42ª Giornate del Cinema Muto / 42nd Pordenone Silent Film Festival

 

Pordenone é parte da minha história – pois eu fiz parte do Collegium em 2020. Eu sou parte da história de Pordenone – pois ganhei o prêmio do Collegium em 2021, no primeiro empate da história. Quando falo em “Pordenone” estou me referindo, obviamente, à Le Giornate del Cinema Muto, ou o Festival de Cinema Mudo de Pordenone. Mais uma vez, participei da Giornate online, interessadíssima na rica oferta de filmes restaurados acompanhados por músicos incríveis. E, mais uma vez, me diverti muito.

Pordenone is part of my story – as I was in the 2020 Collegium. I am part of Pordenone’s history – as I won the 2021 Collegium Prize, in its first-ever tie. The Pordenone I’m referring to is, of course, Le Giornate del Cinema Muto, or the Pordenone Silent Film Festival. Once again, I followed the Giornate online, interested in their rich offering of restored movies accompanied by amazing musicians. And, again, I had a blast.

Um dos curtas-metragens da atração de abertura, a série Transatlantic Echoes, foi “Rudi Sportsman”, filme de 1911 vindo do então Império Austro-Húngaro. Nele um homem, interpretado pelo diretor Emil Artur Longen, tenta praticar diversos esportes, falhando sempre. Eu fiquei imaginando se este Rudi era um personagem recorrente de Longen, como Marcel Perez tinha com seu Robinet e André Deed com seu Cretinett – um de seus curtas, “Cretinetti che Bello” (1909), também fez parte do programa. Eu gostei de saber que vários filmes do estúdio Kinofa do período compreendido entre 1908 e 1912 ainda existem. Um par de curtas deste programa já havia aparecido na Silent Comedy Watch Party, o que retirou o ineditismo deles para mim, mas mesmo assim foi divertido revê-los. A conexão com a Silent Comedy Watch Party é óbvia, porque um dos apresentadores da Party, meu amigo Steve Massa, foi um dos curadores do programa em Pordenone.

One of the shorts from the opening attraction, the Transatlantic Echoes series, was “Rudi Sportsman”, a 1911 flick from what was then Austria-Hungary. It has a man, played by the director Emil Artur Longen, trying and failing at several sports. I could only wonder if this Rudi was a recurring character Longen had, like Marcel Perez did with his Robinet and André Deed with Cretinetti – one of his shorts, “Cretinetti che Bello” (1909), was also part of the program. I was pleased to learn that several films from the Kinofa studios from the 1908-1912 period still exist. A couple of the shorts from this program had already appeared at the Silent Comedy Watch Party, so they weren’t new to me, but it was fun revisiting them. The connection to the Silent Comedy Watch Party is obvious, since one of the hosts of the Party, my friend Steve Massa, was a co-curator of the Pordenone program.

"Rudi Sportsman"

Nós frequentemente falamos em filmes perdidos quando o assunto é cinema mudo. “The Fox” (1921) era considerado um filme perdido, mas uma cópia foi encontrada num arquivo em Praga, na República Tcheca. Este filme forma parte de uma série sobre uma “estrela brilhante do céu dos primórdios do faroeste”: Harry Carey. Em “The Fox”, Carey interpreta Santa Fe, um andarilho que se torna ajudante do xerife de maneira curiosa – depois de ser preso duas vezes! – e ajuda a desmantelar uma gangue escondida no Deserto Mojave, onde o filme foi rodado. Curiosidade: este filme tem quase 150 cartelas de títulos, embora tenha apenas 77 minutos de duração – são quase duas cartelas por minuto!

We often talk about lost movies when the issue is silent cinema. “The Fox” (1921) was a film deemed lost, but a copy was found at a film archive in Prague, Czech Republic. This film is part of a series about “a bright star of the early Western sky”: Harry Carey. In “The Fox”, Carey plays Santa Fe, a wandering man who becomes the sheriff’s helper in an unconventional way – after being arrested twice! – and helps dismantling a gang hiding in the Mojave Desert, location where the film was shot. Curious info: this film has almost 150 title cards, despite being only 77 minutes long – it’s almost two title cards per minute!

Eu havia ouvido falar no sub-gênero “Filmes de Montanha” do período de Weimar, mas nunca havia assistido a um destes filmes. Isso mudou com “The Mountain of Destiny /Der Berg des Schicksals” (1924). Filmado sem um roteiro, o protagonista deste filme foi um campeão olímpico em esqui alpino! Hannes Schneider interpreta um alpinista fanático que morre tentando chegar ao topo de uma montanha altíssima, a Guglia del Diavolo. Anos depois, o filho deste homem (Luis Trenker, um famoso alpinista) e sua namorada Hella (Hertha von Walther) tentam escalar a mesma montanha. Foi um prazer e uma surpresa ver minha querida Von Walther aqui, e num papel importante: ela é uma de minha atrizes subestimadas favoritas do cinema mudo alemão.

I had heard about Weimar’s Mountain Films sub-genre, but had never watched one yet. “The Mountain of Destiny / Der Berg des Schicksals” (1924) changed that. Shot without a screenplay, this film’s lead was an Olympic champion in alpine skiing! Hannes Schneider plays a fanatic mountain climber who dies trying to reach the top of a very high mountain, Guglia del Diavolo. Years later, this man’s son (Luis Trenker, a famous alpinist) and his girlfriend Hella (Hertha von Walther) try to climb the same mountain. It was a pleasure and a surprise to see my dear Von Walther here, and in a prominent role: she is one of my favorite underrated performers of the German silent movies.

Uma das melhores coisas em Pordenone é redescobrir estrelas esquecidas. Isso aconteceu este ano com o ator, diretor, produtor e roteirista alemão Harry Piel: ele foi até mesmo citado como um dos atores mais populares em um jornal brasileiro de 1922 publicado em Recife, de acordo com o diretor de Pordenone, Jay Weissberg, em sal introdução ao programa duplo Harry Piel. Muitas cópias dos filmes de Piel foram perdidas em bombardeios na Segunda Guerra Mundial e o fato de ele ter se juntado ao partido nazista também não deve ter ajudado em sua carreira pós-guerra.

One of the best things in Pordenone is rediscovering forgotten stars. This year this happened with German actor, director, producer and screenwriter Harry Piel: he was even cited as one of the most popular actors in a 1922 Brazilian newspaper from Recife, according to Pordenone director Jay Weissberg in his introduction to the Harry Piel double program. Many copies of Piel’s films were lost in the WWII bombings and the fact that he joined the Nazi party probably didn’t help keep his career alive either.

O primeiro filme de Piel, “A Journalist’s Adventure / Das Abenteuer eines Journalisten”, estreou em novembro de 1914 e nele encontramos o tema da guerra. Um cientista chamado Cleavaers está desenvolvendo uma tecnologia para detonar minas submarinas sem o uso de fios, e é sequestrado por uma sociedade secreta de nome Medusa que quer roubar a invenção e receber uma recompensa do Ministério da Marinha. O salvador do cientista será um jornalista chamado Harrison (Ludwig Trautmann), namorado da filha que Cleavaers detesta. Embora o filme esteja incompleto, podemos acompanhar a aventura e há várias perseguições emocionantes.

The first Harry Piel film, “A Journalist’s Adventure / Das Abenteuer eines Journalisten” premiered in November of 1914 and the war theme is there. A scientist named Cleavaers is developing a technology for wireless detonation of submarine mines and is kidnapped by a secret society named Medusa that wants to steal his invention and receive a reward from the Ministry of the Navy. His savior will be a journalist named Harrison (Ludwig Trautmann), his daughter’s boyfriend who he dislikes. Even though the print is incomplete, we can follow the adventure and there are plenty of exciting chases. 

Tendo estreado em 1918, “The Rolling Hotel / Das Rollende Hotel” não tem nada a ver com a guerra. Uma questão sobre casamentos – Parker, o guardião de Miss Addy (Käthe Haack), dará a mão dela para Tom ou Johnson? – se transforma em uma disputa entre detetives quando Joe Deebs (Heinrich Schroth) leva Addy para viver num hotel rodante – isto é, num trailer – até que ela atinja a maioridade e possa se casar com quem desejar. Parker contrata o detetive Scharf para ajudá-lo a encontrar Addy – já que “Scharf” em alemão significa “apimentado”, ele com certeza apimenta as coisas no filme! Também uma cópia incompleta, como o filme anterior, as partes faltantes foram reconstruídas graças ao libreto da peça original. A sequência da corda-bamba nos Alpes – filmada em locação – é o destaque deste segundo filme dirigido pelo “Douglas Fairbanks alemão”.

Released in 1918, “The Rolling Hotel / Das Rollende Hotel” has nothing to do with war. An issue about weddings – will Parker, Miss Addy’s (Käthe Haack) guardian, give her hand to Tom or Johnson? – becomes a dispute between detectives when Joe Deebs (Heinrich Schroth) takes Addy to live in a rolling hotel – that is, a trailer – until she comes of age and can marry whoever she wants to. Parker hires detective Scharf to help him find Addy – being “Scharf” the German word for “spicy”, he surely is one to spice things up in the movie! Also an incomplete print, like the previous film, the missing parts were reconstructed thanks to the libretto for the original play. The tightrope sequence at the Alps – shot in location – is the highlight from this second film directed by “the German Douglas Fairbanks”.

Nós reencontramos Harry Piel, como diretor, produtor e ator, em “The Miracle of Tomorrow / Rivalen”, de 1923. Interpretando o que uma crítica da época chamou de “uma combinação de Casanova e Cagliosgtro”, Harry Piel é Harry Peel – um personagem autorreferente constante em sua obra -, um aventureiro que deve proteger sua amada Evelyn Evans (Inge Helgard) de Ravello (Charly Berger) durante um baile de máscaras. Ravello teve sua invenção recusada pelo pai de Evelyn, um industrialista que também se recusou a dar a mão de Evelyn para Ravello. Ao seu lado Ravello tem a vamp Julietta (Maria Wefers) – ou ao menos acha que a tem – e o cientista Chilton (Karl Platten), equipado com um robô gigante. Um filme emocionante, completo com perseguições e perigos para Harry Peel, ele tem o final em aberto, pois a conclusão do conflito viria em um filme posterior, “Der Letzte Kampf”.

We meet again Harry Piel, as director, producer and actor, in “The Miracle of Tomorrow / Rivalen”, from 1923. Playing what a review of the time called “a combination of Casanova and Cagliostro”, Harry Piel plays Harry Peel – a constant self-referential character from his oeuvre -, an adventurer who must protect his beloved Evelyn Evans (Inge Helgard) from Ravello (Charly Berger) during a masquerade. Ravello has had his invention refused by Evelyn’s father, an industrialist who also refused when Ravello proposed to Evelyn. By his side Ravello has the vamp Julietta (Maria Wefers) – or at least thinks he has – and the scientist Chilton (Karl Platen), equipped with a giant robot. An exciting film, complete with chases and dangers for Harry Peel, it has an open ending, as the resolution of the conflict would happen in a posterior film, “Der Letzte Kampf”.   

Italia Vitaliani foi prima da grande dama do teatro Eleonora Duse. Contrariando as populares divas de seu tempo, Vitaliani performa de maneira mais contida, como mostrado em “La Madre” (1917) – a comparação foi ainda mais clara pois foi exibido, antes do filme, um fragmento de um filme com a diva Leda Gys. Em “La Madre”, usando uma peruca e maquiagem pesada, Vitaliani interpreta Mamãe Roan, cujo único filho, Emanuel (Giuseppe Sterni, também diretor do filme), é um aspirante a pintor. Emanuel vai para a cidade grande, onde ele conhece a proto-femme fatale Isabella, uma modelo – com ênfase no “proto”. Preocupada, a mãe vai atrás dele para salvá-lo das garras de Isabella e para inspirá-lo a pintar sua obra-prima. “La Madre” foi o último filme de Vitaliani, que escolheu focar nos palcos e ensinar, continuando o legado da prima famosa.

Italia Vitaliani was the cousin of the great dame of theater Eleonora Duse. Contrary to the popular divas of her time, Vitaliani’s acting is more constrained and it shows in “The Mother / La Madre” (1917) – the comparison was clearer as a fragment of a film starring the diva Leda Gys was shown before the main feature. In “La Madre”, wearing a wig and heavy make-up, Vitaliani plays Mother Roan, whose only son, Emanuel (Giuseppe Sterni, also the director), is an aspiring painter. Emanuel goes to the city, where he meets the proto-femme fatale Isabella, a model – emphasis on “proto”. Worried, his mother goes after him to save him from Isabella and then inspires him to paint his masterpiece. “La Madre” was Vitaliani’s last film, as she decided to focus on stage acting and also on teaching, continuing her famous cousin’s legacy.

Da Filmoteca de Catalunya, em Barcelona, veio uma compilação de 20 filmes britânicos do primeiro cinema. Nestes filmes curtíssimos, temos um vislumbre de como era a vida há mais de cem anos – incluindo uma competição muito louca chamada de “paper chase”, mas também oferecendo uma visão de atividades divertidas nos Alpes, uma trupe de macacos ensinados, elefantes tomando banho no Ceilão e órfãos sincronizados. Os curtas de ficção mostraram alguma sofisticação para a época, como “Eccentric Burglary” (1905) com todos aqueles shots reversos. Meu favorito do programa foi “An Affair of Honour” (1904), um retrato muito engraçado de um duelo que deu errado.

From the Filmoteca di Catalunya, in Barcelona, came a compilation of 20 early British films. These very short movies offer a snippet of how life was over a century ago – including the very weird competition called “paper chase”, but also offering a view of fun in the Alps, a troupe of educated monkeys, elephants bathing in Ceylon and synchronized orphans. The fiction shorts showed some sophistication for the time, like “Eccentric Burglary” (1905) with all those reverse shots. My favorite of the bunch was “An Affair of Honour” (1904), a very funny portrait of a duel gone wrong.

"Sangers Circus Passing Through Inverness" (1900)

Outra compilação no programa trouxe quarenta e um filmes caseiros em 9,5mm vindos do mundo todo, feitos entre 1923 e 1960. Com filmes sobre coisas como comida e crianças brincando, o programa foi mais um que ofereceu uma vista d’olhos para um passado recente. Houve até espaço para alguns curtas mais experimentais!

Another compilation in the program brought forty-one 9,5mm home movies from all over the world, spanning the years 1923 to 1960. With movies about things such as food and children playing, the program was another one that offered a sneak peek of how lives were in the recent past. There was even room for some more experimental shorts!

Você se lembra de Silistria e outros reinos da Ruritânia na Giornate do ano passado? Eles estão de volta em 2023, e um filme da série é “A Woman of Distinction / Eine Frau Von Format” (1928). Ele conta as aventuras da Embaixatriz da Turquísia, Dschilly Zileh Bey (Mady Christians), que vai para a Silistria e conhece a Princesa (Diana Karenne) do reino. Dschilly está lá para comprar uma ilha, e assim inicia uma disputa diplomática com o Conde Geza (Peter Leska). Este raro filme centrado em personagens femininas foi acompanhado pela pianista Elaine Loebenstein e é muito divertido, contando até com cross-dressing.

Do you remember Silistria and other Ruritanian kingdoms from last year’s Giornate? They are back in 2023, and one film from the series is “A Woman of Distinction / Eine Frau Von Format” (1928). It follows the adventures of the Ambassador of Turquisie, Dschilly Zileh Bey (Mady Christians), as she goes to Silistria and meets the Princess (Diana Karenne) of the kingdom to buy an island, initiating a diplomatic dispute with Count Geza (Peter Leska). This rare female-centered movie was also accompanied by a female pianist, Elaine Loebenstein, and was a lot of fun, complete with cross-dressing.

Mae Murray brilha e mostra alguns passos de dança radicais em “Circe the Enchantress” (1924), um conto da era do jazz dirigido por Robert Z. Leonard, então marido de Mae. Neste filme, ela interpreta a socialite Cecilie que, embora seja amada por Jeff Craig (William Haines), decide seduzir seu vizinho, o doutor Van Martyn (James Kirkwood). Com incríveis sequências de festas, o filme toma um caminho melodramático perto do fim – típico da época em que foi feito.

Mae Murray shines and shows some rad dance moves in “Circe the Enchantress” (1924), a tale of the Jazz Age directed by Robert Z. Leonard, then Mae’s husband. In this film, she plays society girl Cecilie who, despite being loved by Jeff Craig (William Haines), decides to seduce her neighbor, Dr Van Martyn (James Kirkwood). With amazing party sequences, the film takes a melodramatic turn near the end – typical of its time.

O cinema de Weimar recebeu destaque na Giornate deste ano. Três gêneros de filmes de Weimar foram exemplificados: o Filme de Montanha (com “The Mountain of Destiny”), os filmes de aventura (de Harry Piel) e os Filmes de Rua com “The Street / Die Straβe” (1923). Este foi a obra-prima do diretor Karl Grune e uma influência para todos os filmes que têm uma cidade como personagem, caso de alguns filmes noir. A história – contada com um mínimo de cartelas de texto – é sobre um Marido (Eugen Klöpfer) que sai uma noite e se apaixona por uma Vamp (Aud Egede Nissen) e se mete em encrenca na casa dela. Quase irreconhecível, Max Schreck (mais conhecido como Nosferatu) interpreta um homem cego.

Weimar cinema was ostensibly showcased in this year’s Giornate. There were three genres of Weimar films exemplified: the Mountain Film (with “The Mountain of Destiny”), the adventure films (Harry Piel’s films) and the Street Film with “The Street / Die Straβe” (1923). This latter was director Karl Grune’s masterpiece and an influence for all films that have a city as a character, like some noirs. The story – told with minimum use of title cards – is about a Husband (Eugen Klöpfer) who goes out one night and falls for a Vamp (Aud Egede Nissen) and finds trouble in her house. Almost unrecognizable, Max Schreck (aka Nosferatu) plays a blind man.   

O filme que encerrou a 42^a Giornate online foi “Conrad in Quest of His Youth”, um filme de 1920 de William C. DeMille – irmão de Cecil B. Conrad Warrener (Thomas Meighan) retorna da guerra e se sente nostálgico, por isso decide reencontrar velhos conhecidos para reviver os bons e velhos tempos – mas nada sai como ele esperava.

The film that closed the online 42^nd Giornate was “Conrad in Quest of His Youth”, a 1920 film by William C. DeMille – Cecil B.’s brother. Conrad Warrener (Thomas Meighan) returns from the war and feels nostalgic, so he decides to reconnect with old acquaintances to relive the good old times – but nothing comes out as expected by him.

Muitas cópias este ano vieram do Bundesarchiv alemão, o que foi ótimo porque pude testar meu alemão lendo cartelas de texto. O arquivo tcheco Národní Filmový Archiv também colaborou muito, oferecendo filmes como “The Fox”, “Circe the Enchantress” e, no festival presencial, um filme perdido de 1918 sobre o Rio Amazonas aqui do Brasil.

Many prints this year came from the German Bundesarchiv, which was great because I could test my German reading intertitles. The Czech archive Národní Filmový Archiv also was a big player, offering films such as “The Fox”, “Circe the Enchantress” and, in the in-person festival, a missing film from 1918 about the Amazon River here in Brazil.

"The Mountain of Destiny" (1924)

Uma mudança muito boa feita no festival online este ano foi que os filmes ficaram disponíveis por 48 horas, não mais 24 como nas edições anteriores. Esta janela de tempo maior me ajudou muito e fez que eu e, como pude ler nas redes sociais, muitos outros pudéssemos aproveitar todas as sessões.

One very good change in this year’s online festival is that the movies were available for 48 hours, not 24 like in the previous editions. This bigger time window really helped me and, as I could read on social media, others fully enjoy the screenings.

"A Woman of Distinction" (1928)

Houve mais programas na Giornate presencial que não entraram na edição online, como a muito antecipada exibição de fragmentos de filmes que ecoam assuntos feministas. Para a Giornate online, entretanto, eu não consigo me decidir e escolher uma atração favorita, pois adorei tudo. Prova de que é possível  para uma pessoa assistir só filmes mudos pelo resto da vida sem se cansar, a Giornate del Cinema Muto mais uma vez trouxe alegria e conhecimento para nós ao redor do mundo.

There were more programs in the in-person Giornate that didn’t make the online edition, like a very anticipated screening of film fragments that echo feminist issues. For the online Giornate, however, I can’t come to terms and choose a favorite attraction, as I enjoyed it all immensely. Proof that one can watch only silent movies for the rest of one’s life and not be bored, the Giornate del Cinema Muto once again brought joy and knowledge to us all over the world.

O que Matou por Amor (1944) / Summer Storm (1944)

 

Até mesmo grandes diretores começaram dando pequenos passos. Hoje nosso foco é um filme de Douglas Sirk feito para os estúdios Angelus Pictures e Nero Film, ambos praticamente esquecidos na atualidade. Nero Film, assim como Sirk, tinha como casa a Alemanha e migrou quando os nazistas chegaram ao poder. “O que Matou por Amor” é apenas o segundo filme de Sirk feito em Hollywood, e um filme que ecoa as raízes europeias do diretor.

Even big directors started small. Today we showcase a film by Douglas Sirk made for the studio Angelus Pictures, as well as Nero Film, both nearly forgotten today. Nero Film, just like Sirk, was based in Germany and fled as Nazis came to power. “Summer Storm” is just Sirk’s second film made in Hollywood, and one that echoed his European roots.

Nossa história começa em 1919, na Rússia revolucionária, quando o ex-conde Volsky (Edward Everett Horton) procura um jornal para publicar uma história. Ele chega à sede do Times local e descobre que a nova editora é uma velha conhecida, Nadena Kalenin (Anna Lee). Ele dá a ela o manuscrito e passamos para dentro da história.

 

Our story starts in 1919, in revolutionary Russia, when the former Count Volsky (Edward Everett Horton) seeks a newspaper to publish a story. He arrives at the local Times headquarters and learns that the new editor is an old acquaintance, Nadena Kalenin (Anna Lee). He then hands her the manuscript and we’re immersed in the story.

Corta para 1912, numa Rússia pré-revolucionária. Nadena acabara de ficar noiva de Fedor ‘Fedya’ Petroff (George Sanders), mas ele conhece uma camponesa encantadora, Olga (Linda Darnell), na casa de Volsky. Olga se casa com um dos empregados de Volsky, Anton Urbenin (Hugo Haas), mas ela claramente tem nojo do marido e vai atrás de Fedya. Não satisfeita, ela também seduz Volsky!

 

Cut to 1912, in pre-revolutionary Russia. Nadena has just gotten engaged to Fedor ‘Fedya’ Petroff (George Sanders), but he meets an enchanting peasant, Olga (Linda Darnell), at Volsky’s place. Olga marries one of Volsky’s employees, Anton Urbenin (Hugo Haas), but she’s clearly disgusted by her husband and pursues Fedya instead. Not satisfied, she also seduces Volsky!

Quando Fedya e Olga se beijam pela primeira vez, ela está mais preocupada com seu único par de botas, que ela estava segurando e que caíram de suas mãos. No segundo beijo deles – ou no segundo beijo que vemos – acontece no dia do casamento dela e de repente ela se mostra mais segura e ousada. Esta mudança de garota simples para um tipo de femme fatale parece estranha, mas faz sentido porque Olga é uma mulher endurecida por sua realidade: com um pai alcoólatra, sua única maneira de escapar de uma vida miserável é através de suas relações com os homens.

 

When Fedya and Olga first kiss, she’s more worried about her only pair of boots, that she was holding and fall from her hand. In their second kiss – or in the second kiss we see – it’s her wedding day and suddenly she’s more secure and bold. This transition from simple girl to a kind of femme fatale seems odd, but makes sense as Olga is a woman hardened by her reality: with an alcoholic father, her only way out of a miserable life is through her relationships with men.

Linda Darnell tinha apenas 20 anos quando fez “O que Matou por Amor”. Nascida Monetta Eloyse Darnell em Dallas, Texas, ela foi obrigada pela mãe a começar uma carreira como modelo aos 11 anos de idade e como atriz aos 13. Ela fez seu primeiro filme em 1939 e vinha interpretando personagens inocentes... até “O que Matou por Amor”. Este filme mudou sua imagem junto ao público e a partir daí ela passou a interpretar personagens mais ambíguas, incluindo algumas femme fatales, com grande sucesso.

Linda Darnell was only 20 when she made “Summer Storm”. Born Monetta Eloyse Darnell in Dallas, Texas, she was pushed by her mother to pursue a modeling career, that started at age 11, and an acting career, starting at 13. She made her first film in 1939 and had been playing innocent characters… until “Summer Storm”. This film changed her public image and from then on she played more ambiguous characters, including a few femme fatales, with great success.

A jovem criada do conde Volsky, Clara (Laurie Lane), suspira quando vê que Fedya chegou para visitar o amigo. Ela tinha sua razão: George Sanders foi um dos atores mais charmosos da velha Hollywood. Com uma voz distinta e melódica, Sanders foi escolhido para o papel devido à sua semelhança física com o ator alemão Willy Birgel, que era a primeira escolha de Sirk quando o diretor estava desenvolvendo a adaptação do romance ainda na Alemanha. Sirk deixou o país em 1937, mas levou consigo a ideia de adaptar “The Shooting Party” para as telas.

 

Count Volsky’s young maid Clara (Laurie Lane) swoons when she says Fedya is there to see his friend. She had reason: George Sanders was one of the most charming actors from Old Hollywood. With a distinct, melodic voice, Sanders was chosen for the role because he looked like German actor Willy Birgel, who was Sirk’s first choice when the director was developing the adaptation of the novel still in Germany. Sirk left the country in 1937, but kept his idea of adapting “The Shooting Party” to the screen.

“O que Matou por Amor” é baseado num romance do notório escritor russo Anton Chekhov, e o texto foi adaptado para as telas por Douglas Sirk e Michael O’Hara. Mas não existia ninguém chamado Michael O’Hara: é apenas o pseudônimo de Sirk! O roteiro final é creditado a Rowland Leigh, mas ele não foi a primeira escolha de Sirk: o primeiro roteirista contratado, James M. Cain, foi demitido por Sirk porque ele fez os personagens parecerem “americanos demais”. “The Shooting Party” foi o trabalho mais longo de Chekhov e seu único romance.

“Summer Storm” is based on a novel by the notorious Russian writer Anton Chekhov, and the text was adapted to the screen by Douglas Sirk and Michael O’Hara. But there was no such person named Michael O’Hara: it’s only Sirk’s pseudonym! The final screenplay is credited to Rowland Leigh, but he wasn’t Sirk’s first choice: the first screenwriter hired, James M. Cain, was fired by Sirk because he made the characters seem “too American”. “The Shooting Party” was Chekhov’s largest work and only full-length novel.

Feito numa época em que ainda não havia animosidade em relação à Rússia e União Soviética – o país e os EUA eram aliados durante a Segunda Guerra Mundial, e a Guerra Fria ainda levaria um par de anos para começar – “O que Matou por Amor” bebe da tradição russa e nos faz imaginar que obras-primas poderiam vir se Hollywood tivesse continuado adaptando obras russas. Um veículo excelente para suas estrelas, este é certamente um filme que vale a pena ser visto se ainda não foi.

Made in a time when there wasn’t yet animosity regarding Russia and URSS – the country and the USA were allies during World War II, and the Cold War would still take a couple of years to start – “Summer Storm” drinks from Russian tradition and makes us wonder which masterpieces would come if Hollywood kept adapting Russian works. An excellent vehicle for its stars, it is surely a film to check out if you haven’t yet.

 

This is my contribution to the Linda Darnell Centennial blogathon, hosted by Samantha at Musings of a Classic Film Addict.

Os Contos de Hoffmann (1951) / The Tales of Hoffmann (1951)

 

Eu confio em Martin Scorsese. Ele não é apenas um excelente cineasta, mas também ama o cinema profundamente. Ele tem uma fundação para restaurar e exibir filmes de todo o mundo que sejam culturalmente significantes. E por causa disso ele tem um ótimo gosto para filmes. Foi através de uma entrevista com Scorsese que eu pela primeira vez ouvi falar de “Os Contos de Hoffmann” (1951), um filme escrito, produzido e dirigido pela dupla dinâmica Michael Powell e Emeric Pressburger – o filme que é considerado o último triunfo deles antes da separação em 1957.

 

In Martin Scorsese we trust. He’s not only a great filmmaker, but also loves cinema deeply. He has a foundation to restore and exhibit movies from all over the world that are culturally significant. And because of this he has a very good taste in movies. It was through an interview with Scorsese that I first heard about “The Tales of Hoffmann” (1951), a film written, produced and directed by the mighty duo of Michael Powell and Emeric Pressburger – a film that is considered to be their last hurrah before they split in 1957.

O filme consiste em três histórias contadas por E.T.A. Hoffmann (Robert Rounseville) durante o intervalo de um espetáculo de dança do qual sua amada Stella (Moira Shearer) é a estrela. Stella também é objeto de desejo do rival de Hoffmann, Lindorf (Robert Helpmann).

 

The movie consists in three tales told by E.T.A. Hoffmann (Robert Rounseville) during the interval of a dance spectacle where his beloved Stella (Moira Shearer) is the star. Stella is also the object of desire of Hoffmann’s rival, Lindorf (Robert Helpmann).

Primeiro temos A História de Olympia. Em Paris, um jovem Hoffmann se apaixona por Olympia (Moira Shearer), uma boneca.

 

First we have The Tale of Olympia. In Paris, a young Hoffmann falls in love with Olympia (Moira Shearer), an automaton.

Depois há A História de Giulietta. Em Veneza, Hoffmann encontra a cortesã Giulietta (Ludmilla Tchérina) num baile de máscaras. Giulietta rouba almas e reflexos e gosta de usar joias suntuosas. Aqui podemos ouvir a Barcarolle, provavelmente a música mais famosa em “Os Contos de Hoffmann”.

 

Next there is The Tale of Giulietta. In Venice, Hoffmann meets the courtesan Giulietta (Ludmilla Tchérina) in a masquerade. Giulietta steals souls and reflections and likes to wear lavish jewelry. Here we can hear the Barcarolle, probably the most famous song in “The Tales of Hoffmann”.

A última história é A História de Antonia. Numa ilha grega, Antonia (Ann Ayars), uma cantora de ópera, vive com seu pai, um maestro amargo que quer que ela pare de cantar por causa de uma doença incurável.

 

The final tale is The Tale of Antonia. On a Greek island, Antonia (Ann Ayars), an opera singer, lives with her father, a bitter conductor who wants her to stop singing because of an incurable disease.

Além de Robert Rounseville, outros atores aparecem em todas as histórias, como Robert Helpmann e Léonide Massine. Eu estava esperando que todas as mulheres amadas por Hoffmann fossem interpretadas por Moira Shearer, para repetir o que acontece em outro filme de Powell e Pressburger, “Coronel Blimp: Vida e Morte” (1943), no qual todos os interesses amorosos do protagonista são interpretados pela mesma atriz, no caso Deborah Kerr. Eu vejo por que a mudança ocorreu em “Os Contos de Hoffmann”, especialmente na última história, que pedia uma cantora de ópera.

 

Besides Robert Rounseville, other actors appear in all stories, such as Robert Helpmann and Léonide Massine. I was expecting all women loved by Hoffmann to be played by Moira Shearer, to repeat what happens in another Powell and Pressburger movie, “The Life and Death of Colonel Blimp” (1943), in which all the lead’s love interests are played by the same actress, in this case Deborah Kerr. I see why the change is present in “The Tales of Hofmann”, especially in the last story, that required a real opera singer.

Um personagem que chamou minha atenção foi Nicklaus, fiel amigo de Hoffmann que está sempre ao seu lado em suas aventuras, interpretado por Pamela Brown. É claramente um personagem andrógino, que na ópera original também era interpretado por uma mulher. Nicklaus canta em alguns momentos – nos quais a voz de Brown é dublada pela popular cantora Monica Sinclair. Pamela Brown, apesar de ter artrite, o que limitava sua mobilidade, foi uma atriz de sucesso e teve um relacionamento com Michael Powell entre 1962 e a morte dela em 1975.

 

One character who called my attention was Nicklaus, Hoffmann’s faithful friend who is always accompanying him in his adventures, played by Pamela Brown. It’s clearly an androgynous character, that in the original opera was also played by a woman. Nicklaus had a few singing moments – in which Brown’s voice was dubbed by the popular singer Monica Sinclair. Pamela Brown, despite having an arthritic condition that limited her mobility, was a successful actress and was in a relationship with Michael Powell from 1962 until her death in 1975.

“Os Contos de Hoffmann” é originalmente uma ópera de 1881 de Jacques Offenbach, inspirada pelos contos de E.T.A. Hoffmann – sim, ele foi uma pessoa real! Além de inspirar esta ópera, os escritos de Hoffmann também serviram de inspiração para “O Quebra-Nozes” de Tchaikovsky e o balé “Coppelia”. Nada mau, considerando que Hoffmann foi também compositor.

 

“The Tales of Hoffmann” is originally an opera by Jacques Offenbach from 1881, coming from three short stories by E.T.A. Hoffmann – yes, he was a real person! Besides inspiring this opera, Hoffmann’s writings also inspired Tchaikovsky’s “The Nutcracker” and the ballet “Coppelia”.  Not bad, considering that Hoffmann was also a composer.

O processo de edição foi um pouco diferente neste filme. A ópera completa foi pré-gravada, criando a trilha sonora, e mais tarde o filme foi editado seguindo a música. “Os Contos de Hoffmann” realiza o sonho de Powell de criar um filme que complementaria música já composta. Foi o maestro Thomas Beecham que apresentou a ópera de Offenbach para Powell. Por causa da trilha pré-gravada, toda a cantoria foi filmada através de lip-synch, o que aproxima a produção dos filmes mudos, algo difícil de se imaginar no caso de um musical.

 

The editing process was a bit different in this film. The whole opera was pre-recorded, creating the soundtrack, and later the film was edited following the music. “The Tales of Hoffmann” fulfils Powell’s dream to create a movie that would complement music already composed. It was the conductor Thomas Beecham who introduced Powell to the Offenbach opera. Because of the pre-recorded soundtrack, all singing was lip-synched, which makes the production closer to silent films than we could imagine it would be.  

O diretor de fotografia do filme foi Christopher Challis, o que significa que Powell e Pressburger escolheram não dar continuidade à parceria com Jack Cardiff. Challis foi operador de câmera em outros filmes da dupla e era um mestre na fotografia de filmes coloridos. Sobre ele, Scorsese disse: “Chris Challis trouxe uma vibração à paleta de celuloide que foi inteiramente sua, e que ajudou a fazer da Inglaterra liderança naquele longo e glorioso período de cinema clássico mundial.”

 

The film was photographed by Christopher Challis, which means that Powell and Pressburger chose not to repeat their partnership with Jack Cardiff. Challis had been a camera operator in other films by the duo and was a master at shooting color films. About him, Scorsese said: “Chris Challis brought a vibrancy to the celluloid palette that was entirely his own, and which helped make Britain a leader in that long, glorious period of classic world cinema."

Quando “Hamilton” (2020) foi barrado no Oscar por ser “teatro filmado”, um debate teve início. “Os Contos de Hofmann”, que poderiam similarmente ser chamado de “ópera filmada”, foi indicado a dois Oscars em 1952: Melhor Direção de Arte – Cor e Melhor Design de Figurino – Cor – ambos os prêmios foram para outro musical, “Sinfonia de Paris”. E não podemos dizer que a produção de 1951 era simplesmente “ópera filmada”, pois tem edição – uma técnica exclusiva do cinema – e usa composições e ângulos de câmera que não representam a visão de um espectador num teatro.

 

When “Hamilton” (2020) was barred from the Oscars for being “filmed theater”, a debate ignited. “The Tales of Hoffmann”, that could similarly be called “filmed opera”, was nominated for two Oscars in 1952: Best Art Direction – Color and Best Costume Design – Color – both awards went to another musical, “An American in Paris”. And we can’t say that the 1951 production was simply “filmed opera”, as it has editing – a technique exclusive to cinema – and uses compositions and camera angles that don’t represent a viewer’s view in a theater.

Fico feliz por finalmente ter assistido a “Os Contos de Hoffmann”, embora eu desejasse tê-lo visto na tela grande, para aproveitar o espetáculo, e com legendas, para melhor entender o que estava sendo cantado. Ele não entrou no meu Top 3 de Powell e Pressburger – que consiste de “Coronel Blimp: Vida e Morte” (1943), “Os Sapatinhos Vermelhos” (1948) e meu grande favorito “Neste Mundo e no Outro” (1946).

 

I’m happy I finally watched “The Tales of Hoffmann”, although I wish it was on the big screen, to see the spectacle, and with subtitles, to better understand what was being sung. It didn’t enter my Powell and Pressburger Top 3 – that consists of “The Life and Death of Colonel Blimp”(1943), “The Red Shoes” (1948) and my big favorite “A Matter of Life and Death”(1946).