante latino - na verdade, ele gagueja quando conversa com as garotas! E então ele conhece a rica Mary (Jobyna Ralston)... Há uma sequência elaborada de corrida contra o tempo que casou perfeitamente com o acompanhamento musical.  

The closing attraction for the 43^rd edition was Harold Lloyd’s “Girl Shy” (1924) accompanied by the Zerorchestra. Lloyd plays the poor boy Harold Meadows, who writes a book on how to conquer women even though he’s no Latin Lover – in fact, he stutters when he talks to girls! And then he meets the rich girl Mary (Jobyna Ralston)… There was an elaborate sequence consisted of racing against time that was matched perfectly with the score.

E assim acaba minha cobertura da 43ª Giornate del Cinema Muto. As datas para o próximo ano já foram anunciadas. Vou cobrir o evento novamente? Sem dúvida! Mas estarei online ou ao vivo na bela Itália? É o que veremos...

And this ends my coverage of the 43^rd Pordenone Silent Film Festival. Next year’s dates have already been announced. Will I cover it again? Without a doubt! But will I be online or there in the beautiful Italy? We shall see…

42ª Giornate del Cinema Muto / 42nd Pordenone Silent Film Festival

 

Pordenone é parte da minha história – pois eu fiz parte do Collegium em 2020. Eu sou parte da história de Pordenone – pois ganhei o prêmio do Collegium em 2021, no primeiro empate da história. Quando falo em “Pordenone” estou me referindo, obviamente, à Le Giornate del Cinema Muto, ou o Festival de Cinema Mudo de Pordenone. Mais uma vez, participei da Giornate online, interessadíssima na rica oferta de filmes restaurados acompanhados por músicos incríveis. E, mais uma vez, me diverti muito.

Pordenone is part of my story – as I was in the 2020 Collegium. I am part of Pordenone’s history – as I won the 2021 Collegium Prize, in its first-ever tie. The Pordenone I’m referring to is, of course, Le Giornate del Cinema Muto, or the Pordenone Silent Film Festival. Once again, I followed the Giornate online, interested in their rich offering of restored movies accompanied by amazing musicians. And, again, I had a blast.

Um dos curtas-metragens da atração de abertura, a série Transatlantic Echoes, foi “Rudi Sportsman”, filme de 1911 vindo do então Império Austro-Húngaro. Nele um homem, interpretado pelo diretor Emil Artur Longen, tenta praticar diversos esportes, falhando sempre. Eu fiquei imaginando se este Rudi era um personagem recorrente de Longen, como Marcel Perez tinha com seu Robinet e André Deed com seu Cretinett – um de seus curtas, “Cretinetti che Bello” (1909), também fez parte do programa. Eu gostei de saber que vários filmes do estúdio Kinofa do período compreendido entre 1908 e 1912 ainda existem. Um par de curtas deste programa já havia aparecido na Silent Comedy Watch Party, o que retirou o ineditismo deles para mim, mas mesmo assim foi divertido revê-los. A conexão com a Silent Comedy Watch Party é óbvia, porque um dos apresentadores da Party, meu amigo Steve Massa, foi um dos curadores do programa em Pordenone.

One of the shorts from the opening attraction, the Transatlantic Echoes series, was “Rudi Sportsman”, a 1911 flick from what was then Austria-Hungary. It has a man, played by the director Emil Artur Longen, trying and failing at several sports. I could only wonder if this Rudi was a recurring character Longen had, like Marcel Perez did with his Robinet and André Deed with Cretinetti – one of his shorts, “Cretinetti che Bello” (1909), was also part of the program. I was pleased to learn that several films from the Kinofa studios from the 1908-1912 period still exist. A couple of the shorts from this program had already appeared at the Silent Comedy Watch Party, so they weren’t new to me, but it was fun revisiting them. The connection to the Silent Comedy Watch Party is obvious, since one of the hosts of the Party, my friend Steve Massa, was a co-curator of the Pordenone program.

"Rudi Sportsman"

Nós frequentemente falamos em filmes perdidos quando o assunto é cinema mudo. “The Fox” (1921) era considerado um filme perdido, mas uma cópia foi encontrada num arquivo em Praga, na República Tcheca. Este filme forma parte de uma série sobre uma “estrela brilhante do céu dos primórdios do faroeste”: Harry Carey. Em “The Fox”, Carey interpreta Santa Fe, um andarilho que se torna ajudante do xerife de maneira curiosa – depois de ser preso duas vezes! – e ajuda a desmantelar uma gangue escondida no Deserto Mojave, onde o filme foi rodado. Curiosidade: este filme tem quase 150 cartelas de títulos, embora tenha apenas 77 minutos de duração – são quase duas cartelas por minuto!

We often talk about lost movies when the issue is silent cinema. “The Fox” (1921) was a film deemed lost, but a copy was found at a film archive in Prague, Czech Republic. This film is part of a series about “a bright star of the early Western sky”: Harry Carey. In “The Fox”, Carey plays Santa Fe, a wandering man who becomes the sheriff’s helper in an unconventional way – after being arrested twice! – and helps dismantling a gang hiding in the Mojave Desert, location where the film was shot. Curious info: this film has almost 150 title cards, despite being only 77 minutes long – it’s almost two title cards per minute!

Eu havia ouvido falar no sub-gênero “Filmes de Montanha” do período de Weimar, mas nunca havia assistido a um destes filmes. Isso mudou com “The Mountain of Destiny /Der Berg des Schicksals” (1924). Filmado sem um roteiro, o protagonista deste filme foi um campeão olímpico em esqui alpino! Hannes Schneider interpreta um alpinista fanático que morre tentando chegar ao topo de uma montanha altíssima, a Guglia del Diavolo. Anos depois, o filho deste homem (Luis Trenker, um famoso alpinista) e sua namorada Hella (Hertha von Walther) tentam escalar a mesma montanha. Foi um prazer e uma surpresa ver minha querida Von Walther aqui, e num papel importante: ela é uma de minha atrizes subestimadas favoritas do cinema mudo alemão.

I had heard about Weimar’s Mountain Films sub-genre, but had never watched one yet. “The Mountain of Destiny / Der Berg des Schicksals” (1924) changed that. Shot without a screenplay, this film’s lead was an Olympic champion in alpine skiing! Hannes Schneider plays a fanatic mountain climber who dies trying to reach the top of a very high mountain, Guglia del Diavolo. Years later, this man’s son (Luis Trenker, a famous alpinist) and his girlfriend Hella (Hertha von Walther) try to climb the same mountain. It was a pleasure and a surprise to see my dear Von Walther here, and in a prominent role: she is one of my favorite underrated performers of the German silent movies.

Uma das melhores coisas em Pordenone é redescobrir estrelas esquecidas. Isso aconteceu este ano com o ator, diretor, produtor e roteirista alemão Harry Piel: ele foi até mesmo citado como um dos atores mais populares em um jornal brasileiro de 1922 publicado em Recife, de acordo com o diretor de Pordenone, Jay Weissberg, em sal introdução ao programa duplo Harry Piel. Muitas cópias dos filmes de Piel foram perdidas em bombardeios na Segunda Guerra Mundial e o fato de ele ter se juntado ao partido nazista também não deve ter ajudado em sua carreira pós-guerra.

One of the best things in Pordenone is rediscovering forgotten stars. This year this happened with German actor, director, producer and screenwriter Harry Piel: he was even cited as one of the most popular actors in a 1922 Brazilian newspaper from Recife, according to Pordenone director Jay Weissberg in his introduction to the Harry Piel double program. Many copies of Piel’s films were lost in the WWII bombings and the fact that he joined the Nazi party probably didn’t help keep his career alive either.

O primeiro filme de Piel, “A Journalist’s Adventure / Das Abenteuer eines Journalisten”, estreou em novembro de 1914 e nele encontramos o tema da guerra. Um cientista chamado Cleavaers está desenvolvendo uma tecnologia para detonar minas submarinas sem o uso de fios, e é sequestrado por uma sociedade secreta de nome Medusa que quer roubar a invenção e receber uma recompensa do Ministério da Marinha. O salvador do cientista será um jornalista chamado Harrison (Ludwig Trautmann), namorado da filha que Cleavaers detesta. Embora o filme esteja incompleto, podemos acompanhar a aventura e há várias perseguições emocionantes.

The first Harry Piel film, “A Journalist’s Adventure / Das Abenteuer eines Journalisten” premiered in November of 1914 and the war theme is there. A scientist named Cleavaers is developing a technology for wireless detonation of submarine mines and is kidnapped by a secret society named Medusa that wants to steal his invention and receive a reward from the Ministry of the Navy. His savior will be a journalist named Harrison (Ludwig Trautmann), his daughter’s boyfriend who he dislikes. Even though the print is incomplete, we can follow the adventure and there are plenty of exciting chases. 

Tendo estreado em 1918, “The Rolling Hotel / Das Rollende Hotel” não tem nada a ver com a guerra. Uma questão sobre casamentos – Parker, o guardião de Miss Addy (Käthe Haack), dará a mão dela para Tom ou Johnson? – se transforma em uma disputa entre detetives quando Joe Deebs (Heinrich Schroth) leva Addy para viver num hotel rodante – isto é, num trailer – até que ela atinja a maioridade e possa se casar com quem desejar. Parker contrata o detetive Scharf para ajudá-lo a encontrar Addy – já que “Scharf” em alemão significa “apimentado”, ele com certeza apimenta as coisas no filme! Também uma cópia incompleta, como o filme anterior, as partes faltantes foram reconstruídas graças ao libreto da peça original. A sequência da corda-bamba nos Alpes – filmada em locação – é o destaque deste segundo filme dirigido pelo “Douglas Fairbanks alemão”.

Released in 1918, “The Rolling Hotel / Das Rollende Hotel” has nothing to do with war. An issue about weddings – will Parker, Miss Addy’s (Käthe Haack) guardian, give her hand to Tom or Johnson? – becomes a dispute between detectives when Joe Deebs (Heinrich Schroth) takes Addy to live in a rolling hotel – that is, a trailer – until she comes of age and can marry whoever she wants to. Parker hires detective Scharf to help him find Addy – being “Scharf” the German word for “spicy”, he surely is one to spice things up in the movie! Also an incomplete print, like the previous film, the missing parts were reconstructed thanks to the libretto for the original play. The tightrope sequence at the Alps – shot in location – is the highlight from this second film directed by “the German Douglas Fairbanks”.

Nós reencontramos Harry Piel, como diretor, produtor e ator, em “The Miracle of Tomorrow / Rivalen”, de 1923. Interpretando o que uma crítica da época chamou de “uma combinação de Casanova e Cagliosgtro”, Harry Piel é Harry Peel – um personagem autorreferente constante em sua obra -, um aventureiro que deve proteger sua amada Evelyn Evans (Inge Helgard) de Ravello (Charly Berger) durante um baile de máscaras. Ravello teve sua invenção recusada pelo pai de Evelyn, um industrialista que também se recusou a dar a mão de Evelyn para Ravello. Ao seu lado Ravello tem a vamp Julietta (Maria Wefers) – ou ao menos acha que a tem – e o cientista Chilton (Karl Platten), equipado com um robô gigante. Um filme emocionante, completo com perseguições e perigos para Harry Peel, ele tem o final em aberto, pois a conclusão do conflito viria em um filme posterior, “Der Letzte Kampf”.

We meet again Harry Piel, as director, producer and actor, in “The Miracle of Tomorrow / Rivalen”, from 1923. Playing what a review of the time called “a combination of Casanova and Cagliostro”, Harry Piel plays Harry Peel – a constant self-referential character from his oeuvre -, an adventurer who must protect his beloved Evelyn Evans (Inge Helgard) from Ravello (Charly Berger) during a masquerade. Ravello has had his invention refused by Evelyn’s father, an industrialist who also refused when Ravello proposed to Evelyn. By his side Ravello has the vamp Julietta (Maria Wefers) – or at least thinks he has – and the scientist Chilton (Karl Platen), equipped with a giant robot. An exciting film, complete with chases and dangers for Harry Peel, it has an open ending, as the resolution of the conflict would happen in a posterior film, “Der Letzte Kampf”.   

Italia Vitaliani foi prima da grande dama do teatro Eleonora Duse. Contrariando as populares divas de seu tempo, Vitaliani performa de maneira mais contida, como mostrado em “La Madre” (1917) – a comparação foi ainda mais clara pois foi exibido, antes do filme, um fragmento de um filme com a diva Leda Gys. Em “La Madre”, usando uma peruca e maquiagem pesada, Vitaliani interpreta Mamãe Roan, cujo único filho, Emanuel (Giuseppe Sterni, também diretor do filme), é um aspirante a pintor. Emanuel vai para a cidade grande, onde ele conhece a proto-femme fatale Isabella, uma modelo – com ênfase no “proto”. Preocupada, a mãe vai atrás dele para salvá-lo das garras de Isabella e para inspirá-lo a pintar sua obra-prima. “La Madre” foi o último filme de Vitaliani, que escolheu focar nos palcos e ensinar, continuando o legado da prima famosa.

Italia Vitaliani was the cousin of the great dame of theater Eleonora Duse. Contrary to the popular divas of her time, Vitaliani’s acting is more constrained and it shows in “The Mother / La Madre” (1917) – the comparison was clearer as a fragment of a film starring the diva Leda Gys was shown before the main feature. In “La Madre”, wearing a wig and heavy make-up, Vitaliani plays Mother Roan, whose only son, Emanuel (Giuseppe Sterni, also the director), is an aspiring painter. Emanuel goes to the city, where he meets the proto-femme fatale Isabella, a model – emphasis on “proto”. Worried, his mother goes after him to save him from Isabella and then inspires him to paint his masterpiece. “La Madre” was Vitaliani’s last film, as she decided to focus on stage acting and also on teaching, continuing her famous cousin’s legacy.

Da Filmoteca de Catalunya, em Barcelona, veio uma compilação de 20 filmes britânicos do primeiro cinema. Nestes filmes curtíssimos, temos um vislumbre de como era a vida há mais de cem anos – incluindo uma competição muito louca chamada de “paper chase”, mas também oferecendo uma visão de atividades divertidas nos Alpes, uma trupe de macacos ensinados, elefantes tomando banho no Ceilão e órfãos sincronizados. Os curtas de ficção mostraram alguma sofisticação para a época, como “Eccentric Burglary” (1905) com todos aqueles shots reversos. Meu favorito do programa foi “An Affair of Honour” (1904), um retrato muito engraçado de um duelo que deu errado.

From the Filmoteca di Catalunya, in Barcelona, came a compilation of 20 early British films. These very short movies offer a snippet of how life was over a century ago – including the very weird competition called “paper chase”, but also offering a view of fun in the Alps, a troupe of educated monkeys, elephants bathing in Ceylon and synchronized orphans. The fiction shorts showed some sophistication for the time, like “Eccentric Burglary” (1905) with all those reverse shots. My favorite of the bunch was “An Affair of Honour” (1904), a very funny portrait of a duel gone wrong.

"Sangers Circus Passing Through Inverness" (1900)

Outra compilação no programa trouxe quarenta e um filmes caseiros em 9,5mm vindos do mundo todo, feitos entre 1923 e 1960. Com filmes sobre coisas como comida e crianças brincando, o programa foi mais um que ofereceu uma vista d’olhos para um passado recente. Houve até espaço para alguns curtas mais experimentais!

Another compilation in the program brought forty-one 9,5mm home movies from all over the world, spanning the years 1923 to 1960. With movies about things such as food and children playing, the program was another one that offered a sneak peek of how lives were in the recent past. There was even room for some more experimental shorts!

Você se lembra de Silistria e outros reinos da Ruritânia na Giornate do ano passado? Eles estão de volta em 2023, e um filme da série é “A Woman of Distinction / Eine Frau Von Format” (1928). Ele conta as aventuras da Embaixatriz da Turquísia, Dschilly Zileh Bey (Mady Christians), que vai para a Silistria e conhece a Princesa (Diana Karenne) do reino. Dschilly está lá para comprar uma ilha, e assim inicia uma disputa diplomática com o Conde Geza (Peter Leska). Este raro filme centrado em personagens femininas foi acompanhado pela pianista Elaine Loebenstein e é muito divertido, contando até com cross-dressing.

Do you remember Silistria and other Ruritanian kingdoms from last year’s Giornate? They are back in 2023, and one film from the series is “A Woman of Distinction / Eine Frau Von Format” (1928). It follows the adventures of the Ambassador of Turquisie, Dschilly Zileh Bey (Mady Christians), as she goes to Silistria and meets the Princess (Diana Karenne) of the kingdom to buy an island, initiating a diplomatic dispute with Count Geza (Peter Leska). This rare female-centered movie was also accompanied by a female pianist, Elaine Loebenstein, and was a lot of fun, complete with cross-dressing.

Mae Murray brilha e mostra alguns passos de dança radicais em “Circe the Enchantress” (1924), um conto da era do jazz dirigido por Robert Z. Leonard, então marido de Mae. Neste filme, ela interpreta a socialite Cecilie que, embora seja amada por Jeff Craig (William Haines), decide seduzir seu vizinho, o doutor Van Martyn (James Kirkwood). Com incríveis sequências de festas, o filme toma um caminho melodramático perto do fim – típico da época em que foi feito.

Mae Murray shines and shows some rad dance moves in “Circe the Enchantress” (1924), a tale of the Jazz Age directed by Robert Z. Leonard, then Mae’s husband. In this film, she plays society girl Cecilie who, despite being loved by Jeff Craig (William Haines), decides to seduce her neighbor, Dr Van Martyn (James Kirkwood). With amazing party sequences, the film takes a melodramatic turn near the end – typical of its time.

O cinema de Weimar recebeu destaque na Giornate deste ano. Três gêneros de filmes de Weimar foram exemplificados: o Filme de Montanha (com “The Mountain of Destiny”), os filmes de aventura (de Harry Piel) e os Filmes de Rua com “The Street / Die Straβe” (1923). Este foi a obra-prima do diretor Karl Grune e uma influência para todos os filmes que têm uma cidade como personagem, caso de alguns filmes noir. A história – contada com um mínimo de cartelas de texto – é sobre um Marido (Eugen Klöpfer) que sai uma noite e se apaixona por uma Vamp (Aud Egede Nissen) e se mete em encrenca na casa dela. Quase irreconhecível, Max Schreck (mais conhecido como Nosferatu) interpreta um homem cego.

Weimar cinema was ostensibly showcased in this year’s Giornate. There were three genres of Weimar films exemplified: the Mountain Film (with “The Mountain of Destiny”), the adventure films (Harry Piel’s films) and the Street Film with “The Street / Die Straβe” (1923). This latter was director Karl Grune’s masterpiece and an influence for all films that have a city as a character, like some noirs. The story – told with minimum use of title cards – is about a Husband (Eugen Klöpfer) who goes out one night and falls for a Vamp (Aud Egede Nissen) and finds trouble in her house. Almost unrecognizable, Max Schreck (aka Nosferatu) plays a blind man.   

O filme que encerrou a 42^a Giornate online foi “Conrad in Quest of His Youth”, um filme de 1920 de William C. DeMille – irmão de Cecil B. Conrad Warrener (Thomas Meighan) retorna da guerra e se sente nostálgico, por isso decide reencontrar velhos conhecidos para reviver os bons e velhos tempos – mas nada sai como ele esperava.

The film that closed the online 42^nd Giornate was “Conrad in Quest of His Youth”, a 1920 film by William C. DeMille – Cecil B.’s brother. Conrad Warrener (Thomas Meighan) returns from the war and feels nostalgic, so he decides to reconnect with old acquaintances to relive the good old times – but nothing comes out as expected by him.

Muitas cópias este ano vieram do Bundesarchiv alemão, o que foi ótimo porque pude testar meu alemão lendo cartelas de texto. O arquivo tcheco Národní Filmový Archiv também colaborou muito, oferecendo filmes como “The Fox”, “Circe the Enchantress” e, no festival presencial, um filme perdido de 1918 sobre o Rio Amazonas aqui do Brasil.

Many prints this year came from the German Bundesarchiv, which was great because I could test my German reading intertitles. The Czech archive Národní Filmový Archiv also was a big player, offering films such as “The Fox”, “Circe the Enchantress” and, in the in-person festival, a missing film from 1918 about the Amazon River here in Brazil.

"The Mountain of Destiny" (1924)

Uma mudança muito boa feita no festival online este ano foi que os filmes ficaram disponíveis por 48 horas, não mais 24 como nas edições anteriores. Esta janela de tempo maior me ajudou muito e fez que eu e, como pude ler nas redes sociais, muitos outros pudéssemos aproveitar todas as sessões.

One very good change in this year’s online festival is that the movies were available for 48 hours, not 24 like in the previous editions. This bigger time window really helped me and, as I could read on social media, others fully enjoy the screenings.

"A Woman of Distinction" (1928)

Houve mais programas na Giornate presencial que não entraram na edição online, como a muito antecipada exibição de fragmentos de filmes que ecoam assuntos feministas. Para a Giornate online, entretanto, eu não consigo me decidir e escolher uma atração favorita, pois adorei tudo. Prova de que é possível  para uma pessoa assistir só filmes mudos pelo resto da vida sem se cansar, a Giornate del Cinema Muto mais uma vez trouxe alegria e conhecimento para nós ao redor do mundo.

There were more programs in the in-person Giornate that didn’t make the online edition, like a very anticipated screening of film fragments that echo feminist issues. For the online Giornate, however, I can’t come to terms and choose a favorite attraction, as I enjoyed it all immensely. Proof that one can watch only silent movies for the rest of one’s life and not be bored, the Giornate del Cinema Muto once again brought joy and knowledge to us all over the world.