Adventures in cinematography

Tudo começou com um desafio do Facebook: escolher 10 filmes que me causaram impacto e publicar cenas destes filmes, durante 10 dias, deixando seus amigos adivinharem qual o filme de cada dia. Minha grande amiga – e também Suffragette – Rafaella me desafiou e eu decidi escolher apenas as mais belas imagens para publicar. Com isso, eu pude explorar um assunto que vem chamando minha atenção ultimamente: a fotografia dos filmes e os grandes diretores de fotografia do cinema.

It all started as a Facebook challenge: choose 10 films that made an impact on you, and post frames of them over 10 days, letting your friends guess which film it was. My good friend – and fellow Suffragette – Rafaella challenged me and I decided to choose only very beautiful frames to add to my feed. With this, I could dive deeper into something that has been calling my attention lately: cinematography and great cinematographers.

Eu sei que os filmes noir têm algumas das melhores direções de fotografia, e grandes diretores de fotografia como Greg Tolland e John Alton fizeram filmes noir. Para minha lista, eu escolhi um filme noir, três filmes mudos, e fiz questão de incluir filmes dos EUA, América Latina e Europa.

I know noir has some of the best photographies, and great cinematographers like Greg Tolland and John Alton worked in noir. For my list, I chose one film noir, three silent films, and I also made an effort to choose from both US, Latin and European films.

Estes foram os dez escolhidos, com algumas observações:

Here are my chosen ten, with some notes:

Aconteceu Naquela Noite, 1934. Dirigido por Frank Capra. Diretor de fotografia Joseph Walker.

Este foi o filme que deu origem ao blog Crítica Retrô!

It Happened One Night, 1934. Directed by Frank Capra. Cinematographer Joseph Walker.

This was the film that originated the blog Crítica Retrô!

A Dama de Xangai, 1947. Dirigido por Orson Welles. Diretores de fotografia Charles Lawton Jr (creditado), Rudolph Maté e Joseph Walker (ambos não creditados).

Com uma das minhas sequências favoritas.

The Lady from Shanghai, 1947. Directed by Orson Welles. Cinematographers Charles Lawton Jr (credited), Rudolph Maté, Joseph Walker (both uncredited).

It has one of my favorite sequences of all films.

E o Vento Levou, 1939. Dirigido por Victor Fleming. Diretores de fotografia Ernest Haller (creditado), Lee Garmes (não creditado).

Gone with the Wind, 1939. Directed by Victor Fleming.  Cinematographers Ernest Haller (credited), Lee Garmes (uncredited).

Europa ’51, 1952. Dirigido por Roberto Rossellini. Diretor de fotografia Aldo Tonti.

Europa '51, 1952. Directed by Roberto Rossellini.  Cinematographer Aldo Tonti.

Quando Explode a Vingança, 1971. Dirigido por Sergio Leone. Diretor de fotografia Giuseppe Ruzzolini.

Outro elemento icônico do filme é a bela trilha sonora composta por Ennio Morricone.

A Fistful of Dynamite aka Duck, You Sucker!, 1971. Directed by Sergio Leone. Cinematographer Giuseppe Ruzzolini.

Another iconic element in this film is the beautiful soundtrack composed by Ennio Morricone.

Um Homem com uma Câmera, 1929. Dirigido por Dziga Vertov. Diretores de fotografia Mikhail Kaufman (creditado), Gleb Troyanski (não creditado).

Mikhail Kaufman é também o protagonista deste grande filme.

Man with a Movie Camera, 1929. Directed by Dziga Vertov.  Cinematographers Mikhail Kaufman (credited), Gleb Troyanski (uncredited).

Mikhail Kaufman is also the lead in this great film.

O Fugitivo, 1932. Dirigido por Mervyn LeRoy. Diretor de fotografia Sol Polito.

I am a Fugitive from a Chain Gang, 1932. Directed by Mervyn LeRoy. Cinematographer Sol Polito.

O Pássaro Azul, 1918. Dirigido por Maurice Tourneur. Diretor de fotografia John van den Broek.

John van den Broek faleceu menos de três meses após a estreia deste filme.

The Blue Bird, 1918. Directed by Maurice Tourneur. Cinematographer John van den Broek.

John van den Broek passed away less than three months after this film premiered.

Aurora, 1927. Dirigido por F.W. Murnau. Diretores de fotografia Charles Rosher, Karl Struss.

Sunrise, 1927. Directed by F.W. Murnau. Cinematographers Charles Rosher, Karl Struss.

O Pagador de Promessas, 1962. Dirigido por Anselmo Duarte. Diretor de fotografia H.E. Fowle.

H.E. Fowle era comumente creditado como ‘Chick’ Fowle. Ele era um diretor de fotografia inglês que veio para o Brasil em 1950 com Alberto Cavalcanti, com quem colaborou em vários trabalhos.

The Given Word (O Pagador de Promessas), 1962. Directed by Anselmo Duarte. Cinematographer H.E. Fowle.

H.E. Fowle was credited as 'Chick' Fowle. He was an English director of photography who came to Brazil in 1950 with Alberto Cavalcanti,  his frequent collaborator.

Eu devo concordar com meu bisavô que filmes em preto e branco são mais bonitos!

I must agree with my grand-grandfather that black and white movies are more beautiful!

Resoluções cinematográficas 2017 – Resultado / 12 classics for 2017 – results

Eu falhei.

I failed.

Pela primeira vez desde que me comprometi a cumprir esta tarefa hercúlea, três anos atrás, eu falhei e não assisti a todos os filmes da minha lista. E não foi minha culpa: eu simplesmente não consegui encontrar uma cópia de “Cilada Amorosa” (1929). Ele nunca saiu em DVD onde eu moro e eu não consegui encontrar o filme mesmo através de, hum, meios nem sempre legalizados. Mas eu não desisti: ainda estou procurando por “Cilada Amorosa” como quem procura o Santo Graal, e um dia eu assistirei ao filme e completarei esta lista.

For the first time since I took on this yearly Herculean task, three years ago, I failed to watch all the films on my list. And it was not my fault: I simply couldn't find a copy of “The Love Trap” (1929). It was never released on DVD where I live and it couldn't even be found in, er, less than legal ways. I haven't given up: I'm still looking for “The Love Trap” as one looks for a Holy Grail, and one day I intend to watch it and complete my list.

Agora, vamos esquecer minha vergonha por um momento e ler minhas impressões sobre cada clássico que eu vi pela primeira vez em 2017:

Now, let's forget my shame for a while and read my thoughts on each of the classics I saw for the first time in 2017:

Judith of Bethulia (1914): Esta é a história bíblica de como Jerusalém foi salva quando a mística Judith (Blanche Sweet) seduziu e matou o príncipe Holofernes (Henry B. Walthall.) Não seo fã de Griffith, e não estava tão familiarizada com a história quanto o público de 1914 provavelmente estava, mas este filme me lembrou do estilo das novelas da Record.

Judith of Bethulia (1914): This is the biblical story of how Jerusalem was saved when mystical Judith (Blanche Sweet) seduced and killed prince Holofernes (Henry B. Walthall). I’m not a Griffith fan, and I was not as familiar with story as the 1914 moviegoers probably were, but this film reminded me of the production values of a corny biblical soap opera.

Himmelskibet (1918): É basicamente o que o título em inglês diz – uma viagem para Marte – mas é muito impressionante para algo feito em 1918. E é ainda mais surpreendente o fato de que eles acertaram o tempo que leva uma viagem da Terra à Marte – cerca de seis meses! Os efeitos especiais são muito bons, e você se surpreenderá ao descobrir como os marcianos vivem. Eu também adorei os nomes dos personagens em Latim – Planetaros, Corona, Dubius.

A Trip to Mars / Himmelskibet (1918): It’s basically that – A Trip to Mars – but very impressive for 1918. And it’s even more impressive that they got right the time to travel from Earth to Mars – about six months! The special effects are very good, and you’ll be surprised to find out how Martians live. I also loved the Latin names– Planetaros, Corona, Dubius.

A Morte Cansada / Der Müde tod (1921): Este feito só poderia ter sido feito durante o Expressionismo Alemão. Em Hollywood, o filme teria um final feliz, mais facilmente digerível, mas nada realista. Na Alemanha, a história da mulher (Lil Dagover) que tenta salvar uma das três almas em diferentes lugares e épocas com o intuito de trazer seu amado de volta dos mortos é contada com perfeição – como se “Intolerância” (1916) tivesse sido bem feito.

Destiny / Der Müde Tod (1921): This film could only be made during the German Expressionism movement. In Hollywood, it would have been pushed to a palatable, but not realistic, happy ending. In Germany, the story of a woman (Lil Dagover) who tries to save one of three souls in different places and times to have her boyfriend back from the dead is perfectly developed – like an “Intolerance” (1916) done right.

L’Inhumaine (1924): A história envolve uma cantora fria, Claire (Georgette Leblanc) e seus muitos admiradores. Há um toque dramático e ao fim o filme se transforma em ficção científica. Mas os cenários são a verdadeira atração: idealizados por dois diretores de arte (o brasileiro Alberto Cavalcanti e o francês Claude Autant-Lara), os cenários são ousados, futuristas, assimétricos, cubistas, assustadores e tão impressionantes quanto os de “Metrópolis” (1927) – ou até um pouco mais.

The New Enchantment / L’inhumaine (1924): The story involves a cold singer, Claire (Georgette Leblanc) and her many admirers. There is a dramatic touch and then it becomes science fiction. But the sets are the real attraction here: designed by two art directors (Brazilian Alberto Cavalcanti and French Claude Autant-Lara), they’re bold, futuristic, cubist, asymmetric, awe-inducing and as impressive as the sets in “Metropolis” (1927) – maybe even more.

Uma Página de Loucura (1926): Este clássico japonês é contado sem intertítulos e é, por causa disso e de outras coisas, fascinante. O final é maravilhoso, e trata-se de um filme que você deve assistir muitas vezes para apreciá-lo por completo. Leia minha crítica completa AQUI.

A Page of Madness (1926): This Japanese classic is told without intertitles and is, because of this and other things, fascinating. The ending is wonderful, and it is one film you should watch many times to fully appreciate it. My full review is HERE.

Aurora / Sunrise (1927): Eu devo confessar que na metade do filme pensei ser estranho e até sexista o fato de que a esposa (Janet Gaynor) havia perdoado o marido (George O’Brien) e estava se divertindo muito com ele algumas horas depois de ele ter tentado matá-la. Mas então os 15 minutos finais me deixaram sem palavras. Que surpresa. Bravo, Murnau, você merece ser aplaudido de pé.

Sunrise (1927): I must confess that in the middle of the film I thought it was weird and even sexist the fact that the wife (Janet Gaynor) forgave her husband (George O’Brien) and was having the time of her life with him some mere hours after he tried to kill her. But then the final 15 minutes came and OH MY. What a plot twist. Bravo, Murnau, I ended up giving you a standing ovation.

Cilada Amorosa / The Love Trap (1929)

Ver para Crer / Why Be Good? (1929): Este filme tem um subtexto feminista e Colleen Moore arrasa na pista de dança. Ela é Pert Kelly, uma vendedora que adora festejar – e cuja reputação a prejudica quando o filho de seu patrão (Neil Hamilton) se apaixona por ela. Eu pretendo escrever mais sobre este filme.

Why Be Good? (1929): This film has a feminist subtext and Colleen Moore rocks some dance movements. She’s Pert Kelly, a salesgirl who loves to party – and whose reputation precedes her when the boss’s son (Neil Hamilton) falls in love with her. I intend to write more about this movie.

O Presídio / The Big House (1930): Este filme foi escrito por Frances Marion – a primeira mulher a ganhar um Oscar de roteiro e também a primeira mulher a ganhar um Oscar em categorias diferentes da atuação. É a história de Kent (Robert Montgomery), que dirigia embriagado e matou um homem atropelado, e seus companheiros de cela durões: Butch (Wallace Beery) e Morgan (Chester Morris). O filme também deu a Douglas Shearer o primeiro Oscar de Mixagem Som da história.

The Big House (1930): This film was written by the great Frances Marion – the first woman to win a Screenplay Oscar and also the first woman to win a non-acting Oscar. It’s the story of Kent (Robert Montgomery), who killed a man by driving drunk, and his though cell companions: Butch (Wallace Beery) and Morgan (Chester Morris). The film also gave Douglas Shearer the first Best Sound Mixing Oscar ever.

Glória e Poder / The Power and the Glory (1933): É Cidadão Kane oito anos antes de Cidadão Kane – ou quase isso. Este filme tem um excelente roteiro – obrigada, Preston Sturges! – e traz Colleen Moore naquele que é provavelmente seu melhor momento. Crítica completa AQUI.

The Power and the Glory (1933): It is Citizen Kane eight years before Citizen Kane – kind of. This film is beautifully written – thanks, Preston Sturges! – and showcases Colleen Moore at probably her best moment. Full review HERE.

A Mulher de Branco / Woman in White (1948): É místico, e se parece muito com um conto de fadas noir. O filme também trata de alienação e roubo. Crítica completa AQUI.

Woman in White (1948): It’s mystical, and it’s much like a noir fairy tale. It also involves alienation and robbery. Eleanor Parker is amazing. Full review HERE.

Papai é do Contra / Hobson’s Choice (1954): Charles Laughton está ótimo como o conservador Hobson, mas eu gostei especialmente de Brenda de Banzie como sua esperta filha mais velha e do brilhante John Mill como um funcionário talentoso porém ingênuo. Crítica completa AQUI.

Hobson’s Choice (1954): Charles Laughton is great as old-fashioned Hobson, but I especially loved Brenda de Banzie as his smart older daughter and brilliant John Mills as a talented but naïve employee. Full review HERE.

Preparação para o Oscar – O pioneiro

Alô, cinéfilos de plantão! Estamos a poucos dias de conhecer os felizardos ganhadores do prêmio mais cobiçado do cinema. Mas nem sempre foi assim. Quando a premiação surgiu, era apenas chamada de “prêmio de mérito”. Mais do que isso: as primeiras estatuetas foram entregues em cinco minutos e não houve nem emoção: os vencedores tinham sido anunciados três meses antes do evento. Houve até um prêmio que hoje soa meio bizarro: Melhor Entretitulagem (nos filmes mudos, narração e diálogos aparecaim nos entrertítulos), que só durou aquele ano e foi para Joseph Farnham.Veja mais algumas curiosidades:

Primeiro Oscar de Melhor Filme:

Na primeira cerimônia não houve prêmio de Melhor Filme: foram dois: Produção (Asas) e Produção Artística e Notável (Aurora). No entanto, numa convenção posterior, Asas se tornou oficialmente o primeiro ganhador do prêmio devido às revisões nas regras do Oscar. E Adivinhe qual filme ainda é assistido e glorificado até hoje?

Primeiro Melhor Ator (protagonista): 

Emil Jannings (um conhecido simpatizante do Nazismo e, depois, publicitário da causa) ficou com o primeiro Oscar de Melhor ator por The Last Command (dirigido Josef von Sternberg, o queridinho da Marlene Dietrich).O ator tinha de voltar à Europa antes da cerimônia, por isso sua premiação foi adiantada, o que faz dele e primeiríssimo a receber o Oscar.

Primeira Melhor Atriz:

Janet Gaynor pode se gabar de ser a primeira Melhor Atriz, mas ganhou por seu árduo trabalho em 3 filmes: Aurora, sétimo Céu e Anjo das Ruas. Na foto, ela está com Frank Borzage, ganhador como Melhor Diretor - Drama. Janet disse na cerimônia : "se eu posso fazer isso, qualquer uma pode". Obrigada, Janet, por alimentar minhas esperanças! :)

Primeira Celebração e Apresentador:

A primeiríssima cerimônia de entrega do Oscar aconteceu em 16 de maio de 1929 no Hotel Roosevelt e o anfitrião foi Douglas Fairbanks (OK, o hotel era dele). Foi uma pequena reunião de 270 pessoas.

Isso é tudo, pessoal! Esperem por mais fatos curiosos sobre o Oscar!

Lê ^_^